25幅名画，下次去佛罗伦萨一定要看

马克斯·利伯曼他出生在柏林一个富裕的犹太家庭，当时犹太人受到压迫。1871年，德国修改了法律，犹太人获得了和其他德国公民一样的权利。他的现实主义画作描绘了工人的真实面貌——没有理想化或诋毁——被视为颠覆性的。在德国议会，利伯曼的十二岁的耶稣在圣殿里(1879)被谴责为亵渎神明，因为他的耶稣被说成“太犹太人的样子”。在自画像(在乌菲兹美术馆)，利伯曼表现出自信、坚定的形象。调色板、画架和布料的背景是印象派的，但他自己的形象是用一种更现实的风格画的——他是主要的焦点，观众不能被任何东西分心。利伯曼死后，希特勒政权将他的作品从德国美术馆中移除。(露辛达Hawksley)

作为佛罗伦萨学派的一员，Andrea del Castagno被委托画著名男人和女人的循环1449年6月，别墅主人菲利波·卡杜奇去世。的周期(现藏于乌菲兹美术馆)由九幅肖像画组成，分别放置在壁龛内，壁龛被涂成巨大的大理石凹槽，由壁柱隔开。它的特征是三个佛罗伦萨的军事指挥官(Farinata degli Uberti, Pippo Spano，和Niccolò Acciaiuoli)，三个著名的女人(库玛ean Sibyl，女王Esther和女王Tomyris)，和三个托斯卡纳诗人(但丁Alighieri，弗朗西斯科彼特拉克和乔瓦尼薄伽丘)。天花板和墙壁的精致建筑装饰强调了人物的纪念性。这些严峻的数字，是根据马萨乔而且乔托，给观众一个文艺复兴时期男人令人向往的品质的崇高代表:体力，道德美德，和敏锐的智力。这九个人似乎都在看着对方，并向对方做手势。薄伽丘他是意大利诗人和学者，最为人所知的是他的作品《十日谈》这是最后的形象，是一尊彩色的、披着褶皱的栩栩如生的雕像，沿着墙壁摆放，供观众观赏。他拿着一本皮面书，看着彼特拉克，强调这两个人都将本土文学提升到了古代经典的水平，是文艺复兴时期值得效仿的标志性典范。(安娜Amari-Parker)

阿多尼斯之死是由Sebastiano del Piombo在他职业生涯的早期，当时他还在威尼斯艺术学院工作。他受老师的影响乔尔乔内他是威尼斯文艺复兴时期绘画大师。这幅画讲述的是一个美丽的青年阿多尼斯的古典神话，他在死前抓住了维纳斯的心，但后来又复活了。当维纳斯被告知他的死讯时，侍女们恳求潘在这个悲伤的时刻停止吹笛子。前景中理想化的裸体映衬着宁静的风景，这与乔尔乔内的作品相呼应，威尼斯人对丰富的色彩和光线的典型感觉也是如此。Del Piombo的调色板非常和谐，但已经有了他后来采用的更柔和的颜色的暗示。这幅画作是乌菲兹博物馆的藏品之一，从人体皮肤的光泽到湖中柔和的倒影，都有一种可爱而温柔的光线相互作用。然而，这幅画不仅仅是乔尔乔内的影响。德尔·皮昂博的偏离中心的人物分组、转头和手指的动作比文艺复兴早期的作品要多得多。他的技术技巧是这样的，每一幅裸体形成一个奇妙的生活研究。这些裸体有一种雕塑般的纪念性，这是德尔·皮昂博从文艺复兴时期对雕塑的兴趣中发展出来的。 He took this much further in the second half of his career, when he had settled in Rome. (Ann Kay)

