交响乐团

交响乐团的长形式乐曲为管弦乐队，通常由几个大的部分组成，或运动，至少其中一家通常会雇佣员工奏鸣曲式(也称为第一乐章形式)。

这种意义上的交响乐开始在所谓的古典时期在欧洲音乐历史，大约1740-1820年。这一时期的早期和之前的十年有时被称为前古典，就像1750年之前写的交响乐一样。在19世纪，包括浪漫主义时期交响乐变长了，作曲家们开始考虑如何将乐章统一起来;音乐之外的节目和新方法音调(和弦进行的大调-小调系统)是解决大规模交响乐形式问题的方法之一。在20世纪后期，交响乐和管弦乐队发展到这样的程度，引起了反响，在20世纪初的新古典主义运动中达到顶峰，作曲家再次转向平衡和正式的原则纪律，用新的技术来实现动态一致性．经济上的考虑迫使20世纪中期作曲家减少了乐团的规模和排练时间，进一步证明了回归不那么奢侈的交响乐思维的合理性。

然而，在整个19世纪，许多杰出的交响乐家都能做到调和对时尚有着严格的要求音乐的逻辑。这些作曲家代表了交响乐活动的主流，他们的作品仍然是20世纪交响乐活动的典范类型．本文主要关注两个方面:对主要交响乐作品和作曲家的考察以及对交响乐思想演变的思考。

以前交响乐的概念c。1750

这个词symphōnia被希腊人用来指在和谐引申为"系综或者“band”而不是“a”音乐形式．这个词暗指不同音符令人愉悦的和谐，在音乐以外的领域也被用于表示各种元素令人愉悦的结合。在新约路加福音(钦定版)symphōnia被翻译成“音乐”，区别于choroi“跳舞”。在中世纪这个名字给了好几个人乐器，其中有一个双头鼓,鞠躬弦乐器，一个大的手摇风琴,风笛．1582年提到了交响乐的风景明信片，显然是有弦外音键盘乐器．

从16世纪中期开始，symphonia(以及相关的拼写)是一个术语，经常出现在标题中，它只是表示合奏音乐，无论是对于乐器的声音或者单独。一套悠扬发表在安特卫普在1585年被称为当归交响乐，Huberto Waelrant．后来著名的例子是Sacrae symphoniae这位威尼斯作曲家的作品乔凡尼加百利(第一卷，1597年;卷二，1615)，精心的收藏仪器而且声乐，通常用于多个唱诗班；和Symphoniae sacrae他著名的德国学生海因里希·舒兹(1629、1647、1650)。Schütz的收藏揭示了他的债务丰富多彩和精心编排的意大利风格的作品，从几个声音到大型多合唱作文有独奏部分和乐器。他的同胞撒母耳Scheidt的70号交响曲(1644)同样地将器乐和声乐合奏结合起来，以丰富他的音乐的纹理和提高戏剧性。

早期仅为乐器演奏的交响乐巴洛克时代（c。1600-30)作为独立的作品或作为介绍或平和的时期在戏剧作品中。意大利比亚马里尼的序曲La Orlandia(1617)是一首二重唱小提琴或cornetto管乐器带手指孔和杯状吹口)和数字低音五简连续的部分，通过对比来区分米和新旋律每个部分的材料。(连续体是a谐波即兴伴奏:在写好的低音线上即兴伴奏，通常用键盘乐器和低音提琴演奏弦乐器或其他低音乐器。)早期歌剧通常包括器乐交响乐。雅格布仙女的Euridice(第一次演出1600)包括一个三重奏交响曲长笛；克劳迪奥·蒙特威尔第的奢华的音乐剧Orfeo(1607)中穿插了五首乐谱丰富的小奏鸣曲大格拉松(“战争交响曲”)在他的作品中伴随着一场有计划的战斗Il ritorno d 'Ulisse in patria（《尤利西斯归国记；1641)。Stefano Landi的每一幕歌剧伊尔桑特'Alessio(1632)以一节式小交响曲开场。许多其他的歌剧而且清唱剧作曲家使用简短的描述性或介绍性的奏鸣曲，通常采用小节形式，韵律和节奏形成对比。

它留给一个那不勒斯人，亚历桑德罗·斯卡拉蒂(1660-1725)，使序曲把他的歌剧当成快慢快慢阿凡提歌剧交响曲就像在他的歌剧里一样Dal male il bene(1681);《善与恶》)。这部作品和后来的作品中所谓的意大利序曲，为弦乐和连续音阶配乐，被广泛认为包含了后来三乐章交响曲的萌芽。与之相反的是更多对位的(以交织的旋律线为基础)法国序曲，以一个浮夸的缓慢乐章开始，以一种低沉的节奏继续赋格曲的部分(包括在几个声部之间模仿一个旋律)，意大利风格立即变得悦耳而突出谐音(和弦)的纹理。第一个快速的动作可能是微不足道的;它对称的措辞毫无表现力。对比鲜明的第二乐章可能更抒情，也许是在期待歌剧后面听到的曲调。最后一个动作，有时一个小步舞，是一个旺盛的序幕。这种形式很快在意大利以外传播开来，甚至传到了法国。让-菲利普•拉莫的Zoroastre例如，(1749)就包含了这种快-慢-快的序曲。拉莫，事实上，被认为是意大利风格的代表，特别是在他的清醒谐波治疗。巴洛克晚期对音调清晰的关注预示了早期古典交响乐家的态度。用于确保清晰的方法包括用琶音(“竖琴”或破碎)构造的旋律。和弦谐音或平行的三分音或六分音(由三分音组成的和弦序列，如C-E或D-F，或六分音，如C-A或D-B)。这些特征在中国并不常见巴洛克音乐这在结构上是严格对位的。

