20世纪

20世纪和19世纪一样，都受到了早期音乐的启发。安东魏本例如，他主张回归文艺复兴时期作曲家使用的对位形式，如海因里希·艾萨克，在他自己的许多作品中(例如,交响乐)他利用文艺复兴时期的对位手法，如同时正音与逆行运动之间的声部-也就是说,一个声音使用另一个声音的旋律，但音符的顺序相反。类似的巴洛克风格的回归音乐的作品如替身赋格曲(以两个主题为基础的赋格曲)，形成了第二乐章诗篇交响曲通过伊戈尔斯特拉文斯基．

但是，使用更古老的音乐形式不再是20世纪对位术的精髓，就像19世纪一样。20世纪对位法的一个基本特征是将声部分离成孤立的声音实体，这些实体本身是相当静止的。这可能采取的形式多调性(同时使用两个或多个键)，用作静态实体每个键的音符。它也可以采取个体对比的形式音色效果，而不是旋律，发现了很多电子音乐．(这种用法超出了对位的原始定义，即旋律的组合。)

理查德·施特劳斯的厄勒克特拉(1909)是最早运用多调性的作品之一;在某些段落中，乐器和声部被分成不同的层，每层都定义了不同的调性或键，尽管在这种情况下，所有的键也可以被解释为基本键的复杂方面。斯特拉文斯基的弦乐四重奏三曲(1)同时有四个键:G、B、D和梦幻。在这部特别的作品中，每一种乐器在整部作品中都被限制在分配给它的几个音符上。因此，每个声部都是绝对独立的，除了中提琴，都是由一个声部组成的固定音型旋律和节奏模式。这些固定音型在不同的时间和不断变换的安排中结合在一起，表明了移动的效果。比拉克在他的许多短钢琴作品中也采用了类似的方法Mikrokosmos，在他的第四个四重奏(1928)他分开语气以这种方式形成和弦串(几秒钟内形成的和弦，如C-D-E-F-G)。

现在转到纯粹的色调对位，积分(1925)瓦瑞在管乐器中呈现11个音符的“声音云”，与大量打击乐器的声音相反。这种方法可能直接来自于早期的多调性实验，但在这里，音调颜色，而不是键或音调有区别的．艾略特卡特在他的双协奏曲(1961)将两组乐器分开，一组围绕着钢琴，另一组围绕着羽管键琴，每一组都有其独特的音色和独特的和声间隔或音符组合。在乔治-里的大气每一种乐器交响乐团，包括每一个弦乐声部，演奏出自己独特的旋律模式;所有这些部分合并成巨大的带，或光谱，色调颜色相互对比。在后来的实验中，发出声音的组进一步受到表演者物理位置的视觉或空间对比的影响;例如,雷蒙Zupko的太阳的第三颗行星, 1970年。

对位文学

大多数关于对位的著作都是为了提高学生的对位技巧乐曲．从18世纪开始，对位的教科书通常都推荐作为一种模式帕莱斯特里那或巴赫，以及最近一些20世纪的作曲家。中世纪的和文艺复兴时期论文也最初是为了学生指导和反映他们自己的时代的品味和态度。20世纪的一些研究研究了特定作曲家或一群作曲家的对位技巧。