31幅马德里名画

人物刻画和高度细致的风格小汉斯·霍尔拜因他的肖像画创造了如此强烈的存在感，以至于他的人物看起来就像16世纪欧洲的鲜活代表，并在公众的想象中体现了宗教改革的外观和感觉。1533年左右，他进入英国皇家服务，为他的恩人亨利八世创作的主要作品之一，是1537年亨利与他的第三任妻子简·西摩以及他的父母亨利七世和约克的伊丽莎白的王朝集体肖像。它可能是为了纪念亨利的儿子爱德华，也就是后来的爱德华六世的诞生而建造的。英国亨利八世的肖像是一幅全身肖像画的预备画，后来在1698年白厅宫大火中被毁。霍尔拜因在宫廷肖像画家的繁重工作对他的要求下，开始了以画代替生活的绘画实践。因此，他后来的许多作品，就像英国亨利八世的肖像，显示出强烈的线性，图形风格。霍尔拜因在安妮·博林被处决和修道院解散前后完成了这幅肖像。这是霍尔拜因在个性化描述和理想外观之间微妙平衡的一个很好的例子。亨利扁平的脸和小而谨慎的眼睛真实地描绘了他的性格，而他华丽的服装，绣着精致的金线，详细说明了他的帝王权威。这幅画收藏于蒂森-博尔内米萨国家博物馆。(保罗席位)

彼得·德·霍琦1660年左右，他从代尔夫特搬到阿姆斯特丹，直到去世(在精神病院)。当时的阿姆斯特丹是荷兰的主要艺术中心之一，吸引了成群结队的艺术家。到17世纪60年代中后期，德霍奇已经收到了几个著名的委托，但艺术家如何或为什么在悲惨的情况下结束了他的生命仍然是一个谜。阿姆斯特丹市政厅是由雅各布·范·坎彭建于1648年到1665年之间。这座建筑非常壮观，被称为世界“第八大奇迹”，被认为是这座城市伟大艺术和文化成就的纪念碑。这幅画收藏于蒂森-博尔内米萨国家博物馆(Thyssen-Bornemisza National Museum)，是这位艺术家的三件作品之一。除了de Hooch的特色光线从后方射入房间外，它准确地呈现了生活。通过使用这种装置，艺术家为原本相对狭窄的视野增加了深度和维度。华丽的红布后面就是费迪南德•波尔的绘画盖尤斯·卢西努斯·法布里提乌斯在皮拉斯国王的营地右下角是德霍琦的签名，用透视法画在瓷砖地板上。德·霍奇在代尔夫特的画作，庭院场景和家庭内饰，仍然是他最有影响力的作品。然而，阿姆斯特丹画作中更丰富、更广阔的调色板和更丰富的想象力细节以及强烈的光线强调，可能对Pieter Janssens Elinga和Michel van Musscher等艺术家产生了更大的影响。(塔Pickeral)

曼努埃尔(马诺洛)Valdés出生于西班牙瓦伦西亚，15岁时开始接受画家培训，当时他在瓦伦西亚的圣卡洛斯美术学院学习了两年。1964年Valdés，与拉斐尔·索尔贝斯和琼·托莱多一起组成了一个艺术团队，名为Equipo Crónica。Valdés后来成为一个独特的艺术家，他的作品融合和重塑了传统的技术，风格，甚至具体的艺术作品。他通过各种各样的媒介，如素描、绘画、雕塑、拼贴画和版画来实现这一点。他对艺术史的百科全书式的知识使他能够汲取各种影响，并为现代观众重新配置它们。他的作品经常令人吃惊地大胆使用熟悉的意象来表达新的观点。《宫女》，也被称为La salita，是Equipo Crónica的重做这幅名画通过维拉斯奎兹它对艺术家作品本质的调侃影响了许多艺术家。Valdés自《宫女》变成一个现代的图标，一遍又一遍地画，画，雕刻细节。在这个版本中，公主和她恳求的女仆们被从17世纪的宫殿里搬出来，被安置在一间20世纪60年代风格的客厅里，里面放着一堆塑料玩具。这幅画收藏于胡安·马奇基金会。(特里Sanderson)