受到文艺复兴盛期意大利大师的启发，提香被认为是16世纪威尼斯艺术圈里的大师。他也被认为是第一位赢得国际声誉的威尼斯画家。他画过匿名的“交际花”肖像，也画过祭坛画和神话画。作为一名多产的肖像画家，他为教皇和总督等著名人物创作了讨人喜欢但又容易辨认的人像，然而，尽管他的委托范围很广，乌尔比诺的维纳斯(在乌菲齐美术馆)可以说是他的杰作。在他1880年的旅行日记中，国外流浪汉美国作家马克·吐温形容这幅画是“世界上最肮脏、最卑鄙、最淫秽的画”。背景中穿着衣服的女性形象和在维纳斯脚边睡觉的小狗等寓意的手法，让人们对这幅画进行了彻底的肖像解读，但也许吐温的拘谨反应更接近提香的真实意图。模特直接表达的那种不自觉的欲望可能会冒犯马克·吐温，但她那可爱的、充满情欲的凝视也吸引了无数观众。提香令人惊叹的才华和他对女性性欲的大胆描绘是为什么这幅画经常被认为是许多西方艺术最具争议的图像的祖母，包括爱德华。马奈的奥林匹亚被认为是女性性感的典范，也是海报的先驱。(安娜·菲内尔·霍尼格曼)

尼日尔Dossi他是文艺复兴盛期风格的古怪支持者，被称为矫饰主义，以其复杂、幻想的主题和神秘的象征主义而不是自然主义而闻名，现代思想往往无法理解。1514年，深受乔尔乔内而且提香之后，他成为费拉拉阿方索·埃斯特公爵(Duke Alfonso d’este)的宫廷艺术家。一个文艺复兴时期的文化和优雅中心，被宫廷使用乔凡尼贝里尼和提香。在这个丰富的环境中，多索描绘了复杂的神话和文学作品，以吸引宫廷学者。巫术，或者赫拉克勒斯的寓言(在乌菲齐)是这种密集象征主义的一个奇怪的例子;它的含义有很多争议。一些人认为这部作品是对阿方索的儿子埃尔科尔的寓言，通过他的同名赫拉克勒斯。它还可能警告人们警惕宫廷生活的诱惑，这是埃斯特宫廷所接受的一点幽默。一位年迈的赫拉克勒斯愁眉苦脸地盯着两个石球，没有理会他那些取笑他的同伴。一个面带微笑的年轻男子举着一根提线杆，象征着赫拉克勒斯对翁法莱女王的女性臣服，而灯光则落在一个赤裸着胸膛、结出果实的女人身上。桌上的手鼓和面具暗示着世俗的爱情和轻浮的消遣。作为一个活泼的调色师，多索熟练地渲染了肉体和肌肉。虽然男性的脸不够夸张，但女性的脸是纯粹的古典。由于经常去罗马和威尼斯，多索学会了效仿米开朗基罗，拉斐尔,柯勒乔尽管如此，他还是创作了他那个时代最具原创性(或许有些神秘)的作品。(苏珊弗洛克哈特)

Annibale Carracci，他的兄弟阿戈斯蒂诺•，和他们的堂兄卢多维科组成了16世纪最重要的艺术家族之一。这三位艺术家在1580年代开设了自己的学院，他们非常重视基本的绘画技巧，将其作为绘画的基础，并以一种将威尼斯画派的感性调色板与佛罗伦萨画派的线性品质相结合的方式工作。华丽的爱情女神在维纳斯，萨提尔和丘比特(在乌菲兹美术馆)展示了卡拉奇的精致细节和艺术家在生活绘画方面的特殊技能。正是他对实际人物的把握，以及他对肉的褶皱和骨骼结构的理解，使得这幅构图，乃至他的整个绘画，如此令人信服。他对丰富色彩的运用和对不同质感的关注，在维纳斯紧紧盘绕的头发的光泽中可见，坐垫的天鹅绒，丝绸布料的光滑褶皱，以及她皮肤的温暖腮红，使这幅画立即吸引人。这是一部渗透感官的作品，它既含蓄又撩人。卡拉奇的作品对后来的艺术家来说尤其重要，他可以被认为是开创了许多不同艺术潮流的人。例如，他被认为是最早使用漫画的艺术家之一，这可以在他早期的风俗画中看到，他的壁画中的不朽和英雄人物被广泛复制，成为这种类型的人物描绘的标准。(塔Pickeral)