歌剧序曲最终形成了一种形式，激发了早期交响乐家的创作灵感序曲,或交响乐团，至今还没有正式的定义。直到1771年Encyclopædia大yabo亚博网站首页手机英百科全书，反映了古希腊的用法，将交响乐仅仅定义为“和音或者几种悦耳的声音的和谐，无论是声乐还是器乐，也称为和声。”序曲与协奏曲，配偶，序曲，套件等等。一段简短的乐器插曲，如在首歌直到19世纪，它仍被称为交响乐。在巴洛克时代晚期(c。1700-50)这个术语被用于这样的不相似的作品，如约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的说教的由三部分组成的发明对于键盘，叫做Sinfonien在1723年的副本，以及管弦乐的“田园交响曲”，一个准描述性的插曲乔治·弗里德里克·亨德尔的弥赛亚(创作于1741年)，据说是根据意大利牧羊人风笛曲调改编的，非常符合早期歌剧中描述性交响乐的传统。

巴赫的E小调第七交响曲而且G小调第十一交响曲有趣的是，在每一件作品中，开头的材料在结尾重复出现。在第七交响乐这种重复只是暗示，但在交响乐ξ这首曲子的后八个小节几乎重复了前八个小节。这些作品的整个中间体发展了开头所呈现的动机材料，而最初的材料则以对位和和谐的方式进行转换。在结尾处的小节中，由此引起的张力被消解有节奏的把缰绳牵进去。这是一个来自家庭的说明性单位的暗示关键到一个不同的键，接着是一个扩展的发展，探索更多的远程键和动机和对位影响一开始，以重述结束，其中发展的能量有些耗散，以回归到开篇材料，预示着奏鸣曲式古典交响乐家。巴赫在他的一些器乐中使用了这种技巧协奏曲运动;协奏曲与早期交响乐有其他共同的元素，特别是在抒情的慢乐章和快速的二拍子的情绪上最后．

这个词序曲被应用于三重奏奏鸣曲长笛,双簧管，然后继续约翰·约瑟夫·富克斯的Concentus Musico-instrumentalis(1701)，收集套房每一个组成数量(多达15个)的两部分舞蹈和描述性作品。一个知识和影响力维也纳宫廷作曲家Fux在这首交响曲中脱离了典型的17世纪风格套件这首歌仅仅是同一音调的对比舞蹈的合集。作品分为两个主要部分，都包含三个短乐章;关键方案是F大调，D小调，F大调- F大调，D小调，F大调，最后三个乐章编程标题。这里不仅仅是各种舞蹈的集合，而是有意识地尝试在音调上联系动作，从而创建更大的层次单位。F大调和D小调是紧密相关的键，不可能省略一个单一的动作而不破坏整体的对称性(不是说任何一组三个，甚至每一个舞蹈，本身听起来不好)。通过这种简单、平衡的和声结构，Fux超越了典型组曲的松散结构，并通过在同一个相关的大调的两个乐章之间构建一个小调乐章，他预测了许多早期交响乐的整体形式。

Fux和巴赫都是调性演变的产物和谐这一系统带来了一种可能性，即大尺度曲式不仅像以前那样以旋律变奏或对位为基础，而且还以和声张力和节奏为基础调制．(调制，不像简单的换键，意味着建立一个新的主音，或音调中心，通过一系列相关键的递进。)德国巴洛克作曲家广泛的调调和情感的和声进行依赖平均律该系统允许探索远离主音的键，而无需重新调音以适应遥远的和声。巴赫将这一体系发挥到了极致，就像他的许多北德同时代人一样，但他们丰富的和声调色板对于涌现了许多重要交响乐家的南方来说是陌生的。不太在意强烈的情感(Affekten)，更清晰，南方人避免了复杂的对位和复杂的谐音进行，倾向于有限的和弦词汇和以和谐旋律为主的清晰对称的乐句。

除了组曲和歌剧序曲外，还有短小幽默插曲它起源于那不勒斯，兴盛于1685年至1750年，对前古典交响乐家产生了强烈影响。以亚历山德罗·斯卡拉蒂为首的那不勒斯作曲家，在间奏曲中关注两位歌手之间戏剧性的、喜剧的相互作用，在两到三幕短幕中由阿里亚斯，recitatives，以及二重唱。由于文本要求清晰的发音和仔细的发音，它们影响了旋律的短语结构，产生了重复的音符数字和简短的节奏或旋律动机。这些短语通常分为两个小节。对位法被放弃了，因为它容易使文本变得模糊，和声变得简单而缓慢。插曲旋律富于饰品突然的口音，切分音(取代的重音)，以及反映文本陈述的俏趣跳跃，缺乏典型巴洛克旋律的宽阔、旋转的拱门和强劲的节奏。相反，它们是由相互联系的短暂动机组成的，并且经常发生清晰的表达短语组。这个词)成语提供了早期交响乐的旋律冲动。