歌剧

虽然主要是歌剧音乐的经验,它依赖于其他表演艺术以及艺术的戏剧演出技术。歌剧是一种戏剧唱的伴奏管弦乐队。虽然歌剧院的织物可能打断了口语对话或recitatives伴随着键盘或乐团,特色是戏剧是由和通过音乐传达的。

歌剧这个词的意思是“工作”在意大利和意大利的缩写歌剧在音乐。这个词包含了很多相关的艺术形式,包括喜歌剧,或喜歌剧,和18世纪的意大利正歌剧形式与英雄或传奇的主题。

相关的形式包括德国歌唱剧、轻形式,也包括口语德拉姆lyrique法国的混合形式,包括口语文本;和美国音乐剧作为开发的伦纳德·伯恩斯坦在等作曲家《西区故事》,迈克尔·班尼特合唱队,斯蒂芬桑德海姆星期天和乔治在公园。所有这些艺术形式分享是依赖一个多样性的人才需要让他们在舞台上。每一个歌剧开始合作一个作曲家和剧本作者,或作者,写或适应歌剧的故事。一个演员必须组装。不仅演员的成员必须口头上完成,但他们必须能够合理的行动,贡献出自己的舞台肖像戏剧性的现实主义。完全上演的生产也需要一个管弦乐队,经常合唱和舞蹈演员剧团。训练这些艺术家的音乐,有一个团队的教练和导体。训练他们戏剧性的,有戏剧专家。带来生产上的生命阶段,设计师必须设想一系列集,然后必须在歌剧院舞台上构建和实施。导演需要确保所有的整个歌剧歌手知道他们的动作,最后一个导体是负责领导整个生产性能。

歌剧作为已知的今天是意大利人发明的约会从16世纪末17世纪初。不过,古希腊戏剧的灵感,因为它包含唱歌,朗诵,和舞蹈告诉一个叙述故事。另一个歌剧的前身是中世纪的音乐戏剧。似乎是一个艺术差距后近一年,10世纪的神职人员开发了一个复活节玩。这个表示是源自一个内核的戏剧性的对话中发现复活节执行质量和与音乐,服装,和基本的集。

虽然这种原始的歌剧的发展是其神圣的环境限制,它却展示了各种艺术可以融合成一个更大的整体。这些作品包括独唱歌曲、二重唱,三人小组以及声乐独唱与合唱,合唱集。然而,这些礼仪小插曲缺乏音乐资源,戏剧性的范围和知识框架符合他们真正的歌剧。

真正的歌剧是由一群音乐家,诗人和学者经常在佛罗伦萨,意大利,1580年和1589年之间。他们被称为圆顶海百合亚纲。在他们的会议上,他们讨论了问题的艺术,更具体地说,如何振兴古人的悲剧。这个目标是无法实现的。即使有一个完整的工作知识的希腊音乐,古代系统之间的差异和16世纪晚期音调是无法调和的。

佛罗伦萨人的圈子是著名的作曲家之一雅格布仙女,朱里奥Caccini,Vincenzo伽利略。他们共同组成的接受风格深深不满,认为这是不够灵活的表达范围广泛的人类情感。在他们的作品特别注意找到确切的戏剧性变化的文本,精确的情感阴影,音乐和文字之间的理想婚姻。

Caccini的一些作品被发表在1602年卷恰当资格Le nuove musiche(新音乐)。早些时候在这些作品涉及对位的纹理的风格被替换成简单的纹理,让单词的意义上大放异彩。

然而在1600年,他的仙女写道每个音乐戏剧题为Euridice,这是在法国亨利四世的婚姻庆典和玛丽亚·德·美第奇。这项工作是由一小群字符串和长笛不过犯了一个大的印象。虽然今天的音乐似乎简单,首映的时候,它被认为是革命,和它的成功建立了自己的歌剧作为一种艺术形式。