José Gutiérrez索拉纳他出生在马德里，在那里度过了他一生的大部分时间，他的作品既反映了他每天所经历的西班牙的审美品质，也反映了他对时代特征的概念。他于1893年开始接受艺术训练，在1900年进入马德里圣费尔南多皇家艺术学院之前，他参加了私人课程。1904年，索拉纳参与了1898年的一代运动——一群作家和哲学家试图把西班牙重新塑造成一个知识分子和文学领袖，以应对1898年美西战争中西班牙失败的社会政治灾难。索拉纳的绘画和写作反映了这个团体忧郁、讽刺的态度，在他的整个职业生涯中，他的作品基本上都是忧郁的。小丑的形象被那个时代的几位艺术家采纳为终极的滑稽模仿——悲剧英雄被他存在的喜剧面具所定义——在面对现代批评的斗争中，艺术家和小丑之间存在着一种认同。索拉纳的小丑们以一种令人不安的超然凝视着，既没有引起同情，也没有引起恐惧，而是一种威胁和悲剧的对立。这两个小丑以精确的线性方式绘制，并使用他作品中典型的柔和调色板进行着色，这两个小丑接近机械，进一步强调了这幅画的超现实主义品质。索拉纳深受其他艺术家和同胞的影响Juan de Valdés Leal而且弗朗西斯科·德·戈雅．小丑现收藏于雷纳国家艺术中心博物馆Sofía。(塔Pickeral)

米格尔·马特奥·马尔多纳多y卡布雷拉是新西班牙(今墨西哥)总督时期的一名萨普特克土著画家。被称为新世界的殖民社会由来自全球不同地区的许多群体组成。那些出生在拉丁美洲的西班牙或葡萄牙后裔被称为克里奥罗或克里奥尔语。卡布雷拉是几位创作描绘不同的画作的艺术家之一castas或种姓。De español y mesestiza, castiza展示了一个家庭成员被父亲的工具和材料包围着。他们被包括在画中，以说明属于某种casta主要与肤色有关，但也与有限的社会地位有关。这些人的地位也体现在他们的服装上，这是欧洲风格。前景中的水果象征着新大陆所能提供的自然资源。这幅画现在收藏于América博物馆。(汉娜哈德逊)

Albrecht Durer生于纽伦堡，父亲是匈牙利金匠。他作为艺术家的成就怎么估计都不过分。他被称为有史以来最伟大的版画家，他的素描和绘画至今无人能及，他还是数学和几何书籍的作者。1494年，他去意大利待了一年;在那里，他的作品受到文艺复兴时期绘画的影响。虽然Dürer的作品一直是创新的，但在此之前，他的作品基本上属于北欧流行的晚期哥特式风格。1498年他生产了世界末日他还创作了一套15幅木刻版画，描绘了《启示录》中的场景自画像(在普拉多)，其中文艺复兴风格是显而易见的。他把自己画成意大利贵族的风格，摆着典型的当代意大利肖像画的四分之三姿势。背景让人联想到威尼斯和佛罗伦萨的绘画，其柔和的中性色和一扇敞开的窗户，展示着延伸到远处白雪覆盖的山峰的风景。脸和头发被画得很现实——另一个意大利的影响——而戴手套的手是典型的Dürer;他以特别的技巧画手。这幅自画像说明了为什么Dürer经常被认为是哥特式和文艺复兴风格之间的桥梁。(玛丽·库奇舞)

波希仍然是他那个时代最独特的艺术家之一;他的作品充满了奇幻的野兽，超现实的风景，以及对人类邪恶的描绘。他出生在荷兰小镇赫托根博斯(hertogenbosch)的一个艺术家家庭，他的名字也是由此而来，他一生的大部分时间都在那里度过。1481年，他娶了一个比他大25岁的女人;这对艺术家来说是一个有利的举动，因为在他去世时，他是s-Hertogenbosch居民中最富有和最受尊敬的人之一。这位艺术家社会地位提升的一个标志是他加入了保守的宗教团体圣母兄弟会，他早期受委托创作的作品也是该组织的作品。非凡的人间欢乐花园这是一幅巨大的三联画，描绘了博斯对世界的描述，左边是伊甸园，右边是地狱，中间是变幻无常的爱情走向堕落的人类世界。左边和中间面板的视角和景观相匹配，暗示着从一个到另一个的罪恶的发展，而右边的地狱面板是分开结构的，充满了对人类最卑鄙行为的描绘。博斯的愿景是高度幻想的，具有强烈的道德信息，使他的作品在他的时代非常受欢迎。他的风格被广泛模仿，他的影响老彼得·勃鲁盖尔特别明显。他作品中富有想象力的品质对20世纪超现实主义的发展产生了重大影响。(塔Pickeral)

