设计要素

行

每一个设计元素都有特殊的表现力。例如，线是一种直观的、原始的表示事物的约定;儿童绘画和史前岩画中简单的线性意象是举世皆知的。粗与细、断与连续、曲折与参差的形式关系，是历史上许多绘画设计中对比与重复的力量。绘画的变化轮廓图像还提供了一种直接的方法来描述物体的体积、重量、空间位置、光线和纹理特征。这种写真速记最好的例子是在日语中找到的墨水在绘画中，线条的表现力和活力与传统的书法技巧密切相关。

除了绘制的轮廓，线性设计还包括色调和色块的所有边缘，图像的轴向，以及通过图像中形状的对齐所暗示的线条。这些不同类型的线条的呼应和重复的方式使设计充满活力。无论是有意识的还是直觉的，艺术家也将它们置于画面中彼此之间的关系中，使它们在整幅画中编织出一个统一的节奏网络。

除了某些线性模式与特定动作之间的明显联系之外——例如，起伏的线条暗示着轻快的运动——某些线性关系也产生了情感。因此，向上移动的线条表达了快乐和快乐的感觉愿望，而那些向下的眼睛会让人产生悲伤或失败的情绪。

形状和质量

形状和质量，作为设计的元素，包括不同颜色、色调和纹理的所有区域，以及单独和分组的图像。

孩子们本能地用几何符号来表示他们所看到的事物。不仅有老练的现代艺术家，如保罗克利而且吉恩·杜布菲但大多数绘画风格中更引人注目和富有表现力的形状和体量，以及大多数人凭直觉作出反应的形状和体量，通常会被发现明显地基于这种原型形式。方形或圆形往往会在设计中占据主导地位，因此通常会出现在焦点中心——方形的窗户将基督框在里面莱昂纳多·达·芬奇的最后的晚餐，例如，在一个盘旋的“太阳”阿道夫戈特利布抽象的，或环绕基督教或佛教神的光环。一个牢固的三角形图像或一组形状似乎令人安心，甚至令人振奋，而倒三角形状或质量所隐含的不稳定平衡产生了一种感觉张力．椭圆形、菱形和矩形的形状意味着稳定和保护，通常环绕脆弱的叙事绘画中的人物。

在类似于视觉的设计中，形状和质量之间通常有一种细胞统一，或“家族相似性”和谐在观察到的所有自然形态的整体单位中——例如，与鱼的整体形状相适应的鳃、鳍和鳞片。

的负空间形状和质量之间也被艺术家仔细考虑，因为它们可以如此调整增强正面形象的动作和特征。它们对于设计来说就像时间间隔一样重要音乐或者是建筑立面的空隙。

颜色

在绘画的许多风格和时期，颜色的功能主要是装饰和描述，往往仅仅是为了加强一个思想或主题的表达，主要是通过线条和色调来传达的。然而，在许多现代绘画中，可用的颜料的全光谱范围使得颜色成为主要的表现元素。

绘画中色彩的主要维度是色彩的变量或属性色调，的语气,强度。红色、黄色和蓝色是基本色调，半音音阶上的所有其他色调都可以由它们混合而成。这三个不透明的色调是减法色素原色和不应与加性三合色和透明有色光混合物的行为相混淆。主色调对的混合产生了橙色、紫色和绿色的次色调。在每一种混合物中增加一种原色的量，就分别形成黄橙色、橙红色、红紫色、紫蓝色、蓝绿色和黄绿色。原色及其基本的二次色和三次色的混合，可以有用地表示为一个圆的12段。一对亲本原色之间的二级和三级色段可以被视为彼此共享和谐的家庭关系——例如，黄橙色、橙色和橙红色色调位于黄色和红色之间。

本地色调是固有的还有物体的联想色。在日常生活中，熟悉的事物可以用特定的颜色来描述，而这些颜色又常常与熟悉的事物相对应;草的绿和草的绿油漆例如。尽管，作为印象派画家在现实世界中，形式的固有颜色通常会受到光线和气氛的影响而改变，许多早期和古典的具象绘画风格都是用局部色调来表达的。

色调是一种颜色明暗的相对程度或值。一幅画的色调模式在单色复制品中表现出来。深色画:以深色为主色调的画，如伦布兰特，是一个低色调的关键，而一个画在苍白的范围内的晚期克劳德·莫奈据说是高调的。颜料的色调范围太窄，画家无法匹配大自然中最亮的亮和最暗的暗。因此，为了表达照明的效果和密集的阴影时，艺术家必须降低整体色调的设计重点，从而强化最轻的颜料色彩的明度值。

