芭蕾与大众

通过公共和私人手段资助和补贴芭蕾舞作品正变得越来越复杂。公众对芭蕾舞的看法对确保或危及芭蕾舞的财政基础有着巨大的影响。芭蕾舞经常被指责为“精英主义”和无关紧要，很容易从资助名单上消失，并被那些否认表演艺术价值的人变成文化上的替罪羊。

专业芭蕾舞表演的票价可能很高，而批评者则用这一事实来证明这种艺术只为有钱的人服务。然而，好的表演需要一群受过广泛训练的舞者和大型辅助设备。然而，高昂的票价往往限制了经济状况不佳的观众接触这种艺术形式，其中许多人是少数族裔。同样的不平等也会使孩子们灰心多样化的学习芭蕾的背景。虽然21世纪的一些青年项目试图招收更多的有色人种学生，但几十年来，芭蕾课程往往仅限于主要来自中上层阶级的白人孩子。事实上，在工业化世界的许多地区，芭蕾舞是中产阶级男孩和女孩学习适当的阶级行为和文化抱负的方式之一。他们参加业余表演，跳舞录音音乐而且经常穿着自制的服装。孩子们被期望学习礼仪、优雅、正确的身体姿势和适当的性别角色。除了极少数例外，他们都不希望成为职业舞者。芭蕾舞是最短、最不靠谱、要求最高、最容易发生事故的职业之一。因此，中产阶级男孩和女孩的芭蕾课实现的不是名利的梦想，而是芭蕾本身所没有的稳定和安全的梦想。

芭蕾舞作为中产阶级的活动美国加拿大培养了一个独特的传统:柴可夫斯基的音乐《胡桃夹子》(1892年)已成为许多小城镇的流行年度活动社区．这出芭蕾舞剧是由当地首创的跳舞学校，但远远超出了舞蹈和圣诞节庆祝活动;制作工作将在夏末开始，可能会包含电影的不同部分的贡献社区．芭蕾舞已经被改编以反映地域和特定的传统，它已经足够灵活，可以融合令人惊讶的各种文化张力。已经有了爵士乐解释,印度教适应政治流亡的故事，冷战回忆录，滑冰表演，都是在原版的幌子下胡桃夹子叙述。

中产阶级的熟悉程度有助于留住专业芭蕾舞的观众，但也有一些局限性。19世纪的传统芭蕾舞剧吸引了大量观众，而新作品和当代舞蹈表演却很少吸引广大观众。渐渐地，像巴兰钦和罗宾斯这样的编舞家的作品被人们所接受曲目作为英国皇家芭蕾舞团的演出项目马林斯基芭蕾舞团,巴黎Opéra芭蕾舞,澳大利亚芭蕾舞团和其他一些人进行了演示。尽管如此，世界各地的大城市公司都必须谨慎地在新与旧、未知和冒险与陈旧和成熟之间取得平衡。

当公司试图平衡他们对生活艺术的义务和对观众的需求时，他们制定了两种策略。在一种模式中，公司提供两到三件作品的账单，通常在经过验证的作品之间插入一件新作品。这些账单有一个限定的季节，通常是几周到一两个月。在另一种不同的方法中，公司展示了传统的取悦观众的作品的新编排，比如吉塞尔，《胡桃夹子》，睡美人,天鹅湖．

因此，这些模型在几个时间框架内运行。短期模型引入了新的作品，这些作品在未来可能会证明自己具有长期价值，而长期模型则延续了19世纪的传统。编舞家不得不接受这一点动态．例如，俄罗斯编舞阿列克谢Ratmansky是由纽约市芭蕾舞团要创作一个作品叫俄罗斯的季节(2006)。与此同时，他在和心里正在幻想大剧院芭蕾舞在一个适应肖斯塔科维奇的明亮的小溪；随后，他转向了对苏联时代芭蕾舞的改造巴黎之火(最初产生于1932年)，庆祝法国大革命1789股。

艺术家

所有的芭蕾舞机构，无论是公共的还是私人资助的，都随着编舞和舞者的才华而兴衰。这些艺术家在公众的眼中:他们是芭蕾，艺术形式的驱动力。他们的想象力、原创性、创造力、存在感以及将当前的情感转化为动作的能力决定了芭蕾舞的发展方式。通过编舞和舞者，芭蕾舞技术不断得到扩展和测试;他们一起使芭蕾成为当代艺术作品。

