首歌

首歌这是一首由单人演奏的音乐作品的声音，有或没有乐器伴奏．多声部的作品叫做二重唱，三人小组，等等;更大的合奏合唱音乐．演讲而且音乐从很早的时候就结合在一起;音乐增强了语言的效果，使它们以一种投射和激情呈现出来，这是单靠语言很难达到的。歌唱风格在内部和内部都不同文化，通常反映了一些变量，如社会互动的理想，精神世界的看法，以及社会使用的程度写作作为…的主要手段沟通．有些文化重视放松、自然的音质清晰的表达歌词，而其他人培养一个训练有素，紧张的人声音，字字清晰。

在西方音乐，民歌习惯上是区别于艺术歌曲的。民歌通常在没有伴奏的情况下演唱，或由一种乐器伴奏。,一个吉他或者一个洋琴．它们通常是凭耳朵学习的，很少写下来;因此，他们很容易受到音符和单词的变化，通过几代人的口头传播。大多数民歌的作曲家都不知名。

艺术歌曲相比之下，音乐是由专业歌手或至少是经过精心训练的歌手演唱的，通常由钢琴或器乐伴奏。笔记被写下来，笔记和文字从此不再随意变更．流行歌曲在技术难度、音乐的复杂程度上介于民歌和艺术歌曲之间音乐的结构，以及对变化的抗拒。

民歌通常伴随着宗教仪式、舞蹈、劳动或求爱等活动。其他民歌讲故事;其中最主要的是叙事民谣而且歌词．英美民谣以动作为导向，经常涉及悲剧情节。抒情歌曲更情绪化，更多愁善感。在许多文化中，无论是历史上的还是当代的唱歌英雄史诗也是一个重要的传统。民谣通常有相对简单的旋律，通常每个音节只有一个或几个音符。语言倾向于遵循某些惯例，并且经常是重复的。在大多数情况下，音乐和歌词是容易理解的，但在某些传统中，歌唱使用了一种特殊的语言域，这使得一般听众只能部分理解表演，如果能完全理解的话。

欧洲传统的艺术歌曲很少与音乐以外的活动联系在一起。他们的文本往往是复杂的，他们的旋律往往广泛而复杂。艺术歌曲，就像整个古典音乐一样，本质上是一种城市现象，起源于中世纪的法院、大学、城市和教堂。十二世纪之外而且行吟诗人留下了大量的旋律和诗歌;整个欧洲都在模仿。旋律和诗歌是微妙的，高度有组织的，贵族社会的产物。手稿表明没有伴奏;这大概是即兴创作的。

的成长复调在13和14世纪的欧洲音乐中，作曲家学会了分配主音旋律给独唱歌手，用乐器演奏辅助旋律。用一个旋律模仿前面一个旋律的技术，由15世纪引入，用于精心制作音质，其中人声线的首要地位受到威胁;接下来的反应是在伴奏尽可能少的歌曲中，只有几个和弦。这些变得广泛流行，到16世纪，仔细的发音和文本的可听性再次成为一个中心问题。

17世纪的戏剧音乐见证了歌曲风格的进一步完善。区别出现在背诵的而且咏叹调前者完全以文字为导向，自由自在，和弦伴奏极少，而后者则更为精湛，旋律更为精致，伴奏更为丰富多变。由于在音乐上更有趣，咏叹调开始占据主导地位歌剧，大合唱,清唱剧在18世纪，相对来说很少有人关注这些之外的独唱歌曲类型．的歌曲沃尔夫冈·阿玛多厄斯·莫扎特而且约瑟夫·海顿例如，这些作品并不被认为是他们最好的作品。只有在流行音乐有键盘伴奏的简单的诗节曲。

在19世纪早期弗朗兹·舒伯特的歌曲在戏剧性的实现和音乐质量方面表现出色。罗伯特·舒曼，约翰内斯·勃拉姆斯，另一个引导浪漫的作曲家们不仅从舒伯特那里学到了变奏旋律的艺术，而且还学到了伴奏的潜在意义。门德尔松最终将伴奏提升到了歌曲的地位没有歌词的歌(1832 - 45;“写作之歌”)，一系列无文本的作品让人想起诗歌的意象只透过钢琴的声音。在法语歌曲中，作曲家的作品盖伯瑞尔福尔而且德彪西一样特点是变幻莫测，千变万化和声在一定程度上受到语言中不固定的重音模式的影响。

后来的作曲家继续探索声音与伴奏的关系，并扩大歌手的表达和技巧的范围，有时用乐器来处理声音。乔治而且爱尔兰共和军格什温，例如，结合的建议嘘唱即兴爵士乐用无意义的音节来模仿乐器独奏的声音的声乐技巧——融入他们的歌剧波吉和贝丝(1935)。美国20世纪后期和21世纪初的歌唱家和作曲家博比·麦克费林他不仅能模仿单一乐器的声音，而且只用他的声音就能模仿整个合奏的声音。（另请参阅法国香颂；撒了谎；声乐．)