2幅维米尔的画，1幅克拉斯纳的画，以及华盛顿特区必须提供的其他11幅画

文森特·德西德里奥(Vincent Desiderio)是少有的艺术家之一，对他来说，艺术创作的智力方面就像绘画本身的正式行为一样艰巨、不妥协、要求精神上的要求。与其他活跃在21世纪之交的极具文化素养和天赋的美国概念主义者一样，德西德里奥涉足了广泛的主题，从深刻的个人到诗意和叙事。在他最令人钦佩的技能中，他有能力和意愿与同事、评论家和学生辩论历史和思想的虚幻作用，因为它们适用于艺术创作的挑战。考虑到这一点，就不足为奇了想像中的乐土已经引起了这样的兴趣和评论。在这幅赫希霍恩博物馆展出的画作中，德西德里奥在抽象与概念传统的交汇处为自己开辟了一个位置。通过明确的名义引用老布鲁的Cockaigne的土地，德西德里奥承认自己继承了一部分艺术遗产。更重要的是，他引用了勃鲁盖尔的视角，即在主体的上方和后面观看一段距离的场景。想像中的乐土相当于视觉、教学和历史上的书籍、颜色、形状和食物的马赛克，所有这些都随机地冻结在时间里。的确，Desiderio通过这幅作品有效地提供了一个标志性的时间旅行的快照——通过西方视觉艺术的参考材料的历史——这是如此的不朽和压倒性，以至于提出了一个痛苦的问题:绘画是否意味着有任何记忆。(兰迪·勒纳)

沙漠中的圣约翰是佛罗伦萨圣露西亚教堂祭坛画的一部分。这是意大利文艺复兴早期主要艺术家之一的杰作，多梅尼科对偶．这里是处于十字路口的艺术，混合了中世纪和新兴的文艺复兴风格，以及对光线、色彩和空间的新欣赏。威尼齐亚诺这个名字表明多梅尼科来自威尼斯，但他大部分时间都在佛罗伦萨度过，是15世纪佛罗伦萨画派的创始人之一。约翰把他平常的衣服换成了一件粗糙的驼毛大衣——把世俗的生活换成了苦行僧的生活。多梅尼科没有将约翰描绘成一个年长的、蓄着胡须的隐士，而是按照古代雕塑的模型塑造了一个年轻人。古典艺术对文艺复兴产生了重大影响，这是最早的例子之一。景观的强大，非现实的形状象征着约翰选择追求他虔诚的道路的恶劣环境，并回忆起哥特式中世纪艺术的场景;事实上，这位艺术家最初接受的是哥特式风格的训练，很可能还学习过北欧艺术家的作品。这幅画的另一个非凡之处在于它清晰、开放的精致和对大气光效的关注。空间被精心组织，但多梅尼科在很大程度上使用了他革命性的明亮、新鲜的颜色(部分是通过在蛋彩画中添加额外的油来实现的)来显示视角，而不是构图的线条。 In this he was a pioneer.沙漠中的圣约翰是国家美术馆的藏品。(安凯)

这个完美的平衡和抛光的组成其充满活力的表面的洗涤告诉艺术家完全放松与他的主题。吉尔伯特斯图亚特主要是头部和肩部的画家;他的长溜冰鞋是少有的。这幅由斯图尔特为他的朋友威廉·格兰特创作的引人注目的画作创作于爱丁堡，目前被国家美术馆收藏，将冷色和完美无瑕的肖像画结合在一起。与他的许多画作一样，斯图尔特从一团黑色的物体开始创作，在这种情况下，冰为滑冰者提供了坚实的基础。这个人物站在冰面上，戴着倾斜的帽子，抱着双臂，穿着深色的衣服，与背景的白色和灰色形成了鲜明的对比，他的脸几乎是兴高采烈的。

从14岁开始，斯图尔特就开始在殖民地美国作画。1776年，美国独立战争期间，他在伦敦寻求庇护。他在那里学习本杰明西她是美国早期殖民历史的视觉记录者。正是韦斯特恰当地描述了斯图尔特“把一张脸钉在画布上”的技能。斯图尔特捕捉人物本质的能力被伦敦的同行们视为仅次于Joshua Reynolds他比同时代的美国人(除了波士顿人)都要出色得多约翰·辛格尔顿·科普利．但斯图亚特的财务状况不属于他forté，他被迫在1787年逃往爱尔兰以逃避债主。在18世纪90年代回到美国后，斯图尔特迅速确立了自己作为美国主要肖像画家的地位，尤其是他为五位美国总统画的画。(詹姆斯·哈里森)