更重要的比佛罗伦萨歌剧作品写的克劳迪奥·蒙特威尔第。他的Orfeo1607年第一次出现在曼图亚,比仙女显著更复杂的工作,音乐他更大胆的进步和声编配的丰富性。L 'incoronazione di Poppea(1642),蒙特威尔第为威尼斯,也是一个极大地开发工作和像Orfeo现在经常执行。

1646年,年轻的音乐家Giovanni Battista Lulli做一个页面,从佛罗伦萨来到巴黎。在一次失败的尝试建立意大利歌剧在法国法院,法国歌剧开始自己站起来。其首席作曲家前页面,现在被称为让-巴蒂斯特·吕利,他来到国王的支持作为一个作曲家的芭蕾。的1672年,他负责Academie皇家de音乐节,法国主要的音乐机构。那一年他组成Les盛宴de l et de酒神巴克斯,这是第一个法国歌剧。在接下来的14年吕利和诗人菲利普奎纳尔特20歌剧。

意大利歌剧是导入到德国在1627年,当时的歌词Dafne由Ottavio Rinuccini被设置为音乐海因里希·舒兹。(设置相同的文本,由仙女在1597年,被认为是第一个歌剧。)然而,德国歌剧的真正创始人,是莱因哈德Keiser,他写了超过116个作品的歌剧在汉堡1694年和1734年之间。在英国,大约在同一时间,亨利珀塞尔建立英语歌剧等工作狄多与埃涅阿斯(1689)和精灵女王(1692)。

主要的歌剧作曲家在英国在18世纪早期,然而,不是一个英国人,而是一个德国人。乔治·弗里德里希·汉德尔1705年在汉堡创作了他的第一部歌剧,但他在伦敦时,他更大的胜利莱(1711)。在未来的40年汉德尔写了超过35歌剧,其中许多他自己跑与歌剧公司生产。韩德尔的几乎完全集中在这种类型的作品从1711年到1737年,当他将注意力转向了神剧。而他的神剧长被认为包含韩德尔music-Handel是最好的和最受欢迎弥赛亚不仅是他的最受欢迎的宗教剧但最受欢迎的作品之一的绿皮书中,20世纪末他的歌剧终于承认他们卓越的想象力和洞察力。

在他的整个职业生涯中,尤其是在他的青年,韩德尔容易受到其他作曲家的音乐。他最早的等等Almira(1705)罗德里戈(1708)由Keiser已经建模工作。帕那(1709)显示了威尼斯的影响school-Antonio Caldara Giovanni Legrenzi,例如。等伦敦工作莱亚历桑德罗·斯卡拉蒂是听到的影响。

在1720年代中期韩德尔开始写歌剧,锐意创新的新标准。富有想象力的管弦乐触动中发现朱里奥在Egitto凯撒(1724)和大胆recitatives听到奥兰多(1733)。这些细节和类似的时刻等杰作里卡多。首先(1727),Poro(1731)和Alcina(1735)重新定义了歌剧的戏剧性的潜力作为一个至关重要的和生动的体验。

在他的歌剧韩德尔处理对象的三种不同的类型:历史、古典和浪漫。历史歌剧的代表朱里奥凯撒,亚历山德罗(1726)和里卡多。首先。古典神话对待Admeto(1727)和阿里安娜在白垩(1734年),而浪漫的歌剧包括Alcina,弗拉维奥(1723)和奥兰多。不管主题,然而,韩德尔的译本是相似的,他们的阴谋,以今天的标准来看是非常复杂的,甚至令人困惑。韩德尔的最喜欢的歌词作者是尼古拉Haym成形的文本Teseo(1713),Radamisto(1715),Ottone(1723)和弗拉维奥等等。其他来源的作品Pietro Metastasio,意大利诗人的主要歌词作者上半年18世纪。的歌词Metastasio通常在冲突提出了人类的激情。通常基于一个故事第一古拉丁语或希腊语告诉作者,Metastasio译本通常是两对情侣,次要人物,一个暴君最后揭示了他高贵的天性。这些译本给作曲家许多不同场景的机会,包括庄严的仪式,军事仪式,和乡村田园。典型的Metastasio歌词在三幕,包含recitatives和阿里亚斯。Recitatives用于开发戏剧性的行动,而阿里亚斯让角色提供评论他们的情感或情绪。有时这些歌剧包括二重唱,很少大乐团,和一些简单的合唱。他们之间,Metastasio Haym韩德尔提供了他的歌剧剧本十。

