纹理
点彩画(一个术语给Neo-Impressionist用彩色颜料的斑点代表大气光的微光的系统)产生了整体的粒状纹理。作为设计的一个元素，纹理包括绘画的所有区域，除了纹理之外，还包括线条、形状、色调和颜色的振动模式触觉由某些介质的塑性特性所产生的纹理。装饰纹理可能是几何重复的图案，如在许多印度，伊斯兰教，和中世纪的欧洲绘画和其他艺术，或自然图案的表现，如散落的树叶、飘落的雪花和飞翔的鸟儿。
体积而且空间
感性的和概念上的在绘画平面上表现体积和空间的方法与日常生活中理解空间关系的两个层次有关。
知觉空间是在特定时间和固定位置对事物的看法。这是由相机记录下来的静止的窗口视图，在古希腊和罗马绘画的后期以及自罗马时代以来的大多数西方绘画流派中都有体现文艺复兴时期的．幻想的知觉空间一般都是通过使用来创造的线性透视系统这种方法的依据是，当物体接近视界(即观察者的视线水平)时，眼睛会觉得物体缩小，平行线和面会收敛。
概念上的，空间的多维表示在大多数国家的某个时期被使用文化．例如，在古埃及和克里特的许多绘画中，人物的头和腿是侧面画的，但眼睛和躯干是正面画的。在印度、伊斯兰教和文艺复兴前的欧洲绘画中，垂直的形状和表面都是用最具信息量的仰角来表示的(就像从地面上看一样)，而它们所站立的水平面则是等距平面(就像从上面看一样)。该系统产生的整体效果是，物体及其周围环境被压缩在图片平面后面的浅空间内。
到19世纪末Cézanne已经将传统的文艺复兴时期的绘画空间，倾斜水平平面，使他们似乎推动垂直的形式和表面向前从绘画平面和观众。这错觉图像表面的集成在20世纪早期，低浮雕结构得到了进一步的发展立体派艺术家．概念上的，旋转的角度来看立体主义绘画不仅从不同的角度展示了事物的组成部分，而且同时呈现了物体的每一个平面及其周围的环境。通过从各个角度检查物体的表面和结构，可以获得空间中物体的复合印象。
在现代绘画在美国，概念和知觉两种表现空间的方法经常结合在一起。而且，形式的轨道运动——自文艺复兴以来一直是欧洲设计的基本元素——旨在将观众的注意力集中在画框内，而20世纪末和21世纪初壁画大小的抽象绘画不断扩大的画面空间将视线引向周围墙，它们的形状和颜色似乎要侵入观察者自己的领地。
时间而且运动
绘画中的时间和运动并不局限于物理能量的表现，它们是所有设计的元素。观众对一幅伟大画作的完整体验的一部分是允许线条、形状和音调或音调的重音的安排颜色以控制的速度和有节奏的方向引导眼睛在画面表面上移动。这些安排有助于整体表达特定的情绪、视觉和想法。
在电影技术出现之前的几个世纪，画家们试图在平面上产生运动的感觉。一个壁画2000年公元前在埃及的一座坟墓里贝尼省哈桑例如，它被设计成一个连续的连环摔跤握握和投掷，所以非常准确清晰的表达并指出它可能会被拍摄成动画电影卡通。12世纪日本人的逐渐展开手滚动产生了直升机沿着河谷飞行的视觉感觉，而步行到一幅长长的文艺复兴壁画的尽头的体验安德里亚曼特尼亚或高宙就像站着看了一场路过的选美比赛。
在东方和西方叙述传统的连续表现，一个故事中的各种事件被描绘在一个设计中，主要人物在戏剧很容易识别，因为他们在不同的情况和设置中重新出现在整个绘画中。在拜占庭式的在壁画、印度和中世纪手稿绘画中，叙事序列以网格模式描绘，设计的每个“隔间”代表宗教故事或神话或历史史诗中的一个视觉章节。
的立体派艺术家目的是给观众一种在静态形式周围移动的时间体验，以检查它们的体积和结构以及它们与周围空间的关系。在画作中裸体下楼梯，在阳台上奔跑的女孩,拴着皮带的狗，马塞尔·杜尚而且Giacomo Balla结合了立体主义的投影技术，联锁平面与叠加的时间-运动序列的电影摄影。这种技术使艺术家能够分析形式的结构力学，这些形式被表现为在空间中经过观众的移动。
的原则设计
因为绘画是一种二维艺术，线条和形状的平面图案是设计的一个重要方面，即使对那些关心创作的画家来说也是如此幻想深度很大。而且，由于绘画表面上的任何标记都可以被视为一种空间陈述——因为它依赖于它——在主要由平面形状组成的绘画中也有三维设计的品质。因此，绘画中的形状可以作为平面图案的单元相互平衡，同时也可以作为空间设计中的组成部分，相互平衡。同等重量的色调和色块的对称平衡创造了一个宁静的，有时是纪念性的设计，而更多动态效果是由不对称的平衡创造的。