Jean-Baptiste-Simeon夏丹在当代批评文学中，他常被称为“好夏丹”(The Good Chardin)，出生于巴黎，父亲是一位木工大师。他一生都居住在家乡巴黎，作为一名画家，他处于不利地位，因为其他艺术家喜欢引人注目的历史画和时尚人物的时尚肖像，而他的才华在于被忽视和低估的题材，如静物和流派场景。夏丹的技法——他把颜料当做粉彩来使用——以及形式上的关注(构图、颜色、纹理)在他的作品中最为引人注目带球拍和毽子的女孩(在乌菲兹美术馆)，一个小女孩心不在焉地玩着羽毛球拍和羽毛羽毛球。这幅画没有明显的戏剧性;事实上，她自己似乎也很无聊，好像在等待她的伴侣准备好开始玩游戏，然而柔和的色调和表面的相互作用令人着迷。她脸颊上的红润，她衣服上的天鹅绒织物和飘逸的裙子，都与她周围的空间、她的球拍和椅子的木头完美地和谐，但又完全不同。当时更注重政治和严谨的新古典主义艺术家们认为夏尔丹是一个毛毛不拔的感情善感的人，但是，他并没有因为卑微的兴趣爱好而妨碍他的才华，而是将平庸的物体和日常场景提升到了一个高度，以至于后世的知识分子伟人，如马塞尔·普鲁斯特和亨利·马蒂斯都自豪地承认他们欣赏他的艺术。大多数观众仍然被他光滑的表面和他对世俗物体令人惊叹的感官渲染所震撼。(安娜·菲内尔·霍尼格曼)

当归考夫曼享有比18世纪女性艺术家更高的地位。她出生在瑞士，但在意大利生活过，精通古典和文艺复兴时期的艺术和建筑。女性艺术家仅限于静物画和肖像画，但考夫曼拒绝被限制在这些领域。她对神话和历史中的女性感兴趣，如海伦、维纳斯和克利奥帕特拉。她的历史画在当时受到了批评，从那时起就一直受到批评，因为它们无视新古典主义的英雄主义。考夫曼制作了许多自画像来吸引潜在赞助人的注意。在乌菲齐美术馆的这幅肖像画中，她的目光远离了观众，松散的头发上系着一条绿色的丝带。白色长袍让人联想到罗马服装，但在新古典主义风格中，长袍在腰部以上用腰带系住。她坐在柱子之间，可以看到山上的景色，手里拿着她的工作工具。(Wendy Osgerby)

在他的祖国，卡尔·拉尔森是一个全国性的人物，他从小贫穷潦倒，后来成为瑞典著名的艺术家。他的巨大成功依赖于描绘他与妻子卡琳(Karin)和孩子们共享的理想化家庭生活的画作。这对夫妇在桑德伯恩村的农场设计了一所房子，将瑞典民间魅力与艺术精致结合起来。这些照片的印刷版，以及拉尔森欢快的故事，被广泛传播。他们喜欢他们眼中瑞典传统乡村生活的回归。自我反省然而，这暗示着田园牧歌并不完美。拉尔森紧贴着照片的正面，带着一种平静而严肃的表情，在仔细地自省。他用压抑的力量抓住一个可怕的洋娃娃。卡琳在背景中，被关在窗户后面，她的脸被遮住了一部分。这两个人，显然是最相爱的夫妻，却似乎在各自的世界里彼此隔绝。没有人知道卡琳是否对放弃她早期的画家职业而成为妻子和母亲感到怨恨——尽管她是一个非常有创造力的人。然而，可以肯定的是，拉尔森有时会觉得自己被妻子困住了，反复地画她创作的室内作品，以及公众对他会继续做同样事情的期望。无论这幅画(乌菲齐美术馆收藏的一部分)背后隐藏着什么，拉尔森认为这是他最成功的自画像。这幅画展示了他作为绘图员和画家的才华，但这一点常常被那些认为他的画只是维多利亚时代多愁善感艺术的又一个例子的人所忽视。(安凯)