多产的佛兰德艺术家小大卫·特尼尔斯是他父亲培养出来的，在他职业生涯的早期，他受到了奥斯塔这,亚当Elsheimer,彼得·保罗·鲁本斯．1632年，特尼尔斯成为安特卫普画家协会的大师，1645年至1646年，他被任命为院长。他后来成为宫廷画家，并为荷兰总督利奥波德·威廉大公保管画作。特尼尔斯画了各种各样的主题，但他最著名的是他的流派场景。其中许多都描绘了农民从事各种活动的家庭内部情况。然而，他也画了一些户外场景，其中包括射箭比赛，通过展示他在景观场景中对光线的娴熟处理，展示他最有效的表现。在这幅画中，他使用了大面积的平面颜色，当太阳穿过厚厚的云层时，反射出金色的薄雾。射箭比赛唤起一种突然的平静的感觉，无论是在大雨之前或之后。它很有气氛。当弓箭手正要松开他的弓时，这些人像静止不动。现场的建筑特色形成了一个自然的射箭“舞台”，强调了射箭活动的观赏性。特尼尔斯在他的时代作为艺术家而广为人知，他是1663年建立布鲁塞尔美术学院和安特卫普美术学院背后的创始力量之一。射箭比赛是普拉多博物馆收藏的。(塔Pickeral)

维拉斯奎兹他很少创作宗教作品，但这幅强烈有力的图像是他最好的作品。这幅画令人信服地真实地研究了一个男人的身体但暗示了一种更为不朽的雕塑品质，将其提升到一个更高的层面，与精神主题保持一致。构图简单而富有戏剧性，白色的身体与黑暗的背景形成对比，与作品相呼应卡拉瓦乔Velázquez年轻时非常崇拜他。基督的头垂在胸前，乱蓬蓬的头发部分遮住了他的脸，画得无拘无束，Velázquez这是威尼斯大师们特别欣赏的提香．这部作品以一种高度原创的方式处理了一个宗教主题:一个真实的人物以自然的姿势展示，用精简的构图只专注于这个主题。被钉在十字架上的基督在普拉多。(安凯)

作为西班牙国王菲利普四世的宫廷画家，维拉斯奎兹它的作品主要集中在肖像。但随着布雷达的投降他创作的这幅杰作被认为是西班牙巴洛克时期最优秀的历史画作之一。这幅画描绘了三十年战争中的一个重大事件，即1625年西班牙占领了具有重要战略意义的荷兰城市布雷达。荷兰指挥官将这座城市的钥匙移交给著名的西班牙将军安布罗乔·斯皮诺拉。Velázquez在他从意大利回来后画了这幅画，这次旅行的部分灵感来自于他与这位佛兰德巴洛克艺术家的友谊彼得·保罗·鲁本斯．这幅画被用来装饰菲利普四世的布恩丽蒂罗宫的王座室，作为一系列展示西班牙军事胜利的图像的一部分，它具有Velázquez作品典型的直接和自然的品质。尽管这部作品的构图是精心设计的，而且实际上很像鲁本斯的作品，但它给人一种置身于一场非常真实的人类戏剧中心的感觉。士兵们向各个方向看，前景中的马正从观众身边跑开。艺术家放弃了细节来创造现实主义，以逼真的准确性表现主角，而让无名部队更加粗略。自然采光和宽阔的笔触无疑受到意大利大师的影响。从这幅画(在普拉多美术馆展出)中很容易看出为什么Velázquez会成为印象派画家的最爱。(安凯)

