风格

在风格上也有持续的一系列变化。可以定义在这个“风格”上下文devices-melodic之和、结构性、谐波,和所有其他的作曲家持续使用,定期类作品的展览,或者一个特定的年龄发现最有用的审美目的。

从这个意义上说,大部分的房间音乐作品由1750年以前是单主题的风格;那些polythematic约1750后。典型的快速运动三重奏奏鸣曲说,很大程度上由一系列短语相似轮廓和情绪,有区别的主要由谐波注意事项;而典型的奏鸣曲式运动的特点是有两个或更多主题情绪和形状体现鲜明对比,进一步通过材质对比,仪表,调和色彩。交替的戏剧性和抒情的情绪,此外,通常是1750年后的室内乐的特征。

的出现弦乐四重奏和奏鸣曲式18世纪中叶,主题材料最常带的形状相对较长的melodies-whatever轮廓或情绪。那些旋律被操纵或符合谐波原理和重复构成部分在主音,属音,等等。在1780年代,特别是在海顿的四重奏作品33,某些旋律是如此,他们可以构造,实际上,被分解成碎片或动机,动机有自己的独特的形状。在适当的奏鸣曲式movements-namely,那些连接一个主题部分与另一个,和大转变组成整体动机是分开处理的上腹部,操纵,以新的方式相结合,还建议其他作曲家思想;简而言之,他们是“发达”。

这种治疗的动机导致主题发展的原则和实践的动机操纵。开始由海顿,结转尤其是贝多芬、勃拉姆斯和受雇于几乎所有其他器乐作曲家的19世纪,主题的原则发展的一个主要区别是古典和后期浪漫的器乐。贝多芬,他许多其他主要作曲家、使用过程从海顿有点不同;他常常始于旋律或节奏动机,然后让自己成长的主题动机操纵。

适合钢琴和弦乐的剧目也大幅增长从18世纪晚期开始,有相当大的修改角色的钢琴的剧目。的键盘乐器进入这个领域,它将被铭记,在长达一个世纪角色扮演即兴创作的成员数字低音在团队,它提供伴随其他乐器。当它出现在新的角色与输出部分,它首先假定一个主导地位小提琴或大提琴钢琴奏鸣曲,在三人小组。许多钢琴海顿本质上是钢琴独奏奏鸣曲三人小组的佐餐食品有家具的由小提琴和大提琴;后者经常做小一倍以上的部分给钢琴家的右手和左手,分别。

逐渐的获得一定程度的独立性,成为字符串部分不可缺少的部分。最后的步骤完全平等被整个区间从1790年到1840年,尤其是钢琴三人小组和莫扎特和贝多芬和舒曼的四重奏钢琴五重奏1842年,作品44。在这些作品中,特别是后来的钢琴成为半色调的身体的两个,三个,四个弦乐器提供另外一半。再次,在弦乐四重奏,独奏者与伴奏者没有有效性的概念与钢琴室内乐。一个键盘手不“陪”的字符串;他是一个平等伙伴的合奏是标志着一个重大变化的角色,他在17和18世纪的上半年。

室内乐在19世纪后期变得越来越受到在交响乐领域发展的影响。专业四重奏的兴起的时候,贝多芬的室内乐移动范围的公众音乐会阶段。作曲家利用表现最好的艺术品收藏家的造诣和写音乐的非专业演员不可能总是应付。效果要求完善技术能力成为普遍;真正的爱好成为了基本要求。进一步,管弦乐的效果取决于大量的声音通常是使用;弦乐四重奏和钢琴三人组柴可夫斯基的例子。和描述性或的崛起程序的音乐在交响乐领域,音乐范围以外的或民族主义元素有时进入室内乐作品;斯麦塔纳的自传弦乐四重奏Z mehoživota(从我的生活),和某些Dvořak的作文包含捷克民间成语典型和代表捷克精神。