伦敦韩德尔的最后歌剧后不久,这个城市是访问德国作曲家Christoph Willibald好运。1746年他所看到的似乎强化了他的信念,即传统的意大利歌剧的天是不合逻辑的,无法表达人类感情的忠实完整的范围和强度。歌手是滥用他们的艺术,要求单独阿里亚斯,戏剧表演变成个人共舞的集合。与作曲家愿意牺牲戏剧性的完整性的服务支持歌手,佛罗伦萨歌剧的创始人的理想主义目标被背叛了。

好运自己写的作品多年来共享这些缺陷。然而,在1762年,他创作Orfeo ed Euridice激进的工作,重申至高无上的戏剧和音乐完整的歌剧。他把他的理论付诸实践:在Orfeo音乐是屈从于戏剧的作用;阿里亚斯结束没有传统的初音岛(重复)部分,没有戏剧性的目的;介绍了合唱和其他器乐作品只有加强意义上的戏剧性的行动;和歌手不是考虑到自由添加歌剧咏叹调。维也纳首映的成功Orfeo是如此好运写两个更适合城市——吗Alceste(1767)和Paride埃德埃琳娜(1770)。这些作品不太热烈欢迎,他搬到更适宜居住的城市巴黎,在那里他由他已故的杰作:Iphigenie en Aulide(1774),Armide(1777)和Iphigenie在十月(1779)。

好运的改革没有被普遍接受时,他们普遍接受和恢复歌剧音乐的首要表达式仅仅是装饰,烟火,戏剧性的发明家irrelevancies-that艺术的目的。上个季度的18世纪,歌剧的性质之争已经基本结束。这是一项决议,肯定了音乐和戏剧原则,继续指导今天的媒介。

最伟大的歌剧作曲家去年一半的18世纪,和一个好运极大地影响了谁,沃尔夫冈。阿马德乌斯。莫扎特。虽然好运是42岁,不可否认成功当莫扎特生于1756年,年轻的作曲家本能地理解好运的目的,写了一系列的歌剧,一个可靠的平衡之间的竞争的戏剧性的连贯性和声音显示。虽然莫扎特的歌剧成熟给歌手很多机会展示他们的直言不讳的礼物,歌剧是从未被削弱了的音乐作品的戏剧性结构。

莫扎特的歌剧第一次重大,最后重要的块他写之前从他的出生地萨尔斯堡,维也纳Idomeneo(1781)。写的歌剧在慕尼黑,工作是他早期的正歌剧像两个阶段——工作Mitridate(1771)和卢西奥新罗(1772)。与这些碎片,早些时候Idomeneo显示了莫扎特完全掌握他的权力。比分是充满大胆的戏剧性和图示中风如暴风雨在海上沉船。明显用的合唱,有明显较大的集合体和显著的recitatives伴随着大量多样的乐团。虽然音乐是毫无疑问作曲家莫扎特的全部的甜味和辛酸和优雅的短语也显示了戏剧性的好运和法国的影响tragedie lyrique。除了其他(提多的摆布,1791),这是在他生命的最后,莫扎特写的没有其他正歌剧。

戏剧性地他走相反的方向,展示字符识别在日常生活中,而不是遥远的神话人物。费加罗的婚礼(1786),而喜歌剧,是革命性的方式呈现显著的角色,而不是股票数据由莫扎特的同时代的人。