《宫女》显示维拉斯奎兹在他职业生涯的晚期，在他的能力达到顶峰的时候。很少有作品能像《宫女》．尺寸和主题将其置于Velázquez同时代人熟悉的庄严的肖像画传统中。然而，主题是什么，或者是谁?Velázquez在他马德里Alcázar宫工作室的画架前展示了自己，5岁的玛格丽塔公主和她的随从在前景，其他朝臣在照片的其他地方，国王和王后在后墙上的镜子里。Velázquez画的是在画架外摆姿势的皇室夫妇，还是在画被父母走进房间吓一跳的玛格丽塔?这个看似“随意”的场景是用广泛的透视、几何和视觉错觉知识精心构建的，以创造一个非常真实的空间，但它具有神秘的光环，观众的观点是绘画不可分割的一部分。Velázquez展示了绘画如何创造各种幻觉，同时也展示了他晚年独特的流畅笔触。近距离观看时，只是一系列的涂抹，当观众拉回时，他的笔触融合成一个丰富生动的场景。通常被称为“关于绘画的绘画”，《宫女》吸引了许多艺术家，包括法国印象派画家爱德华。马奈他特别被Velázquez的笔触、人物以及明暗的相互作用所吸引。这幅画可以在普拉多美术馆看到。(安凯)

西班牙画家旧金山Ribalta达到了他成熟风格的顶峰基督拥抱圣伯纳在这个过程中，他改变了西班牙巴洛克风格。巴伦西亚的主要艺术家是抛弃风格主义传统的新型自然主义的先驱，他为西班牙艺术开辟了道路，为大师们铺平了道路，如维拉斯奎兹,弗朗西斯科·德Zurbarán,José de Ribera．它的现实主义，基督拥抱圣伯纳实现了自然主义和宗教虔诚的结合，定义了17世纪反宗教改革的艺术。这幅画以狂喜的软弱对抗神的力量，以人类对抗超验，展现了虔诚的虔诚和明显的人类互动的场景。基督的身体(从十字架上下来的)以及对圣伯纳德习惯的细心关注(与绷紧和悬挂的基督身体并列)给神秘的视觉带来亲密感和沉重的存在感。这幅画对深刻的宗教体验进行了反省和富有表现力的描绘，提出了人类救赎的愿景。雕塑造型和戏剧性明暗对比的在鲜明的背景下，另外两个人物几乎看不见，这让人想起意大利的强硬派，比如卡拉瓦乔．虽然不确定里巴尔塔是否曾经访问过意大利，但这幅在普拉多展出的画作反映了意大利巴洛克风格的许多特征，很有可能是从里巴尔塔已知的卡拉瓦乔祭坛画的复制品中画出来的。(若昂里巴斯)

1819年弗朗西斯科戈雅他在马德里西部买了一栋叫做“聋人别墅”的房子。这座房子的前主人是个聋子，这个名字仍然很合适，因为戈雅自己在45岁左右失去了听力。艺术家直接在昆塔的灰泥墙上画了一系列心理上沉思的图像，通常被称为“黑色”绘画(1819-23)。他们不打算向公众展示，直到后来，这些画才从墙上取下，转移到画布上，并存放在普拉多。萦绕于心的土星说明了罗马神萨图恩的神话，他害怕他的孩子们会推翻他，吃了他们。以神话为出发点，这幅画可能是关于上帝的愤怒，老年和青年之间的冲突，或者土星作为时间吞噬一切。戈雅当时已经70多岁了，经历了两场危及生命的疾病，他很可能对自己的死亡感到焦虑。他可能受到了启发彼得·保罗·鲁本斯巴洛克式的神话描绘土星吞噬他的儿子(1636)。戈雅的版本，由于其有限的调色板和宽松的风格，在所有意义上都要黑暗得多。神睁大眼睛的凝视暗示着疯狂和偏执，令人不安的是，他在实施恐怖行为时似乎毫不自觉。1823年，戈雅搬到波尔多。在短暂回到西班牙后，他回到了法国，并于1828年去世。(凯伦·莫登和史蒂文·普利穆德)