希腊罗马,文艺复兴时期的新古典主义在绘画中表现体积和空间的方法是用一套有标记的色调值系统，设计中每个平面的方向由特定的明暗程度表示。每个色调值都是由一个平面偏离一个假想光源的角度决定的。色调建模，或阴影，形式往往首先完成在单色底漆。然后用当地色调的透明洗刷来着色，这是一种类似于黑白照片上色的技术。

每种色调都有一个内在音阶:在半音音阶上相对于其他音阶的音调值;例如，橙色天生就比红色浅，紫色比绿色深。这种自然色调顺序的任何反转都会产生一种颜色不和．因此，橙色时产生光冲击并列用粉色(较浅的红色调)或淡紫色来衬托深绿色。这样的对比因为这些是为了达到这些戏剧性和令人不安的效果而故意在绘画中创造出来的。

颜色的强度是它的纯度或色相饱和度。因此，天竺葵的颜色据说比桃花心木的颜色更浓，纯橙红色的饱和度更高。朱红色颜料在最大强度下是橘红色;棕土颜料烧锡耶纳颜色较灰，橙红色饱和度较低。

强烈的色调被称为彩色。消色差的范围是由色彩的强度降低了加入白色，使色调,或柔和的颜色，如奶油色和粉色;或者黑色，产生暗色，或大地色，如芥末色和苔绿色;或者是白色和黑色，形成中和色调，或者是略带颜色的灰色，比如燕麦色和木炭色。

一种无色差的颜色如果被中和的色调包围或与它并列在一起，会显得更加强烈互补色．互补物是颜色的反义词。一种原色的补色是另外两种原色的混合;例如，与红色素互补的是绿色，即蓝色与黄色的混合。的色轮表明第三系也有其颜色的对立面，例如，与橙红色互补的是蓝绿色。在明亮的光线下，如果一个人专注地盯着一种颜色看几秒钟，然后再看中性的，最好是白色的表面，就可以看到任何色度、阴影或色调的互补。颜色后像会在中性表面上发光。色彩强度的相互增强源于对比了互补的一对，例如，红色变得更红，而绿色变得更绿连续的如果被和谐的色调包围，两者都不会出现。19世纪的物理学家Michel-Eugene Chevreul把这种对立的相互提升称为同时对比定律．切鲁尔第二定律连续对比，指在强烈的色调周围逐渐出现互补色晕的光学感觉。这种互补的辉光叠加在周围较弱的颜色上，灰色与红色并列时变成绿色，红色与绿色密切相关，黄色与紫色相对，等等。

含有高比例蓝色的色调(紫色到绿色范围)出现比含有大量黄色或红色(黄绿色到紫红色范围)的颜色更凉爽。当然，在一幅特定的画中，色调温度的差异是相对于范围和并列色彩的设计。绿色如果被强烈的黄色包围会显得凉爽，而在蓝绿色的衬托下会显得温暖。的光学长期以来，欧洲和亚洲画家一直利用暖色先于冷色前进的趋势，作为暗示空间深度的一种方法大气或空中视角)．温度和强度的变化可以在大自然的大气效应中观察到，远处形状的颜色变得更冷、更灰、更蓝，而前景平面和特征看起来更强烈，通常颜色更暖。

色彩在经过不同颜色区域时的明显变化使许多时期的画家能够创作出不同的色彩错觉使用了广泛的颜料色调，事实上，使用很少。而且，尽管画家们在过去直观地应用了许多色彩行为的光学原理，但切鲁尔和其他人的研究成果的发表刺激了人们的兴趣Neo-Impressionists而且后印象派作品共处而后者Orphist而且欧普艺术画家要系统地扩展这些原则的表达可能性，以便创作幻想体积和空间以及光和运动的振动感觉。保罗塞尚，例如，证明了在一个形式的表面和它与其他空间关系的微妙变化，可以主要表达在色彩方面，由不同程度的色调，强度和温度调制，并通过引入互补色重音。

虽然很少有人能理解复杂的宗教和文化色彩象征，但对某些颜色组合的情感反应似乎几乎是普遍的。光学和声和再也不会似乎对每个人都有同样的影响，只是程度不同。因此，在不同的颜色方案中重复的图像将在每次变化中表达不同的情绪。