莫扎特的洞察人类情感和动机是深刻的,他通过他的音乐表达这些见解的能力。在费加罗的婚礼莫扎特不仅创建角色解释了他的行动,通过他们的音乐但谁获得戏剧性的维度时从事集合体。正是在这些更大的数字,甚至比阿里亚斯的独奏,莫扎特在他们所有的复杂性提出了他的角色。

虽然费加罗冷静地接受了在维也纳,是热烈欢迎在布拉格,及其热情的接待调试了莫扎特的歌剧,唐乔凡尼(1787)。莫扎特称为工作是戏剧欢快的或“好玩的戏剧”,但文章也不是没有严肃的一面。莫扎特的唐璜的故事第一次被西班牙剧作家莫利纳在1600年代早期。法国伟大的剧作家莫里哀也处理(的故事Le Festin de皮埃尔,1665),发明的特点多娜埃尔韦拉。但尽管有这些和其他文学治疗,是莫扎特打造了一个故事,呈现唐乔凡尼作为一个真正的浪漫英雄。莫扎特的也不是不可能的混合物乡巴佬和亵渎者,但反对派的目标是传统权威和传统道德。莫扎特的存在也增强了仪器因素(如使用trombones-that给歌剧一个黑暗和庄严的一面。莫扎特在歌剧编织的心理对应角色的感情:唐乔凡尼的威胁,唐娜埃尔韦拉的伤害,唐娜安娜的报复,Zerlina是清白的,并Ottavio渴望请他心爱的唐娜安娜,和Masetto天真对他敬爱Zerlina。比其他任何他的歌剧,唐乔凡尼显示风格的影响,曾由基于1761年莫里哀唐璜芭蕾舞。在莫扎特的作品独特的喜剧和悲剧元素的混合。

另一个喜歌剧,或喜歌剧Cosi风扇tutte(1790),工作问题的传统观念爱,忠诚和奉献精神。莫扎特最悦耳的方式处理这些主题。阿大被许多人认为歌剧爱好者是莫扎特最悦耳的分数,实际上其写作尤其丰富突出旋律流畅的使用间隔的第三个和sixth-those间隔最远离失调。阿大也使得著名的吹奏乐器的使用,特别是莫扎特最喜欢的单簧管,常在他的分数的表达爱和奉献。莫扎特的歌剧,阿大是最明显和最对称的在其引人注目的建筑。两对恋人的中心作用,保持运动的狡猾的愤世嫉俗者也阿方索和女子女仆Despina。戏剧的清晰度,戏剧性的讽刺,和丰富的旋律,阿大在莫扎特的歌剧后赢得了一个特殊的。

两个德国完成莫扎特歌剧经典。从和绑架(1782)是一个浪漫和漫画救援的故事,异国情调和同样的字符。像许多其他的时间,绑架利用流行的东西认为是土耳其的兴趣。不仅是人物和地区特别,但音乐特性钹等打击乐器和鼓与感兴趣的异国情调。

的魔笛(1791)是完全不同的。强烈影响的仪式只有莫扎特和他的同伴知道共济会的共济会会员,的魔笛是漫画的汞齐行动,声乐艺术爱好者,和道德的指令。严格来说这是一个歌唱剧,用口语对话而不是背诵的场景,但它是一个歌唱剧比其他工作更先进的流派。Papageno提供了幽默元素的字符中发现的这类作品,但为例外,其他特性,昙花的艺术大师阿里亚斯和忧郁的咏叹调,充满教育智慧,大祭司的Sarastro。

莫扎特的歌词作者的魔笛伊曼纽尔Schikaneder,作曲家的朋友以及一位梅森。莫扎特的歌词作者,被认为是他的三个主要的歌剧费加罗,唐乔凡尼,阿大是洛伦佐da桥,诗人和作家。而没有办法杰出的文学,他为莫扎特的文本是适合作曲家的需要。人工和冗余像早期的版本,他们提供了一个框架,让莫扎特写不同的pieces-recitatives,阿里亚斯,ensembles-with灵活性,本能地他知道是正确的。