美第奇家族在罗马的代理人，红衣主教弗朗西斯科·玛丽亚·德尔蒙特委托它作为仪式盾牌，美杜莎的头于1601年被赠送给托斯卡纳大公费迪南德·德·美第奇。就其主题而言，卡拉瓦乔取材于希腊神话中的美杜莎，一个头发是蛇的女人，只要看一眼就能把人变成石头。根据故事，她是被珀尔修斯杀死的，珀尔修斯用镜面盾牌避免了直接的目光接触。美杜莎死后，她被砍下的头颅仍然让看过它的人目瞪口呆。卡拉瓦乔玩弄了这一概念，他把自己塑造成美杜莎的脸——他是唯一一个在美杜莎致命目光下安全的人——并且不得不看着自己的倒影，以美杜莎被杀前瞬间捕捉到自己图像的方式来画盾牌。虽然卡拉瓦乔描绘了美杜莎被砍下的头颅，但她仍然清醒。他通过美杜莎强烈的表达，强化了这种生与死的结合。她张大的嘴巴发出一声无声但戏剧性的尖叫，她震惊的眼睛和紧锁的眉头都暗示着一种难以置信的感觉，好像她认为自己是不可战胜的，直到那一刻。但卡拉瓦乔的美杜莎并没有完全吓到观众，因为她没有看着我们，从而把凝视的力量转移给了观众，强调了她的死亡。卡拉瓦乔在这幅作品中展示了巨大的技术成就(这幅作品在乌菲兹美术馆展出)，他使凸面看起来是凹的，美杜莎的头看起来是向外突出的。(威廉·戴维斯)

1472年为我们提供了列奥纳多“艺术家”的第一个记录，当时他加入了佛罗伦萨杰出的画家联盟，加入了桑德罗·波提切利、多梅尼科·吉兰达约和佩鲁吉诺等艺术家的行列。这是毫无疑问的莱昂纳多·达·芬奇的学徒生涯Andrea del Verrocchio作为一名会员，也会为社会提供一个entrée。在这一时期的某个时刻，达·芬奇必须凭借自己的能力创作出一幅名副其实的杰作。他雄心勃勃的第一次尝试是的通告．考虑到这幅画不同的野心——从沉思的风景到密集的窗帘研究——人们不能指责这位早熟的艺术家的努力。1867年，这幅画从托斯卡纳乡村的圣巴托洛梅奥蒙奥利维托修道院搬到了乌菲齐美术馆。年轻达芬奇的这幅忧郁的画板无疑使他，至少在主题的传统布局中，与他的佛罗伦萨绘画传统直接相连。圣母雕像纤细的手指惹恼了一些评论家，他们认为这一特征直接来自韦罗基奥的圈子。还有人抱怨说，成熟的达芬奇缺乏强烈的情感。当天使打断她时，圣母的右手确保了她在圣经中的位置。我们甚至可以把这个创造性的手势看作是达芬奇使用手的位置的第一个伏笔——考虑到他在史诗版本的《达芬奇》中对使徒们被宣布背叛的反应的描绘最后的晚餐．(Steven Pulimood)

一只飞蛾坐在一个柳条篮子旁边，篮子里有大量的玫瑰、郁金香、报春花和雏菊。这是一位女性艺术家的作品，这本身在18世纪的荷兰并不罕见，其主题是一幅静物花卉，当时非常受欢迎。这些画，就像这里，经常包括昆虫，如毛毛虫和蝴蝶，以加强形象的自然主义。瑞秋Ruysch她是当时最著名的荷兰花卉画家。吕施出生在哈勒姆，师从花卉画家威廉·范·艾尔斯特。她是几位女花画家之一Jan Davidsz de Heem大约50年前的巴洛克式花卉静物画。妇女不允许参加素描课，而且被认为不能画人物肖像或历史场景，这些被认为是男人的活动。因此，女性专注于花的绘画，这被认为是一个合适的家庭主题。她对题材的选择可能也受到了她的成长经历的影响，因为她的父亲弗雷德里克·吕施(Frederik Ruysch)是一位植物学家。考虑到像这样的画通常包括很少同时开放的花，而且花也会很快枯萎，画家们会在绘画时使用植物插图作为辅助。这幅画本身就是的虚无，提到了死亡和生命的空虚。这种静物画在当时的荷兰社会中受到赞赏和追捧，因为新兴的商人阶层有钱购买反映他们自己财富的物品。花与昆虫是乌菲齐美术馆的藏品。(詹姆斯·哈里森)