乔尔乔内鉴于他的多产期仅持续了15年，他获得了巨大的尊重和影响力。人们对他所知甚少，尽管人们相信他很熟悉莱昂纳多·达·芬奇的艺术。他开始在的车间接受训练乔凡尼贝里尼在威尼斯，他后来都宣称是他的Sebastiano del Piombo而且提香作为他的学生。Giorgio Vasari他写道，提香是乔尔乔式风格的最佳模仿者，这种联系使得他们的风格难以区分。乔尔乔涅在他30岁出头的时候死于瘟疫，他死后的名声很快就传开了——曼图亚的伊莎贝拉·德·埃斯特(isabella d’este)无法获得这位已故大师的一幅画。《牧羊人的崇拜，也称为Allendale诞生(来自19世纪一位英国主人的名字)，是最精美的文艺复兴盛期诞辰渲染图之一。它也被广泛认为是世界上最可靠的乔尔乔内作品之一。然而，有一种说法是，天使的头像是被一只不知名的手涂掉的。天空的威尼斯金色调性和广阔而包围的田园氛围使这幅《耶稣诞生》与众不同，这幅画被国家美术馆收藏。神圣的家庭在一个黑暗的洞穴口接待牧羊人;他们在光中被看见，因为圣婴基督把光带进了世界。基督的母亲玛丽穿着金碧辉煌的蓝红相间的衣服:蓝色象征着神圣，红色象征着她自己的人性。(Steven Pulimood)

在她遇到杰克逊·波洛克之前李Krasner是一位比他更有名的艺术家。这位出生于布鲁克林的艺术家自1942年与波洛克相遇以来就一直在合作。当她遇到波洛克时，作为一名画家，她变得不那么多产了，但实验性却没有减弱，她把立体主义的界限推向了抽象表现主义。他们于1945年结婚。波洛克对神话、仪式和荣格理论的影响和兴趣促使她摆脱了形象的束缚。反过来，克拉斯纳为波洛克狂野的“动作”画提供了结构和艺术史基础。她经常在自己的画中加入他的旧画布。克拉斯纳是他的同龄人，在很多方面，还是他的老师。她画的这幅花卉静物画在她被介绍到立体主义的作品之后，比如毕加索，琼米罗,亨利·马蒂斯．克拉斯纳使用起伏、密集的油漆纹理来创建她大胆的形状，为重度抽象的图像建立了引人注目的触觉组件。花朵和花瓶被简化为圆形、梯形、三角形和其他由厚重的黑色轮廓勾勒出的几何形状。克拉斯纳的弧线签名(用双音签名年代(后来她放弃了这个项目)在原本井然有序的形式中加入了一组对比鲜明的曲线。克拉斯纳与波洛克的关系一直主导着对她作品的讨论，但作为纽约画派为数不多的女性成员之一，她对一场深刻改变绘画的运动做出了重要贡献。成分,1943收藏于史密森尼美国艺术博物馆。(安娜·菲内尔·霍尼格曼)

他是众多书籍、纪录片和一部好莱坞电影的主题，美国艺术家杰克逊·波洛克是20世纪的文化标志。1929年在艺术学生联盟学习，师从地方主义画家托马斯·哈特·本顿在美国，他受到墨西哥社会现实主义壁画家作品的影响。他曾在David Alfaro Siqueiros他在纽约的实验工作室开始用珐琅作画。后来，他在作品中使用了商用珐琅房屋涂料，声称这让他的作品更具流动性。1945年，他与比他更杰出的艺术家李·克拉斯纳结婚。到了20世纪40年代末，波洛克发展出了“水滴和水花”的方法，一些评论家认为这种方法受到了超现实主义的自动主义的影响。波洛克放弃画笔和画架，在铺在地板上的画布上作画，用棍子、刀和其他工具从画布的各个方面投掷、滴下或操纵颜料，同时建立一层又一层的颜色。有时他会引入其他材料，如沙子和玻璃，来创造不同的纹理。1号，1950年(薰衣草雾)(在国家美术馆展出)巩固了波洛克作为开创性艺术家的声誉。它混合了长长的黑白笔触和弧线、短而尖锐的水滴、飞溅的线条和厚厚的珐琅漆斑点，它成功地将物理动作与柔软透气的感觉结合起来。波洛克的朋友，艺术评论家克莱门特格林伯格建议标题淡紫色的雾为了反映这幅画的大气基调，即使在作品中没有使用薰衣草:它主要由白色、蓝色、黄色、灰色、琥珀色、玫瑰红和黑色颜料组成。(阿鲁娜Vasudevan)