比同时代的任何,莫扎特歌剧管弦乐队的作用增加。在莫扎特的歌剧管弦乐部分高度异形和巧妙地特征,使乐器演奏家参与者的戏剧性的行动。

莫扎特还设置新的标准融合歌剧和交响乐的形式结构。在第二幕结局费加罗,他创建了一个扩展的结构,和交响音乐大规模不同ensembles-solos融合的节奏与和谐的关系,二重唱,大ensembles-into一个连贯的和优雅的。

莫扎特死后下一个重要的歌剧贝多芬的费德里奥(1805)。贝多芬的只有在这种形式工作,费德里奥显示等当代作曲家的影响·pa,创作歌剧的故事费德里奥前一年贝多芬;路易吉Cherubini;和Etienne-Nicolas Mehul。费德里奥更强烈的分数比其他任何由这些男人的一个工作,在其正义战胜邪恶的感人故事,来作为道德的声明,而不仅仅是作为一个歌剧。

这个厚脸皮的精湛技巧的最重要的19世纪的歌剧作曲家。威尔第写几乎所有他的作品的舞台的第一个1839年26歌剧在1893年最后一次。在这个系列中他工作不断完善和重新定义的传统。没有激进,他继承了罗西尼的惯例,缇,Bellini-and Giacomo Meyerbeer-and改写音乐语言,直到成为完全适应自己的需要。威尔第的《漫长的职业生涯可以分为三个部分。Il Trovatore和茶花女(民谣歌手和夫人误入歧途,1853)标志着第一期的结束;阿伊达(1871)是中间的顶峰时期;包括最后时期奥塞(1887)和福斯塔夫(1893)。

不管期间,威尔第歌剧几乎完全基于浪漫主义作家作品的区别,包括席勒、雨果、大仲马年轻。统一这些译本是定义良好的情绪的情况下,强大的人物,和明确的行动。早期威尔第富含飙升的旋律,活泼的节奏,编配总是有效的如果不是抛光。比他的前任,威尔第合唱的引人注目的利用。纳布科(1842)和Trovatore都有合唱段落的特殊权力。越来越威尔第能够描绘非常微妙心理的细微差别,如四方Rigoletto(1851)和维奥莱塔咏叹调演唱的第一幕Traviata。如果威尔第的生产速度有所放缓在第二任期,没有相应的疲软的品质。在这一时期的作品是史诗般的大歌剧唐卡洛斯(1867),这是音乐戏剧性的强大和先进,和西蒙Boccanegra(1857)独奏编织在一起,乐团和合唱团戏剧性的大胆。在阿伊达第二期将以工作大歌剧的特征和细节的和谐,旋律,和编制表明一个更亲密的表达风格。

在他年老的时候威尔第创作两个杰作-奥塞和福斯塔夫。根据威廉莎士比亚的戏剧,这些歌剧的高潮威尔第学到的技能。完美的形式和结构,他们精心设计精心的旋律,和声,编排。这些作品也在某种意义上的终点的许多意大利歌剧的传统始于蒙特威尔第和他的同时代人在17世纪早期。威尔第之后最后的作品,歌剧将失去在20世纪出现的戏剧性的范围和统一完善。