Tomasso portinari——一个富有的意大利商人和布鲁日美第奇家族的代表——为他在佛罗伦萨的家庭教堂委托了这幅壮观的祭坛画。显然想在国内留下深刻印象，并纪念他在佛兰德斯的成功，Portinari选择了Hugo van der Goes为了这份工作。范·德·高斯创作了一部杰作，不仅是对波蒂纳里恰如其分的隆重致敬，而且是对耶稣诞生的高度个人化的诠释。大祭坛装饰(在乌菲兹)代表崇拜的神圣家庭和牧羊人根据路加的叙述(2:10-19)。中心场景庆祝基督诞生的喜悦，但同时也强调了家庭和农民的谦卑。艺术家重新引入了一种古老的规模等级——相比之下，神圣家族显得最大，而捐助者和天使显得较小。这些人物围绕着玛丽以对角线轴线排列，她的手是构图的中心。这种不寻常的构图产生了一种略不平衡的动态运动。中央面板地板的角度可能反映了当代宗教剧院的做法。为了看得更清楚，舞台的地板向上倾斜，演员们穿着类似推理剧的服装。捐赠者跪在侧翼上，两侧是他们的守护神。在这部非凡的作品中，范德戈斯成功地融合了扬·凡·艾克的惊人的幻术Rogier van der Weyden以及Dierec Bouts的自然主义景观。(艾米莉·E.S.戈登科)

Duccio是13世纪锡耶纳全盛时期出现的最重要的画家之一。杜乔以传统的拜占庭风格作画，但他引入了创新，开始向现在被称为国际哥特式的流派过渡。的Rucellai麦当娜这幅祭坛画是由一个多明尼加信徒会委托制作的。它被安装在佛罗伦萨的新圣母玛利亚教堂。最初放置在祭坛上方Ruccellai麦当娜后来被搬到新圣母玛利亚教堂内的Ruccellai礼拜堂，并由此得名。杜乔对圣母与圣子主题的诠释揭示了对形式的强调，这在其他艺术家的早期圣母作品中是看不到的。圣母和婴儿基督的身体被给予了现实的处理，杜乔很好地利用了明暗对比的(明暗阴影)来创造三维的错觉。圣婴基督令人信服地坐在圣母的膝上，向他的母亲做手势——这两个都是这个时代这类绘画的创新发展。然而，拜占庭风格在周围的天使上很明显，它们似乎漂浮在太空中，在镀金框架上典型的拜占庭勋章上，有来自圣经的人物。的Rucellai麦当娜是乌菲齐博物馆藏品的一部分。(玛丽·库奇舞)

维纳斯的诞生是世界上最著名的画作之一。它是由桑德罗·波提切利他是佛罗伦萨画派的意大利画家。他当过学徒里皮他是当时佛罗伦萨最好的画家。波提切利以他的画作而闻名刚毅的寓言(1470年)，他随后被委托绘画维纳斯的诞生美第奇家族的洛伦佐在神话中，维纳斯是在泰坦克洛诺斯阉割了他的父亲天王星之后孕育的，天王星切断的生殖器使海洋受精。维纳斯的诞生(在乌菲兹博物馆的作品中)描绘了维纳斯从贝壳中浮出海面的那一刻，她降落在塞浦路斯的帕福斯。她被两股风吹向海岸，而一位女神正准备用春天的花朵装饰的斗篷包裹住维纳斯，以掩盖她的裸体。维纳斯的姿势被认为是基于古典雕像，在当时的佛罗伦萨非常珍贵。尽管她的身体比例很奇怪——细长的脖子和超长的左臂——维纳斯有着娇嫩的皮肤和从海洋中清新飘逸的卷发，她是一个非常美丽的人物。她作为美丽的女神诞生在这个世界上，观众是这一创造行为的见证者。她从一个镀金的扇贝壳上走下来，风给她洒下了玫瑰——每一朵都有一颗金色的心——她身后树上的橙花也镶着金色。从历史上看，这是自古典时期以来最重要的裸体描绘。(玛丽·库奇舞)

