西方复合形式
早期历史
有较大的器乐形式音乐有延伸的音乐的碎片，通常被称为运动它们的先后和整体构成了一个更大的整体。一个重要的统一因素是关键:一个关键通常主导作品，其他关键用于对比。这个想法至少可以追溯到巴洛克时期，当时有两种形式被建立起来:第一种是索纳塔相机,或室奏鸣曲由一系列相同音调的舞蹈组成(也称为partita，后来称为suite)。在J.S.巴赫的时代(1685-1750)安排最常见的是:allemande(中等二拍子)，库兰特舞或者corrente(快三拍子)，saraband(慢三拍子)，还有吉格舞(快速二拍子或四拍子)，通常在萨拉班和吉格之间穿插一些其他舞蹈。另一种是奏鸣曲,或教堂奏鸣曲这首曲子由四个乐章组成，同样都是用同一个调，以慢-快-慢-快的节奏继承．这两种类型之间的区别在巴赫的奏鸣曲和无伴奏小提琴的partitas中是明确的:奏鸣曲是“教堂”形式，而partitas是组曲。其他大型的巴洛克音乐有两种类型的序曲:法国的序曲分为两部分，第一部分缓慢而庄严，第二部分快速而赋格;而意大利式，在连续的快-慢-快三个乐章中，中间乐章通常在不同的音调中。1700年以后的器乐协奏曲通常采用与意大利协奏曲相同的格式序曲．
的奏鸣曲
大约在1750年，这些类型的组合产生了最常见的形式在标准剧目音乐会音乐。这首奏鸣曲成为了一首键盘乐器或者是键盘伴奏的独奏乐器。它通常由快-慢-快的三个乐章组成，或者由四个乐章组成小步舞插入慢动作和终曲之间;但也有双乐章奏鸣曲的例子，尤其是贝多芬的，甚至还有单乐章奏鸣曲(如贝多芬的)多梅尼科斯卡拉蒂他是意大利出生的西班牙宫廷作曲家)。通常所有的乐章除了慢的(有时还有三重奏)都是同一个调。第一乐章通常是在奏鸣曲式，缓慢的运动在其中恢复方案(通常是三元)和大结局无论是奏鸣曲还是隆多形式;但变化形式可能出现在这些动作中的任何一个。
这种大的形式也用于室内乐，特别是弦乐四重奏，在管弦乐的大形式中，是交响乐团，两者通常都有四个乐章。值得注意的例外是贝多芬晚期的四重奏以及这位20世纪作曲家的四重奏比拉克后者在两个例子中使用了所谓的“弓式”，一种大型的反向排列，a B C B a，每个元素都是一个独立的乐章;除此之外还有无数的例外。的协奏曲另一方面，它更多地遵循古老的三乐章形式。18世纪晚期的各种娱乐音乐(cassation，游戏曲夜曲,小夜曲，诸如此类)可以采用许多安排中的任何一种，从三个乐章一直到六个或更多。
循环形式
有权威人士认为自18世纪以来就有这样的奏鸣曲形式作文通过使用一些音乐主题动机来组织，经常在整个过程中出现相当大的变化。以这种方式组织的成分被称为循环形式。虽然这在19世纪变得很重要，但它在多大程度上表征了古典时期，目前是一个有争议的问题。
幻想曲还有程序音乐
同时，一个更加自由的形式出现了培养在美国，从18世纪后期开始，美国的幻想曲，主要为键盘，尤其是在手中卡尔·菲利普·伊曼纽尔·巴赫．由无数高度对比的部分组成，惊奇和表达是最重要的。
幻想曲，连同戏剧或歌剧的序曲，是最重要的前体大型管弦乐形式的程序的音乐在19世纪，一种音乐以外的内容(通常是某种叙事)，被称为节目，表达在作文．主要有两种类型:程序交响，与赫克托耳柏辽兹，其中的规范的交响乐形式的大部分被保留，和交响诗，与弗朗兹李斯特而且理查德•施特劳斯在这种形式中，作曲家允许音乐之外的主题来决定作品的结构。一些19世纪德国作曲家的音乐会序曲门德尔松而且罗伯特·舒曼属于这种类型的作文。这里重要的是音乐主题与节目各方面的联系，主题在整个作品中被使用，通常以不同的形式。
另一种安排叫做套件它不再只包括舞蹈，也包括各种器乐。通常一些共同的元素贯穿始终:可能会使用一个循环的主题，如舒曼的狂欢节或者俄国作曲家适度的穆索尔斯基的展览图片，或者音乐最初可能是为戏剧使用(门德尔松的音乐到仲夏夜之梦或者挪威人爱德华•格里格的为易卜生的培尔·金特）.