几何形状和体量通常是“平面图案”(如拜占庭和伊斯兰绘画)和“雕塑构图”(如巴洛克和新古典主义人物造型)设计的基本单位。例如，创造罗马式壁画图案的平面、重叠的正方形、圆形和三角形，在文艺复兴时期或新古典主义时期，变成了环环相扣的立方体、球形和金字塔组成部分，包围了分组的人物和周围的特征作文．
强调局部与整体的比例是古典绘画风格的一个特点。的黄金分割或剖面，已被用作一个理想的比例，在此基础上，线条和形状的框架在绘画设计中。文艺复兴时期的数学家卢卡斯Pacioli将这一美学上令人满意的比例定义为一条线的分割，使较短的部分与较长的部分之比，正如较长的部分与整体之比(大约为8到13)。他的论文（长诗proportione)的影响莱昂纳多·达·芬奇而且Albrecht Durer．的Neo-Impressionists乔治·修而且保罗Signac基于他们的线性模式作文根据"神圣比例"的原则在许多其他绘画风格的设计中都可以发现中庸比例，尽管它们往往更多地是通过直觉判断而不是经过计算的测量来创造的。
张力在绘画中创造，就像在日常生活中经历的一样，通过对事件的预期或事物顺序的意外变化。视觉和心理张力出现在设计的段落中，因此，当线条或形状几乎接触或似乎要碰撞时，当和谐的色彩进展被突然的事件打断时不和或者当线条、形状、色调或颜色勉强保持不对称的平衡时。
线条、形状、色调和颜色的对比创造了活力;例如，用直线形状来对抗曲线，或者用暖色来对抗冷色。或者，一幅画可能由对比鲜明的整体图案组成，以对位的方式相互叠加——例如，在对比鲜明的线条和色调模式上铺设配色方案。
设计绘画和其他视觉艺术之间的关系
的哲学而绘画中一个特定时期的精神通常也反映在许多其他时期视觉艺术．思想和愿望古代文化，文艺复兴，巴洛克，洛可可、西方新古典主义时期和19世纪的艺术新艺术派和分离主义运动在大部分的体系结构，室内设计、家具、纺织品、陶瓷、服装设计和手工艺品，以及当时的美术。后,工业革命，与冗余手工和直接的损失沟通在艺术家与社会之间，努力把理想主义的艺术和工艺统一起来，为之服务社区是由威廉•莫里斯在维多利亚时代的英国包豪斯在20世纪的德国。虽然他们的目标没有完全实现，但他们的影响，就像那些短暂的风格主义而且建构主义运动产生了深远的影响，特别是在建筑、家具和排版设计方面。
米开朗基罗列奥纳多·达·芬奇是画家、雕塑家和建筑师。尽管此后很少有艺术家在如此广泛的创意设计方面表现出色，但20世纪的主要画家通过许多其他媒介表达了他们的想法。在平面设计，例如，皮埃尔·博纳尔，亨利·马蒂斯,拉乌尔Dufy制作海报和插图书;安德烈Derain，弗尔南多分类帐，马克·夏卡尔，米哈伊尔·Larionov，罗伯特·罗森伯格,大卫•霍克尼为剧院设计的;琼米罗，毕加索夏加尔从事制陶工作;索尼娅·德劳内纺织品设计;乔治·布拉克而且萨尔瓦多•达利设计的珠宝;大理,汉斯·里希特,安迪•沃霍尔使电影。他们中的许多人，和其他现代画家一样，也是雕塑家和版画家，为纺织品设计，挂毯，马赛克，和彩色玻璃在美国，几乎没有哪种视觉艺术媒介不是毕加索所涉足和振兴的。
反过来，画家也受到其他视觉艺术的意象、技术和设计的刺激。最早的影响之一可能来自剧院，古希腊人被认为是第一个使用光学透视的幻觉。在其他文化的艺术形式和过程中，对设计技术和意象的发现或重新评价，是推动近代艺术风格发展的重要因素西方绘画，无论它们的传统意义是否已被充分理解。日本木刻版画的影响Synthetism和纳比斯例如，美国和非洲雕塑在立体主义和德国人表现主义帮助创建可视化词汇表和语法用它来表达新的愿景和想法。发明摄影向画家们介绍了自然的新方面，最终促使其他人完全放弃了具象绘画。画家的日常生活，如埃德加德加，亨利·德·图卢兹-罗特列克，爱德华Vuillard和波纳尔利用了这个设计创新为了给观众一种分享的感觉，镜头切断，特写和非传统的观点亲密的画面空间与人物和物体在绘画。