几个世纪以来，在明亮的风景(意大利文艺复兴时期肖像画中最早的风景背景)前相互凝视费德里科·达·蒙特费尔特罗他和年轻的妻子巴蒂斯塔·斯福尔扎(Battista Sforza)是乌尔比诺城邦的强大统治者。这些画很可能是想铰接在一起形成双联画。在面板的背面皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡描绘了一对夫妻坐在胜利的战车上，背景是具有讽喻意义的风景。这是皮耶罗唯一已知的肖像画。他以文艺复兴时期的一枚勋章为原型，描绘了这些人物的侧面轮廓，这在当时是一种时尚。无论是现实的还是理想的，每个侧面都有一个完美的轮廓。费德里科穿着鲜红色的朝服，戴着国家的帽子，皮肤上有瑕疵，鹰钩鼻在比赛中受损。同样的事故严重损毁了他的右脸，皮耶罗巧妙地隐藏了他的右脸。尽管她精致的发型、锦缎连衣裙和闪闪发光的珍珠串很现实，巴蒂斯塔的脸本身就有一种超凡脱俗的品质。也许皮耶罗从她的死亡面具上得到了她的肖像，因为巴蒂斯塔英年早逝。她14岁时嫁给了费德里科，在11年里生了8个女儿，她把自己的生命献给上帝以换取一个儿子。1472年，渴望已久的儿子出生了; six months later Battista died of pneumonia. Although scholars still debate the dating of this double portrait (in the Uffizi), it is likely that it is one of the works that Federico commissioned as a memorial to his wife. (Jude Welton)

除了作为宫廷画家来纪念伟大的洛伦佐的胜利外，他还有深深的宗教信仰桑德罗·波提切利对基督教和异教的史诗都很着迷这一虔诚的形象可能是为圣斯皮里托隐修会(Priory of Santo Spirito)创作的，这是佛罗伦萨唯一的奥古斯丁修道士修道院。虽然奥古斯丁从来都不是修道士，但在这里他在他们兄弟会的袍子外面穿了一件主教的斗篷。圣人耐心地看着他的写字台，平静的神态清楚地唤起了主人公对修道生活的平和情感。小尺度的图像和拉下的窗帘强调了忏悔僧侣在工作时的封闭、虔诚的气氛。在乌菲齐博物馆的画板脚下，零星的纸片散落着。这是一个谦卑的提醒，即使是奥古斯丁，基督教世界的伟大作家之一，也不得不修改几次，以写出有意义的东西。(Steven Pulimood)

尽管有宗教主题里皮里皮的画总是充满了人情味——部分是因为他是被任命的牧师，部分是因为这是15世纪佛罗伦萨的主要艺术风格。他赋予每个角色一种严格的宗教场景中通常没有的个性。画于里皮生命的最后，《圣伯纳的孩子崇拜(在乌菲齐)是一个伟大的宗教象征的场景。圣伯纳德生活在12世纪，是他那个时代最重要的宗教人物之一。圣伯纳德经常被描述为开始了“对圣母的崇拜”，他在很大程度上对圣母玛利亚在教会的突出地位负责。里皮不止一次画过他，最著名的是他的圣伯纳的圣母像（c。1447)。里皮一直是画家托马索·迪·乔瓦尼(Tomaso di Giovanni)的狂热追随者马萨乔．马萨乔在年轻时神秘去世——他离开佛罗伦萨去了罗马，从此杳无音讯——但他的作品在他死后继续激励着其他佛罗伦萨艺术家。里皮自己的风格在1440年后改变了方向，变得独特的线性，并使用越来越多的装饰图案。里皮也是第一批以唐多(tondo)形式作画的艺术家之一，唐多是一种圆形画布，通常描绘圣母和圣子。里皮和修女卢克丽霞·布蒂(Lucretia Buti)的儿子、画家菲利皮诺·里皮(Filippino Lippi)是在年轻的波提切利身边学习绘画的，很可能是里皮教他们俩的。(露辛达Hawksley)

在接受了金匠培训后桑德罗·波提切利当过学徒里皮．里皮已经发展出一种描绘人物之间富有表现力的互动的风格，他采用了高度装饰性的细节，继承自哥特式晚期。波提切利也受到安东尼奥Pollaiuolo他的肌肉模型揭示了一种考虑人体解剖和比例的具象作品的新方法。波提切利在许多尺度上作画，他对风景和形象的细腻唤起确保了他作为有史以来最受欢迎的画家之一的地位。白桃花心木（春天)纪念佛罗伦萨文艺复兴——共和国在文化、政治和经济上的重生。这幅画最初挂在美第奇家族的凉亭里，作为一幅维纳斯的诞生．(它现在在乌菲齐美术馆。)在白桃花心木，波提切利创造了一个生动的场景，从左到右包括神话人物墨丘利(Mercury);美三女神;维纳斯，爱神;仙女克罗斯;弗洛拉，生育女神;西风是西风。在他们上方，爱神丘比特，将他的箭瞄准了美三女神。一些学者认为这幅画是波提切利对新柏拉图主义感兴趣的一个例子，新柏拉图主义是异教和基督教身份的融合。然而，他画这幅神话场景很可能是因为他受美第奇家族的委托，美第奇家族对古典历史和艺术的兴趣影响了当时的许多画家。(Steven Pulimood)

