的中世纪

诵读祈祷文和诗篇的传统一直延伸到早期文明的阴影中。这种神圣的唱歌常有乐器伴奏，节奏鲜明。然而，在犹太教堂里，吟唱的祈祷者往往没有伴奏。仪式舞蹈被排除在犹太教堂之外，因为神圣音乐的节奏特征放弃了它更感性的方面。甚至在祷告文中，韵律韵律的诗歌也被散文所取代。女性的排除，齐声歌唱的提高，以及乐器的排除，建立了一个明确的区分音乐的在犹太教堂和街上的表演。

基督教会的音乐表演传统源于犹太教的礼仪传统。唱赞美诗和唱诵其他经文的旋律公式显然是基于希伯莱的模式。

罗马音乐天主教礼拜仪式主要是为质量．最初，音乐是由牧师和牧师表演的会众，直到后来，从会众中出现了一个特殊的歌手团体，叫做唱诗班他扮演了音乐角色，与牧师的独唱进行了回应和对比。妇女积极参与古代基督教会的音乐表演，直到578年，古老的希伯来习俗将她们排除在外。从那时到20世纪，罗马天主教会唱诗班完全由男人和男孩组成。

第一次编纂之早教堂音乐据说是教皇做的格里高利一世在他统治时期(590-604)。格雷戈里的收藏是从已经在使用的圣歌中挑选出来的。他的法典将这些圣歌分配给礼拜历中的特定服务。总的来说，它加强了简单的，精神的，审美礼仪音乐的品质。该合集中的音乐即使在21世纪也是旋律设计的典范，被认为是西方音乐文学的丰碑之一。这种齐声礼拜唱法的学校被称为素歌，素歌，或格列高利圣咏．关于吟唱方式的具体细节已经丢失。有推测说声音质量雇用的歌手比同时代的歌手更瘦，更有鼻音。真正的有节奏的吟唱风格是不可能的确定．然而，有一种理论认为，基本的节奏单位具有相同的持续价值，并被不规则地分为两组和三组。音阶和节奏显然随场合的不同而有所不同。有保存下来的手稿注释提醒歌手在他们的工作中要小心和谦虚，这表明即使是最早的礼仪音乐家也存在注意力不集中和过度展示声乐的诱惑。

虽然西方现代音乐传统在很大程度上是基于保留在早期教会记谱音乐中的古代原则世俗的音乐实践确实存在;但是因为无处不在的教会的影响力，神圣与神圣之间的分界线世俗的方方面面都很薄，贯穿了好一部分中世纪的时期。

后来有几种世俗歌曲流传了下来。乐谱在很大程度上不足以给人准确的音乐印象，但众所周知，它保留了礼仪音乐的基本单音特征。一种奇怪的世俗歌曲，conductus，起源于教堂本身。这首歌没有使用传统的礼仪旋律或文本，而是为在礼仪戏剧或游行中演唱而创作的。出于这个原因，它偶尔会涉及一些非宗教性质的主题。的goliard11世纪的歌曲是世俗音乐中最古老的例子之一。在13世纪那些伟大的大学中心建立之前的一段时间里，那些流动的神学学生在学校间臭名昭著地游荡，他们唱的往往是淫秽的拉丁歌曲。

其他几个中世纪表演者团体发展了文学和音乐类型基于方言文本:游吟诗人是一群在西欧旅行的艺人，他们靠唱歌、变戏法和跳舞谋生;法国南部的游吟诗人和之外在北方;和的爱情这是一个由艺术家兼骑士组成的阶级，他们创作并演唱带有宗教热情的情歌。

仪器，如vielle在中世纪，竖琴、竖琴、长笛、披肩、风笛和鼓都被用来为舞蹈和歌唱伴奏。贵族使用小号和圆号，在较大的教堂中出现了象征性的(可移动的)和正面的(固定的)风琴。一般来说，很少有人知道世俗的13世纪以前的器乐令人怀疑的是，除了伴奏．然而，伴随礼仪音乐的可能性并没有被现代学者所消除。