歌剧而且清唱剧
的大形式中声乐其中，歌剧和清唱剧最为重要。两者都是将叙事与音乐结合起来的扩展作品。歌剧是在剧院里表演的，而清唱剧是音乐会作品。两者都可能是神圣的或世俗的．《耶稣受难记》是一种特殊类型的清唱剧，以《新约》中基督受难的故事为背景。康塔塔可以被看作是清唱剧的一种较小形式。
歌剧和清唱剧通常由几种音乐类型组成:背诵的(模仿说话的方式)，咏叹调合奏和合唱作品，通常有乐器插曲和序曲(18世纪末和19世纪的大多数序曲都是奏鸣曲形式)。歌剧通常包括芭蕾舞和在幕末的大片段结尾。关于清唱剧，亨德尔在他的作品中大大增加了合唱的作用类型(特别是以色列在埃及)，他的继任者们抓住了这个例子。清唱剧与歌剧的另一个不同之处在于它们经常使用戏剧服务(叙述者)，叙述事件的情节，通常以吟诵式的形式。斯特拉文斯基的俄狄浦斯雷克斯(1927)结合了两种传统。
歌剧通常是由一系列封闭的音乐形式组成，德国作曲家理查德瓦格纳设计了一种特殊的，叫做音乐戏剧这种音乐是连续的，并且在很大程度上消除了朗诵、咏叹调和合奏之间的区别。相反，瓦格纳使用了一种灵活的旋律线，他称之为“音调演讲”。瓦格纳的作用也大大增加了管弦乐队，强调…的技巧主题从器乐中借来的发展和转变，进一步将每个主题与歌剧情节的一个方面联系起来，这样的主题被称为主旋律(“引导母题”)。
的质量
另一种主要的声乐形式是大调，最早的复调形式可以追溯到14世纪。起初，弥撒开始了固定旋律风格，每个动作都建立在适当的基础上格列高利圣咏旋律，如在法国作曲家的作品中马肖纪尧姆．15世纪一位勃艮第的作曲家，Guillaume Dufay和他同时代的人发展了循环曲式，在这种曲式中，一个单一的坚定旋律贯穿始终。这种想法在戏仿中得到了扩展，通过从现有的复调作品(通常是圣歌或香颂)中提炼主题材料来构建;大多数16世纪的群众都是这样的。在巴洛克式的弥撒，文本的每个部分都被视为一个独立的作品(咏叹调，二重唱，合唱)，类似于康塔塔或清唱剧的程序，除了不使用朗诵。J.S.巴赫的B小调质量属于这种类型。
在16和17世纪，蒙特威尔第和其他人将牧歌归类为一种围绕特定主题的循环;是否应该涉及戏剧文本，这种形式被称为情歌喜剧．在19世纪及之后，类似的组合歌曲与钢琴伴奏被称为首歌(例如贝多芬、舒伯特和舒曼的作品)。
20世纪的修改
在20世纪，许多作曲家继续使用传统的曲式，尽管他们的作品在其他方面与已有的曲式有了重大的背离。其他国家实际上已经抛弃了它们。全新的元素被引入作为结构单元:取代传统的短语和动机，作曲家开始使用他们所谓的“声音事件”，纹理和类型的组合音色，聚合同时发出不同音高，诸如此类。一个早期的例子是关于音色旋律的概念Klangfarbenmelodie的阿诺德勋伯格安东·冯·韦伯恩。最广泛的范围包括在概念指声音事件:不仅指音调，而且指噪音;事实上，各种各样的声音。这些声音事件被安排得很复杂。一个重要的组织原则是十二音阶，最初只适用于球场因此，作品的音高内容是由预先确定的一系列(组或行)音高的重复决定的(例如，在勋伯格和韦伯恩的12音作品中)。自1945年以来，连续原则已经扩展到音乐的其他方面:持续时间，动力学以及攻击和节奏的类型，就像法国作曲家的音乐一样奥利弗梅湘和德国人迦施托克豪森．其他作曲家，包括斯托克豪森和希腊人Yannis Xenakis，已经使用数值关系来数学确定组合物的结构。还有一些人认为形式是动态对比的和不断演变的声音事件之间的相互作用瓦瑞而美国人艾略特卡特．同时，也有一些作品，比如美国的作品约翰·凯奇，其中的形式不是由作曲家预先决定的，而是由机会决定的，这样的作品被称为不确定或随机的。这些说法特别适用于电子音乐．