虽然出生在同年威尔第,1813年,理查德·瓦格纳歌剧发展方向不同。同时作曲家影响Meyerbeer开始自己的职业生涯,他大operas-suchLes胡格诺派教徒(1836)和Le Prophete(1849)——眼镜的无与伦比的辉煌。对这些作品的规模和范围,瓦格纳继续他早期创作的歌剧的传统。Rienzifive-act大剧院(1842),是他第一次的成功,和他在第二年,许多人认为这是他的第一个杰作飞翔的荷兰人。以后像所有他的主要作品,这部作品使用歌词成形的作曲家自己从日耳曼人的传奇。在他的下一个歌剧,唐怀瑟(1845)、德国瓦格纳适应另一个故事丰富的知识。其主题影响冲突之间的神圣和profane-evokes作曲家新音乐丰富,故事提供了乐曲的场合外,保持自己的歌剧:清教徒的合唱和Venusberg芭蕾舞音乐。在罗恩(1850)瓦格纳再次设置一个来自中世纪的传奇故事。在这里,然而,神的爱和人性弱点的品质象征的骑士,谁是主角,女仆埃尔莎。与音乐symbolic-the前奏显示圣杯的后裔及其回归天堂块向前看了瓦格纳的音乐戏剧出名。

史诗的循环四个歌剧或四部曲des尼伯龙根指环《尼伯龙根的指环》(一)是一个更加雄心勃勃的音乐剧比任何其他设计。在这项工作瓦格纳想创建一个“总体艺术”,艺术融合元素的总功的音乐,戏剧,诗歌,和编剧才能成一个不可分割的整体。以其巨大的长度、歌手和乐器演奏家庞大的需求,和它的巨大的挑战舞台导演和设计师,这个周期可能更难以产生比任何其他歌剧。组成环是Das莱茵的黄金(莱茵的黄金),死继往(瓦尔基里),齐格弗里德,死诸神的黄昏(诸神的黄昏)。前两个和第三部分是在1857年完成。整个周期完成于1874年,第一个完整的性能环发生在1876年——尤其是在剧院设计生产瓦格纳拜罗伊特的德国小镇。像瓦格纳的其他作品一样,环代表的神话人物。戏剧涉及湍流家族史的种族的神,他们追求一个神奇的金戒指。

作为演员在这史诗般的故事,人物象征性地代表善与恶的不同方面。瓦格纳加剧他们的重要性和影响通过使用主旨。这些旋律和和声的主题是与不同的情况下,情绪和感受,并通过坚持使用他们来表达他们的感觉和情绪characters-even当听到自己在管弦乐平和的时期,他们在哪里改变和美化。在这四个歌剧音乐不是分为recitatives和阿里亚斯,而是写在顺利流动的风格,结合了声音股在一个完整的管弦乐织物。谐波的音乐是非常先进的。尽管经典的色调系统使用之前的200年,它被推到崩溃边缘的自由,无调性系统会更充分发展在20世纪等作曲家阿诺德·勋伯格。

在工作上环,瓦格纳完成另外两个作品,特里斯坦和伊索尔德(1857 - 59)模具工人歌星冯纽伦堡(Mastersingers纽伦堡,1862 - 67)。特里斯坦特点是高度彩色音乐语言和一个几乎一成不变的悲剧感受。工人歌星是一个浪漫喜剧,充满和谐的时刻和彩色的行动。瓦格纳的最后阶段的工作帕西发尔(1882),一个十分动人的复述复活节的圣杯故事,值得注意的是它的庄严,持续的速度和大美人的合唱的段落。

瓦格纳的影响是巨大的。作曲家无法忽略他的作品;但是没有作曲家完全采用了瓦格纳的风格。最多的作曲家纳入自己的元素瓦格纳的作品主旨的使用。

通常有一个反对在瓦格纳的音乐和庄严的故事环。在意大利提供的反应Pietro Mascagni,他的Cavalleria rusticana(1890)设置一个模型简单,容易掌握的独幕剧。歌剧。这类的另一个著名的作品,被称为写实主义,另Leoncavallo的丑角(1892)。更细的作曲家仍然是普契尼的直接和明确的——工作《波希米亚(1896),《蝴蝶夫人》(1904)和图兰朵(1926)赢得了作曲家大批的追随者。

19世纪后期的法国作曲家也有点受瓦格纳的影响。的工作原理是文森特·d 'Indy和塞萨尔弗兰克和古斯塔夫·贝纳的露易丝(1900)显示出主旨的修改使用的迹象。两个最好的法国歌剧的时期,然而,是单数。