中世纪音乐的发展对音乐表演影响最深远的是复调的发展，如上所述，这一发展与表演礼拜圣歌的经验直接相关。对于表演者和表演来说，最重要的发展或许就在后面复调音乐是节奏上的改进符号必须保持独立的旋律线同步。首先采用直观的垂直对齐方法;后来，随着高音越来越多精心制作的相比之下(圣歌衍生)较低的那些，在乐谱上书写因此浪费空间，更多的是符号的标记方法节奏最重要的是在巴黎圣母院的新大教堂及其周围。

在14世纪，部分由于教会政治力量的衰落，音乐新发展的背景从神圣领域转向世俗领域，从教堂转向宫廷。这一转变反过来又导致了对器乐和性能。较低的声音已经开始在乐器上演奏，这既是因为它们的长音符使它们难以演唱，也是因为它们的文本(只有几个音节)在原有的礼拜位置之外变得毫无意义。现在，世俗的王子变得越来越重要顾客世俗音乐和器乐——这种情况一直持续到18世纪蓬勃发展．教堂的复调音乐与游吟诗人的诗歌艺术融合在一起，当时最重要的两位作曲家是佛罗伦萨的盲人管风琴手弗朗西斯科·Landini法国诗人马肖纪尧姆兰斯的正典。

这些作曲家的大部分音乐似乎都是为声乐和器乐的结合表演而设计的，尽管在手稿中很少明确指出这一点。中世纪的作曲家可能对表演媒介没有严格的期望。直到17世纪，甚至在19世纪的国内演奏中，乐器的选择可能和其他任何东西一样取决于可用的演奏者。然而，许多资料表明，中世纪的音乐家倾向于把乐器分成两组，大声的和柔和的(上流社会的而且bas，或者，很一般地说，风而且字符串)，并偏好在这些组内形成对比的声音，以最大限度地区分个别部分。户外或仪式上的音乐将用响亮的乐器(披肩，庞贝，长号，风琴)演奏;室内音乐，有柔和的音乐(鲁特琴，小提琴，录音机，竖琴)。这一时期的绘画和手稿插图显示，许多世俗的表演包括各种各样的钟、鼓和其他打击乐器，以及有嗡嗡声的乐器——风笛、小提琴、双唱机、风琴。这些乐器的零件从来没有在音乐来源中找到，必须重新构建现代演奏。

中世纪音乐的记谱法常常使现代演奏者产生误解。意外音(当时称为升音和降音)那是ficta)往往被省略，以被理解。此外，变异、修饰和即兴创作是中世纪表演中非常重要的元素。据了解，15世纪的两部分声乐是增强由即兴的第三部分演奏，技巧叫做fauxbourdon；15世纪的符号basse死亡只有一行未测量的长音符，显然是由三个乐器演奏家组成的表演小组用来即兴创作的，很像现代音乐爵士乐组合的图表。

文艺复兴时期

即兴创作的概念仅仅是表演实践中的一个子类别，只有在发明音乐印刷起初，这对业绩几乎没有明显的影响。在16世纪，复调音乐的即兴装饰在器乐、声乐和世俗和神圣的组合表演中继续并增加。在这个世纪后期，礼拜音乐再次变得不那么奢侈特伦特议会(1545-63)，命令弥撒要“清晰且以正确的速度”唱，而且要“安静”构成不是给人空洞的听觉享受，而是要让所有人都能清楚地理解这些话语。”起初，音乐印刷太过昂贵，无法严重改变音乐表演的社会结构;传统的排他性和排他性体现在音乐的Guillaume Dufay在15世纪早期，勃艮第宫廷在意大利文艺复兴时期的王子和教皇们宏伟的音乐场所中得以延续。详尽的记录记录了佛罗伦萨权势家族为婚礼和洗礼精心安排的音乐庆典，美第奇家族．印刷术促进了这些作品的传播和生存;但是，就像早期的勃艮第葡萄酒一样法国香颂与当代巴黎香颂不同的是，香颂是以更受欢迎的模式铸造的，它们主要是为一群挑剔的表演者而设计的。

音乐和书籍的印刷确实记录了16世纪器乐的不断发展和复杂。对仪器的印刷描述可以追溯到16世纪。他们的讨论调优而且技术满足了专业和非专业音乐家的需求。以家庭为单位制造乐器的趋势越来越明显均匀音色，高，中，低)，这一趋势可能与最近在音阶两端的扩张有关:有了更多的空间，对位部分不再频繁交叉，不再需要中世纪“破碎的配偶”中明显对比的音色所提供的区分。