三段式壁画还有他的哥哥彼得罗属于14世纪的锡耶纳画派，由程式化的拜占庭传统所主导博尼塞尼亚公爵而且西蒙马提尼．虽然彼得罗比他的兄弟姐妹更传统，表现出和谐、优雅和戏剧性的情感倾向，但安布罗乔更现实、更有创造力，也更有影响力。的巴里圣尼古拉斯生平的四个故事祭坛的装饰品在佛罗伦萨的圣普罗科洛教堂被处决。这幅画是艺术家在1327年至1332年间第二次访问这座城市时绘制的，它展示了安布罗乔创造力的所有组成部分——拜占庭艺术的影响和锡耶纳浮雕的可塑性。这幅三联画原本的中心是圣母与圣婴，现在已被肢解。画中的一幅小插图显示，当其他孩子被黑色的死亡天使带走时，圣尼古拉斯(St. Nicholas)将一个孩子从临终的床上救活。这个场景具有很强的叙事能力，并为观众提供了当代室内设计的一瞥，细致到床罩和桌布等细节。其他场景讲述着其他故事。这幅作品预示着文艺复兴时期的艺术。它以其对生活、习俗和14世纪锡耶纳建筑的生动描绘，以及对结构的非凡指挥和对三维空间安排的控制而闻名。这些镶板是乌菲齐美术馆的藏品。(安娜Amari-Parker)

西蒙马提尼，瞳孔Duccio他是锡耶纳画派最具原创性和影响力的艺术家之一，以他的老师开发的技术为基础，展示三维空间，但他在自己的作品中提高了这些技术，添加了更精致的轮廓线，优雅的表情和宁静的情绪作为他的签名。与圣玛格丽特和圣安萨努斯一起报喜是锡耶纳大教堂内圣安萨诺教堂的祭坛画。这幅画是由艺术家和他的姐夫利波·迈米(Lippo Memmi)共同完成的。安萨努斯，锡耶纳的守护神，殉道者(尽管学者们经常把一切都归功于西蒙娜)。在中央面板上，天使长加百列和圣母加强了三联画的哥特式性质。叙事细节隐含在各种符号中——一盆百合象征着玛丽的纯洁;橄榄枝，上帝的和平信息;在这两个人物之间，围绕着一只鸽子的一个小天使花环表示圣灵的存在。从天使口中发出的金色浮雕铭文包含了这句话愿上帝的恩典主宰一切(“蒙恩的人阿，您好!主与你同在”)。与传统的宗教形象不同，玛丽在恐惧中明显退缩。的通告(在乌菲齐美术馆)可能是锡耶纳有史以来最辉煌的工艺例子。精致的抛光和哑光金工具，它是一个卓越的成就，在轮廓的使用，为了线性节奏，二维图案，复杂的珐琅色彩的和谐。(安娜Amari-Parker)

兄弟彼得罗而且Ambrogio洛伦泽蒂——据说两人都死于黑死病——是14世纪锡耶纳画家，他们在意大利文艺复兴早期绘画的转变中发挥了至关重要的作用。像安布罗乔一样，彼得罗发展了一种风格，从优雅的拜占庭传统转向了伟大的佛罗伦萨画家的自然主义乔托．皮特的祭坛的装饰品最初被安置在意大利北部城镇法恩扎的圣乔瓦尼·埃万杰利斯塔女修道院。(大部分藏品现在都在乌菲齐美术馆。)它讲述了圣贝娅塔Umiltà(圣谦卑)的生活和奇迹的故事，她是一位意大利女修道院院长，在13世纪建立了Vallumbrosan秩序的两个修道院。一个面板(中间排，右二)描绘了圣诞老人Umiltà到达佛罗伦萨建立这些修道院中的第二个，它显示她是由圣约翰福音传教士引导任务。各种嵌板中的人物都有一种新的坚固性，这是洛伦泽蒂兄弟闻名的，具有自然主义的，强烈的雕塑性。这些场景都经过了精心的构造，彼得罗展示了令人信服的空间错觉，引人入胜的建筑特征，以及敏锐的三维透视意识。彼得罗是一位色彩大师，整个祭坛作品巧妙地协调起来，充满了温柔的宁静。(安凯)