绝大多数室内乐组合之前,大约有1900由作品以传统方式使用仪器。音调仅限于半音音阶(即音高。,规模组成的半步,C, C, D, D, E,所以通过12个音调),弦乐器中使用传统的方式,同样和钢琴。一些值得注意的例外可能提到:在D小调钢琴三重奏1号63年作品舒曼琴弦短文南琴桥(“对桥”),也就是靠近桥的乐器比平时为了产生更高的色彩和给球一个飘渺的或者掩盖质量;在相同的作曲家降E大调钢琴四重奏作品47,大提琴必须重新调整最低字符串向下为了提供一个longheld整个步骤语气超出正常范围的工具。在几个工作时间,谐波是呼吁:一个字符串中间轻轻触碰或在另一个节点的位置在三分之一或四分之一的长度,和谐波(泛音因此增加了一个独特的质量产生音乐。这样的效果,加上传统的拨奏曲(字符串的摘弓)而不是启动的几乎唯一的例外正常写作。

然而,在20世纪室内乐,纯粹工具性影响的数量增加;匈牙利作曲家比拉克在他的几个四重奏成为领先的指数这样的设备。在他的4号弦乐四重奏(1928),例如,滑音是必需的;在这种情况下球员幻灯片手指向上或向下的字符串覆盖一个八度以上张成的空间,并产生一个哭泣的效果。Pizzicati直接执行字符串背靠键盘打,添加的冲击效应球场。在其他作曲家作品的使用单簧管表演者需要吹过仪器的喉舌移除,随意打开和关闭钥匙;这产生的影响风力以及高音吹口哨表面上音高的变化。或再次,铜管乐器,作曲家的指令要求玩家利用手的喉舌,创建一个空的敲击的声音。

球自己偶尔改变,音调躺的半音音阶之间有时使用;之间的早期倡导者quarter-tone实践,当代作曲家欧内斯特·布洛赫可能会提到。在他的钢琴五重奏表现,和其他地方,字符串必须发挥某些音调高于或低于四分之一一步,从而离开了鳞片,曾为许多世纪。其他作曲家把quarter-tone进一步实践和发展的一种音程的音乐甚至采用间隔小于quarter-tones。

所有这些发展提供证据,20世纪作曲家继续寻求新的表达方式和扩大resources-thus继续练习特征在所有时期的作曲家。两个进一步的方面,搜索仍需要考虑:色调的开发新系统组织和仪器使用的不断增加,体现当代技术的结果。

在20世纪初许多领导的作曲家阿诺德勋伯格尝试超越色调范围的系统。在一系列的室内乐和其他作品,勋伯格逐渐到达系统的所有12个半音音阶的音调是作为独立的实体;主音,属音的概念,主要和次要的,这些作品的关键中心自己不再适用。的12个音调被安排在一系列自主的称为“语气行”;这一行的某些部分,使用垂直,形成供应谐波的和弦材料;行可能会操纵符合自我强加的规则;和行可能安排不同作文。系统的组成与12个音调,勋伯格称他的发明,被后来的作曲家,修改和扩大相关原则也适用于其他元素的音乐(特别是有节奏的因素);,在一个新学期。”串行组合”,系统已成为当今最具影响力的人物之一。

其他方面的使用各种担忧电子sound-generating设备称为“电子合成器的”,磁录音机传输结果。作曲家使用合成器几乎完全控制了形状和音调的声音他希望生产。他可以选择色调特征与生产的传统乐器,声音(也就是说,听起来与不规则的振动率)的表面上的球场已经给出,或快速改变音高,响度,持续时间和质量超出任何人类机制的能力。新色调的材料,然后,可以结合声音和传统乐器,也可以单独使用。设备如合成器了色调的作曲家进入一个新的世界资源;他仍然面临的问题选择、组合、组织和表达目的音乐以来困扰作曲家。因为他的性能是一个媒介磁带录音机,因为人类参与的性能可能不是必需的,因为他的作文可能包含几股或一百股的语气,就无法区分室内音乐,管弦乐,或任何其他类型。电子音乐,因此,在成为一种全新的传统分类并不适用。