乔治·比才的卡门(1875)来自歌剧丑角的传统,在口语对话交替与歌曲。以其生动的人物,感官的音乐和闪闪发光的编配,卡门被许多人认为是也许最好的法国歌剧。然而,其现实主义被认为是可耻的最初表现。德彪西一样的Pelleas et Melisande(1902)是广泛使用的主旨,但明显不如在瓦格纳。相反,德彪西让他们精致的纹理的一部分声音反映了印象派的音乐世界。

理查德•施特劳斯的作品不可能一直没有瓦格纳的探索心理表征的例子。而不是创建扩展音乐戏剧,斯特劳斯开始他的成熟生涯加工两个强大的和令人震惊的歌剧。莎乐美(1905)和厄勒克特拉(1909)利用施特劳斯的技能作为基调的主协调器诗歌和作曲家的歌曲。作品色调推到其局限性,油漆耸人听闻的人物,和治疗的声音伟大的艺术爱好者。这些作品后,施特劳斯等工作的职业生涯变得更加保守决胜赛(1911),死夫人Ohne Schatten(女人没有一个影子,1919)阿拉贝拉(1933)。

的阿诺德勋伯格的三个歌剧,摩西和阿伦开始于1930年,在他死后,留下未完成的是最好的。他的弟子的歌剧奥尔本伯格更成功。伯格的采(1925),虽然高度有组织的,表达了一种自发性的感觉和激情,告诉其可悲的故事以极大的戏剧性的敏感性。

第一个伟大的俄罗斯歌剧适度Musorgski的鲍里斯·戈都诺夫(1874),一系列丰富的场景描绘中世纪的俄罗斯。其他大斯拉夫歌剧柴可夫斯基,他的尤金·奥涅金(1879)音乐奖励和心理上都是精明的。

俄罗斯伊戈尔斯特拉文斯基与勋伯格,他是20世纪早期音乐的支柱之一,写了两室歌剧在一开始他的职业生涯。勒勒纳尔(狐狸,1917)L国立du)(1918)显示法国和新古典主义的影响。他最实质性的歌剧,耙的进展(1951),也在新古典主义静脉与许多18世纪的音乐形式和典故引用其他作曲家莫扎特和。

两个核心欧洲作曲家也导致了20世纪的剧目。匈牙利比拉克显示了瓦格纳的影响蓝胡子公爵的城堡(1911),但丰富的工作更令人信服的表现主义的管弦乐和直言不讳的写作。捷克LeošJanaček写歌剧-那次(1904),狡猾的小泼妇(1924)和《死亡之屋》从摩拉维亚的民歌手(1928)——结合的影响;音乐的同胞如安东尼Dvořak和Bedřich斯麦塔纳;从大自然的声音。这个混合物是绚烂地策划和随节奏敏锐。

在说英语的作曲家都获得了成功本杰明·布里顿,他的歌剧进入国际剧目。布里顿的许多最好的作品彼得·格里姆斯(1945),比利·巴德(1951)和威尼斯之死(1973)——设置在海边,提醒的景观和人民奥尔德堡的渔镇,苏塞克斯,这是他的家。除了歌剧为传统歌剧舞台,布里顿也由商会operas-such的螺丝(1954);儿童歌剧-小扫(1940)和Noye的Fludde(1958);和电视——歌剧欧文Wingrave(1971)。比其他任何作曲家二战后,他丰富了世界歌剧公司提供的剧目。

另一个英国歌剧作曲家是迈克尔•蒂的作品以其旋律的生命力和欣赏文学智慧。反对品质的和解是蒂的作品中一个永恒的主题,和引用早期的杰作是常见的。在仲夏的婚姻(1955)他的第一次重大的歌剧,这是根据莫扎特的松散的魔笛他处理精神和情感上的增长和人性的黑暗和轻。在结花园(1970),这是莫扎特的建模Cosi风扇tutte,他对待婚姻危机的拯救了新的情感承诺。在的Ice-Break(1977)他的范围扩大和解主题,处理许多东方和西方之间的差异的社会,年轻人和老年人,过去和现在。

