20世纪的服装

在20世纪初,瑞士的理论阶段设计师阿道夫Appia英国演员和设计师爱德华·戈登•克雷格呼吁象征意义并表达了对自然主义的强烈反应Meiningen公司和莫斯科艺术剧院。Appia主张舞台服装唤起并建议但从未复制历史线。

一个画家的戏剧后出现哔叽列夫的演讲芭蕾拉斯1909年在巴黎。才华横溢的调色板和协调来ballet-by利昂·巴克斯特,亚历山大Benois,尼古拉斯Roerich都称赞。Natalya Goncharova的设计大公鸡的奖。1914年前所未有的使用生动的颜色,主要是颜色,比如红色、黄色和橙色,与其他颜色不一致的强调。服装和装饰的形式是基于传统的俄罗斯民间服饰,虽然那件衣服是他们时代的转变,使独特的锯齿形的影响立体主义。前卫艺术家的许多现代art-Cubists繁荣的运动,建构主义者,超现实派概念:一个加速度创新在设计概念,这在之前的几个世纪发展逐渐在欧洲。

Appia、克雷格和列夫领导他人实验。Vsevolod Meyerhold1907年生产的列昂尼德•Andreyev的玩人的生活表现主义的服装设计的西奥多Komisarjevsky纯机械的设计。德国人士推断,因为演员是封闭空间的阶段,阶段必须安排错觉的现实,以适应演员作为一个“自然”人类,或者是演员必须转化为匹配的立体派和抽象空间舞台。

作为现代舞进化,其快速的节奏和速度提供了服装设计师新的挑战和原来的工作范围。的作品肯宁汉和阿尔文尼古拉在纽约提出了独特的形状,试图表达时间和空间的探索。尼古拉让他的服装总舞台设计的一部分,一个戏剧性的抽象的方式他看到人类,的一部分社会经济mechanism-an愉快但不是一个核心组成部分。指责不人道的舞者,他坚持认为他们的角色是一个表达式的人类更大的状态,生活在一个世界的经验的运动、声音、色彩、和行动,强烈影响影响他们。

的崛起美国音乐很大程度上要归功于作曲家的密切合作,作家,和舞蹈指导设计师。在一个音乐服装设计师的任务是多方面的。设计必须捕获的精神音乐和歌词,解释,提高演员的特性,并帮助舞者的多种多样,经常体育例程。的服装窈窕淑女(1956)和《西区故事》(1957)在这些方面尤其成功。

激进的有创意的德国剧作家的人才贝托尔特。布莱希特创建新产品概念和风格;衣服穿讽刺的方式传达给观众不仅佩戴者的描述,还他的社会地位。在20世纪的实验戏剧,另一个引人注目的力量葛罗,他的生产Akropolis在波兰实验室剧院在1962年作为一个诗意的解释灭绝营。没有英雄,没有individuality-among字符。服装袋完全覆盖的洞的裸体,和孔内衬材料表明撕裂肉;木鞋覆盖脚,匿名的贝雷帽。20世纪的后半部分是一个全世界的社会动荡,但特别是在美国和欧洲服装设计反映了变化。董事等jean - louis Barrault在法国和德国Jurgen Flimm以及戏剧团体等生活剧场探讨了政治和社会的主题与创新的方法和技术,服装是必不可少的。不管社会如何变化影响故事的方式被告知在剧院,在永恒不变的主题多样化的一系列的模式是服装的设计格言来表达的情绪和精神一出戏。设计理念坚持通过的21世纪。

服装能剧和歌舞伎剧院

在日本能剧和歌舞伎生产的剧院,几乎每一个元素是由传统。能剧服装,演变成他们在十四和十五世纪的现代形式,也不例外。性格的类型描述了通过约定的应用在服装的设计和施工。选择的设计轮廓的细节,颜色组合,丰富性和质地的面料,详尽列出所需的类型和数量的结合给予迹象的性格以及强烈的视觉冲击。

从它的起源在17世纪早期,歌舞伎是在很大程度上受到政府的限制。而脚本经常呼吁禁止贵族characters-nobles或samurai-it模仿这类的衣服。歌舞伎生产企业通过夸大那件衣服的颜色和面料。因此,戏剧服装通常变得更加丰富多彩,比他们的服装风格华丽的基础。长袍,长袍的轮廓也被夸大了:如果最初的长袍的肩膀稍微垫,服装高和宽的肩膀。同样,逃避限制使用印刷丝绸、织物常用的贵族,生产企业往往绣花图案丰富的丝绸或用贴花。歌舞伎的古典传统,包括服装,从17世纪上半年日期。在创建这些传统的政府禁令消失在随后的几个世纪里,歌舞伎的风格保持相对不变。然而,尽管他们视觉奢侈歌舞伎服装甚至今天充满了微妙,幻觉,和隐藏的含义,所有的帮助澄清懂行的观众角色的作用。