一个女人纤细的手指轻轻握着，一种微妙的平衡形成了这幅画的中心焦点。女人身后挂着一幅基督最后审判的画。在这里,维梅尔用象征手法通过一个平凡的场景来讲述一个崇高的故事。这幅画用精心设计的构图来表达维米尔的主要关注点之一——寻找生活的潜在平衡。这幅画的中心消失点出现在女人的指尖。她面前的桌子上放着人间的珍宝——珍珠和一条金链子。在她身后，基督对人类进行审判。墙上有一面镜子，这是虚荣或世俗的常见象征，而柔和的光线划过画面，听起来是一种精神上的音符。安详的圣母玛利亚站在中间，冷静地权衡着短暂的世俗关注和精神上的关注。保持平衡的女人是国家美术馆藏品的一部分。(安凯)

这幅画(在国家美术馆)属于时期维梅尔创作了他闻名遐迩的宁静的室内场景。对于这么小的一幅画，这有很大的视觉冲击。维米尔的戴珍珠耳环的女孩照片中，一个张开性感双唇的女孩回头看着观众，她的脸和耳环上的高光闪闪发光。然而，在这里，女孩显得更大，被放在画面的前景，更直接地面对我们。她那奢华的红帽子和华丽的蓝色包裹对维米尔来说是浮夸的。在对比充满活力的颜色与一个柔和的，有图案的背景，他增加了女孩的突出，并创造了一个强有力的戏剧性。维米尔运用了艰苦的技术——不透明的图层，薄釉，湿中湿混合，以及颜色点——这有助于解释为什么他的产量低，以及为什么学者和公众都觉得他无限迷人。(安凯)

雷内·马格利特出生在比利时的莱辛斯。从布鲁塞尔美术学院毕业后，他在一家墙纸工厂工作，直到1926年都是一名海报和广告设计师。马格利特在20世纪20年代末定居巴黎;在那里，他遇到了超现实主义运动的成员，很快他就成为了这个团体中最重要的艺术家之一。几年后，他回到布鲁塞尔，开了一家广告公司。马格里特的名声是在1936年，他在纽约的第一次展览之后获得的。La Condition humanaine这幅画是马格利特在同一主题上画的许多版本之一。这幅画是他在20世纪30年代在巴黎创作的作品的象征，当时他还沉浸在超现实主义的魅力中。在这里，马格利特执行了一种视错觉。他描绘了一幅真实的风景画，展示在一扇敞开的窗户前。他使画上的形象与户外“真实”的风景完美匹配。在这样做的过程中，马格利特在一个独特的图像中提出了自然和它通过艺术手段的表现之间的联系。这幅作品也证明了艺术家随心所欲地再现自然的能力，并证明了外在与内在、客观与主观、现实与想象之间的界限是多么模糊和难以捉摸。La Condition humanaine是国家美术馆的藏品。(Steven Pulimood)

在这幅画像，托马斯·庚斯博罗捕捉了引人注目的肖像，同时也创造了一种忧郁的气氛。这种对情绪的强调在当时的肖像画中是罕见的，但它成为了18世纪浪漫主义者的一个重要关注点。庚斯博罗在伊丽莎白·林利还是个孩子的时候就认识她了，当他住在巴斯时，他就把她和她的妹妹一起画了下来。林利姐妹, 1772)。他是这家人的好朋友，很大程度上是因为他们和他一样热爱音乐。事实上，林莉是一位才华横溢的女高音歌唱家，曾在著名的三合唱节上担任独唱者。然而，她被迫放弃了她的歌唱事业，在与理查德·布林斯利·谢里丹，当时是一个身无分文的演员。谢里丹继续取得了相当大的成功，无论是作为一个剧作家还是作为一个政治家，但他的私生活在这个过程中受到了影响。他欠下巨额赌债，一再对妻子不忠。这无疑解释了她在这幅国家美术馆展出的画作中渴望和有些孤独的样子。庚斯博罗最大的优点之一是他能够将一幅画中的各种元素协调成一个令人满意的整体。在太多的肖像画中，主角就像一张以风景为背景的纸板。在这幅画中，艺术家对华丽的田园布景和他迷人的模特给予了同样多的关注，他确保微风使树枝弯曲摇摆，也搅动了伊丽莎白脖子上的纱布，把她的头发吹得乱七八糟。(Iain Zaczek)