在德国最重要的当代歌剧作曲家是汉斯维尔纳Henze。在一系列的主要作品,Henze已经令人信服地处理个人的各个方面与现代社会冲突。在大道孤独(1952)他提出了一个版本的侬·马斯奈和普契尼的作品故事组,负责一个女人被撕裂,并最终死去,因为她的爱,两个人。鹿的国王(1956)重塑一个寓言的18世纪的意大利作家卡洛Gozzi描绘了形形色色的需求由一个社会在其领袖。年轻恋人的挽歌(1961)关注诗人利用周围的人,摧毁他们如果有必要为他的艺术。

第一个重要的美国歌剧作曲家维吉尔汤姆森。堪萨斯城,密苏里州,汤姆森研究在巴黎著名的老师和作曲家Nadia面包师。在他的指导下他成为熟悉作曲家埃里克萨蒂和作家格特鲁德·斯泰因,和这两个艺术家的影响他的工作。汤姆森的歌剧音乐分享简单和贫乏与萨蒂的作品。法国人喜欢音乐,汤姆森的分数显著的温柔和低调的幽默和他们的简单而有效的旋律。他的两个歌剧-四圣人三幕(1934)和我们所有人的母亲由斯坦(1947)——设置为文本,添加到这些作品一种罕见的文学的维度。

汤姆森的歌剧一样受到美国音乐是由法国,乔治。格什温的“乞丐与荡妇”(1935)被认为是美国最重要的歌剧。爵士乐和“严肃”的个人主义的混合音乐,歌剧相似斯科特·乔普林的Treemonisha(1915)在其流行和传统音乐的融合。然而,格什温的歌剧有更广泛更丰富的音乐戏剧范围和分数。值得注意的是它的旋律活力,其独特的编排,及其强大的戏剧性的特征。虽然有些不愿意考虑“乞丐与荡妇”真正的歌剧,相信它的音乐和故事都太受欢迎,所以值得尊敬的一种艺术形式,其他人找到工作的一个美国音乐剧的辉煌。

最多产的美国歌剧作曲家吉安卡洛Menotti,他发现一个成功的混合的夸张的音乐风格受到普契尼和戏剧风格常常依靠耸人听闻和鲜明的效果。媒介(1946)和电话(1947)经常一起表演,展示两个互补的Menotti,高度紧张的创造者戏剧和恶搞。就像媒介,领事(1950)是一个丰富的引人注目的工作,尽管他的音乐一直认为意大利式的写实主义的学校。Amahl和游客(1951),圣诞感人的寓言,最初是由电视。纽约布利克街的圣(1954)像领事在其生动的夸张,但也发现了希望在音乐素质。Menotti后来的等等最后一个野蛮人(1963)戈雅(1986)并没有找到流行或关键验收赢了他的早期作品。

比最温和的风格和物质成功和令人震惊的作品Menotti卡莱尔弗洛伊德苏珊娜(1955)和道格拉斯·摩尔的民间歌剧婴儿能源部的民谣(1956)。保守的在他们的音乐风格和传统的场景中,这些作品欣赏当代歌剧良好教育学术方法。

科曼地毯,约瑟夫。歌剧作为戏剧(年份,1956)。Kobbe古斯塔夫,启伍德伯爵。新Kobbe完成歌剧的书(普特南,1976年)。现代,伊桑。歌剧在二十世纪(牛津,1978)。罗森塔尔,哈罗德,Warrack,约翰。简明牛津百科全书的歌剧(牛津,1979)。史密斯,帕特里克。第十个缪斯(克诺夫出版社,1970)。