菲里皮是他父亲训练出来的里皮1469年他父亲去世后桑德罗·波提切利．这是一幅早期画作，仍然可以看出他父亲和他的主人的影响。主题是圣母对孩子的崇拜，展示了文艺复兴时期发生的神圣人物的人性化。母子之间的温柔是动人的;她不再被描绘成一个遥不可及的人物，她的脸让人想起里皮自己的母亲卢克丽霞·布蒂的脸，她出现在弗拉·菲利波的许多画作中。虽然崇拜很可能是之前画过的Hugo van der Goes《波提纳里祭坛画》(约1477-78年)抵达佛罗伦萨，创造了巨大的艺术兴趣，其中大量引用了佛兰德绘画，特别是闪闪发光的花朵和背景景观。两者的灵感都来自莱奥纳多对这些北方特征的采用。他的报喜例如，(c. 1472)也在背景中描绘了一个港口。玛丽被称为“海之星”，因此与水有关。这个港口也象征着永生。胸墙——也是两幅画的一个特征——暗示着一个封闭的花园，暗示着玛丽的贞洁。在这个阶段里皮还没有采用莱昂纳多的技巧晕涂法但他已经减少了对波提切利线性的依赖。(Wendy Osgerby)

这幅成熟的作品是为佛罗伦萨附近的圣朱斯托教堂绘制的，可以追溯到展览的年代佩鲁基诺在他最多产的时期——大约1490年到1500年。这是他最伟大的画作之一，在内容方面，完全符合基督教的传统圣母怜子图图像。这些图像描绘了基督死后，他的身体由他的母亲圣母玛利亚支撑着，并且经常被其他人物围绕着，比如坐在他脚边的抹大拉的玛利亚。佩鲁基诺的圣母怜子图看似简单，但却巧妙地营造出一种动人的致敬和虔诚、沉思的情绪。艺术家极其精确地组织他的空间。前景是一个精心安排的小组，每个成员都摆着优雅的姿势。这幅画展示了丰富的整体色彩和平衡的照明，这是佩鲁吉诺作品的特点。理想化的人物有一种雕塑般的坚固，适合主题，赋予他们巨大的存在感。佩鲁吉诺的和谐构图和雕塑形象对他产生了很大的影响拉斐尔他年轻时曾在佩鲁吉诺的画室工作，并将从他的主人那里学到的东西带到文艺复兴盛期。佩鲁吉诺的这幅画目前在乌菲齐美术馆收藏。(安凯)

桑德罗·波提切利他出生在佛罗伦萨，最终成为佛罗伦萨主人的学徒里皮．波提切利后来成为科西莫·德·美第奇著名的孙子的朋友洛伦佐被称为“Il Magnifico”。波提切利是洛伦佐委托的最重要的艺术家之一，并开始了一个艺术家传记作家的时代Giorgio Vasari后来被称为黄金时代众所周知，波提切利画这幅画是为了自己保存。这是他现存的最后一张描绘世俗历史场景的照片。主题是古典希腊作家卢西安对古典希腊画家阿佩莱斯的一幅画的描述。阿佩莱斯的这幅画是对另一位画家安提菲洛斯指控阿佩莱斯参与反对国王的阴谋的回应。安提菲洛斯把这件事告诉了地理学家和天文学家托勒密，托勒密相信了这种诽谤。当一名关键证人证明阿佩莱斯无罪时，托勒密判给阿佩莱斯赔偿金，其中包括安提菲洛斯作为他的私人奴隶和一百他连得的报酬。然而画家“用一幅讽喻性的画来报复自己”。波提切利的阿佩莱斯的诽谤(在乌菲齐美术馆)是按照卢锡安的详细描述绘制的。不像波提切利的其他作品，比如白桃花心木而且维纳斯的诞生在美国，这部作品的宏大规模掩盖了它丰富而精致的细节。右边是一个长着驴耳朵的男人，欢迎美丽的诽谤从左边进来。他身边的两个女人似乎是无知和怀疑。(Steven Pulimood)