舞者

除了保留剧目，19世纪芭蕾舞的另一个方面也得以保留:明星制度和严格的标准层次结构许多芭蕾舞团，区分明星、独舞演员和芭蕾舞团。观众崇拜——甚至是崇拜——著名舞蹈家和著名编舞。尽管舞者的名声很快就会消失，但某些明星却会被那些看过他们的人记住很多年;包括俄罗斯人加林娜Ulanova，卡娅以及纳塔莉亚·杜丁斯卡娅(Natalia Dudinskaya);古巴艾丽西亚阿隆索；丹麦人Erik Bruhn；而美国人玛丽亚Tallchief．著名的英国芭蕾舞女演员艾丽西亚Markova，谁在跳舞芭蕾拉斯他在组建节日芭蕾舞团(现在的芭蕾舞团)中发挥了重要作用英国国家芭蕾舞团)．令人难忘的爱尔兰芭蕾舞演员妮内特·德瓦卢瓦创立了这家公司，后来被命名为皇家芭蕾舞团并担任该院院长，直到1963年退休。

上世纪60年代，共产主义国家紧紧控制着自己的公民，从东方叛逃到西方的现象蔚为壮观。最重要的是俄国人的叛变鲁道夫纽瑞耶夫英格兰。他被认为是20世纪最杰出的舞蹈家之一。和英国舞者一起世界他的搭档重新定义了经典作品中的男女舞蹈。

在20世纪70年代纳塔莉亚Makarova他是基洛夫(现马林斯基)芭蕾舞团的一名舞蹈演员苏联然后主要用美国芭蕾舞团．马卡洛娃叛逃后不久，巴里什尼科夫在一次加拿大之旅中离开了基洛夫号他很快就被比作Vaslav尼金斯基以及Nureyev，他作为舞蹈演员和舞蹈经理在美国产生了巨大的影响。他成为美国芭蕾舞剧院的艺术总监(1980-89)，但他的主要兴趣是将芭蕾与芭蕾舞融合在一起现代舞．2005年，他建立的基金会开设了巴雷什尼科夫艺术中心纽约市支持和鼓励编舞、作曲家和其他艺术家。

在21世纪，就像芭蕾舞发展的每一个阶段一样，出现了杰出的表演者——例如，西尔维Guillem、尼娜·阿纳尼亚什维利、卡洛斯·阿科斯塔和雾科普兰——引起了观众的共鸣。他们是献身于伟大芭蕾艺术的众多人士中最引人注目的代表。它们提醒我们，这种艺术形式已经在世界各地的许多地方站稳了脚跟——悉尼、上海、多伦多和台湾，纽约和新西伯利亚。在世界各地，芭蕾舞都有类似的要求和标准，在国际领先的公司中，这种艺术不断得到推广和测试。

在整个20世纪，随着有色人种舞者的进步，这种艺术以欧洲为中心的美的理想经常受到考验。从20世纪40年代开始，Tallchief是一名舞蹈家奥色治印度和苏格兰-爱尔兰血统，在巴兰钦的纽约城市芭蕾舞团担任明星角色。她是第一个印第安人成为世界著名的首席芭蕾舞演员。1957年巴兰钦创造有奖竞赛这是一部黑白芭蕾舞剧，由斯特拉文斯基(Stravinsky)原创配乐。工作的双人舞是一项对比研究，无论是皮肤还是音乐音调。为标志性的二重唱时，巴兰钦选择了戴安娜·亚当斯和亚瑟•米切尔一个白人女人和一个黑人男人。米切尔后来被提升为第一位首席舞者非裔美国人对一个大型芭蕾舞团如此(1962年)。后来，他与人共同创立了哈莱姆舞蹈剧院(1967年)集成为有色人种提供更多机会的学校和公司。

然而，在整个20世纪和21世纪，许多公司和学校仍在继续这样做支持逆行审美这种价值观使有色人种舞者在招聘、选角和晋升方面处于不利地位。经典编排通常依赖于芭蕾舞团的女性成员，这是一个庞大的女性群体，她们不仅以单一的身体移动，而且拥有共同的体型。事实上，在他们职业生涯的初期，很多舞者，包括珍妮特·柯林斯他们被鼓励用白色化妆品来掩饰自己的肤色。对a的偏好均匀芭蕾舞团将欧洲中心理想置于种族主义之前多样性．