这幅画的背景是法国政府最近建造的众多铁路桥之一，这些铁路桥被认为是现代的象征。这些新的线条让这里描绘的人皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿离开巴黎去享受乡村风光在法国沙图俯瞰塞纳河的阳台上，一群雷诺阿的朋友站在一个宽阔的遮阳篷下，构成了一幅复杂的构图。这些人物代表了巴黎多样化的社会结构，从富有的、穿着讲究的资产阶级到年轻的女裁缝Aline Charigot，在前景的左边，雷诺阿将于1890年与她结婚。在划船派对的午餐，雷诺阿似乎创造了一个典型的印象派场景，捕捉了一个阳光明媚的下午，他的朋友们和他一起在河边的瞬间。事实上，作为印象派运动的创始成员之一，雷诺阿在他的工作室里为每个人物分别或以较小的小组绘制肖像。在这样做的过程中，他开始与同时代的人渐行渐远。事实上，在完成这幅画后不久，雷诺阿开始使用更传统的绘画方法。这种方式划船派对的午餐然而，这幅画仍然是印象派的。雷诺阿使用明亮和温暖的颜色，捕捉到天篷漫射光线的效果。他建议通过松散的笔触来表现人物的运动，同时在桌子上的静物画上使用较厚的颜料。这幅画在菲利普斯收藏馆。(威廉·戴维斯)

20世纪50年代的美国消费文化激发了波普艺术家们以一种明亮、充满活力的风格来表现商业产品和日常生活的广告图像。在他职业生涯的早期，詹姆斯Rosenquist他曾在纽约时代广场的商业广告牌上作画，但从1960年开始创作大型工作室画作。通过对富裕、大规模生产和销售的性化的聪明而颠覆性的评论，艺术家将现代与自然的离婚表现为一种相当乐观的事情。比政治更亲密的是，摩擦消失重叠了典型的、日常的、安全的、干净的郊区生活的产品片段。罗森奎斯特将两种代表着现代生活的轻松和消费社会标志的产品放在一起:预制、精制食品和汽车。左上方厚实光滑的面条与右边的鲜红色罐装意大利面酱毫不费力地搭配在一起。终极休闲产品，汽车，增加了环状面条的结构。摩擦等于原子能——在这幅画中，一个原子地球仪似乎正在过度的文化生产中消失。最重要的是，一种光鲜舒适的商业精致生活提供了一种没有摩擦的生活。罗森奎斯特以其对比例、颜色和形状重复的熟练操作而闻名，以重新创造购买新事物的冲动和魅力。凭借极端的现实主义和巨大的尺寸，罗森奎斯特的艺术将消费品变成了抽象，进入并扩展了同样改变现代经济的流行心态。摩擦消失收藏于史密森尼美国艺术博物馆。(莎拉·怀特·威尔逊)

出生在亚利桑那州的梅萨，父母是摩门教徒，韦恩Thiebaud她的职业生涯丰富多彩，二战期间在美国空军服役期间，曾在华特迪士尼工作室担任动画师，并为一部常规漫画插图画家。Thiebaud是定义当代美国现实主义的关键人物，他面无表情地描绘了日常美国生活，如三明治、口香糖机、玩具和自助餐厅的食物。他用简单的几何形状和扎实的光线构成这些静物，经常暗示着摄影写实主义。Thiebaud的半抽象风格带有明显的怀旧意味，为美国中产阶级生活中被遗忘的乐趣描绘了一幅倒退的广告。里面的颜色和形状头奖的机——大胆的红色，诚实的蓝色，甚至星星——把美国国旗制造成一种新奇的产品。光滑的设计和金属色牢固地传达了美国消费文化中许多工厂生产的乐趣。矩形和椭圆形的变化由强调的颜料和明确的阴影构成，头奖的机用一个玩具甜美易懂的形象描绘了致富机会的美国梦。这种消费过剩的主题将蒂亚波的大部分作品与波普艺术联系起来，但他的作品通常缺乏波普艺术的道德评判。相反，蒂鲍德回忆起童年的天真和新奇，在那里，商业消费形成了美国梦的记忆和欲望。头奖的机是史密森尼美国艺术博物馆藏品的一部分。(莎拉·怀特·威尔逊)

威尔·巴尼特受到版画的极简主义品质的影响，这在他标志性的具象抽象风格的图形质量中显而易见。在睡着的孩子，他创作了一幅温柔的平面图像，他的小女儿欧娜(Ona)睡在妻子埃琳娜(Elena)的腿上，没有透视。线条的简洁，形式的平直，色彩的最少使用以及设计的和谐是驱动力。其结果是具象和抽象的视觉和智力悖论。乍一看，人们看到的是母亲和孩子之间的安静时刻。仔细观察，你会发现这不是说明性的现实主义，而是对画布上故意放置的平面极简主义形状所创造的人物的纯粹抽象。画布也不是静止的，但它充满了能量，因为垂直和水平形式的并置创造了如此强烈的张力，以至于母亲和孩子似乎都挣脱了画布。睡着的孩子收藏于史密森尼美国艺术博物馆。(4月桑德拉)