1799年弗朗西斯科戈雅被任命为西班牙查理四世的第一宫廷画师国王要求画一幅全家福，于是在1800年夏天，戈雅准备了一系列油画素描，以正式安排各种人物。最后的结果被描述为戈雅最伟大的肖像画．在这幅画中，家庭成员穿着闪闪发光，华丽的服装和各种皇家命令的腰带。然而，尽管场面富丽堂皇，艺术家还是采用了自然主义风格，捕捉人物个体，正如一位评论家所说，每一个人物“都强大到足以破坏集体肖像所期望的统一性”。然而，最具统治力的人物是位于中间的女王María路易莎。她，而不是国王，负责政治事务，她与皇家宠臣(戈雅的赞助人)曼努埃尔·戈多伊的不正当关系是众所周知的。然而，从她与儿子和女儿的接触中，可以明显看出她温柔的一面。尽管一些评论家将这种有时不讨好的自然主义解读为讽刺，但戈雅不太可能以这种方式危及自己的地位。王室成员认可了这幅画，并将其视为政治动荡时期君主制力量的肯定。戈雅也向他的前辈致敬维拉斯奎兹在这里插入一幅类似自画像《宫女》．然而，尽管Velázquez将自己描绘成一个处于主导地位的艺术家，戈雅却更为保守，从最左边两幅画布的阴影中脱颖而出。卡洛斯四世家族在普拉多。(凯伦·莫登和史蒂文·普利穆德)

很可能弗朗西斯科戈雅画了备受争议的画艺的（裸体的玛雅)向西班牙贵族、首相曼努埃尔•戈多伊(Manuel Godoy)致敬。戈多伊拥有许多女性裸体画，他把它们挂在一个专门用于这个主题的私人柜子里。裸体的玛雅会显得大胆和色情，比如维拉斯奎兹的维纳斯与丘比特(也称为Rokeby金星)．模特的阴毛是可见的——在当时被认为是淫秽的——玛雅的下层阶级地位，以及她的姿势，乳房和手臂朝外，表明这个主题比西方艺术的传统女神更具有性吸引力。然而，她不仅仅是男性欲望的对象。在这里，戈雅可能在描绘新事物marcialidad(“直率”)当时的西班牙妇女。玛雅的姿势是复杂的她对抗的凝视和冷静的肉色调，这意味着她的自主性。戈雅在1815年为他打破禁忌的行为付出了代价，当时宗教裁判所就这幅画审问他，随后他被剥夺了宫廷画家的身份。裸体的玛雅在普拉多。(凯伦·莫登和史蒂文·普利穆德)

绘画后几年裸体的玛雅为他的赞助人曼努埃尔·戈多伊弗朗西斯科戈雅画了一个穿着衣服的主题。他似乎使用了同样的模型，在同样的环境下，以同样的倾斜姿势。关于模特的身份有很多争论，有可能戈雅为这些画使用了几个不同的模特。major和majas可以被描述为波西米亚人或唯美主义者。他们是19世纪早期马德里艺术界的一部分，虽然并不富裕，但他们非常注重风格，以自己华丽的服装和谨慎的语言使用为荣。这幅画中的玛雅是用艺术家后来比较宽松的风格画的。当与裸体的玛雅,穿衣服的玛雅可能看起来不那么色情或更“真实”，因为她的穿着赋予了主题更多的身份。穿衣服的玛雅在色调上也比裸体的玛雅．这幅不同寻常的作品可能是为在西班牙社会引起愤怒的裸照做了一个巧妙的“封面”，也可能是为了增强色情的本质裸体的玛雅通过鼓励观众想象人物脱衣服。戈雅发人深省的画作影响了许多艺术家，尤其是他爱德华。马奈而且毕加索．今天可以在普拉多找到它。(Karen现代)

1808年3月17日，阿兰胡埃斯兵变结束了卡洛斯四世和María路易莎的统治，皇家赞助弗朗西斯科戈雅．卡洛斯的儿子费迪南德成为国王。拿破仑利用西班牙王室和政府的派系斗争，占领了西班牙，并最终获得了权力。1808年5月3日在马德里(也称为死刑的执行)描绘了法国军队在Príncipe Pío山附近处决西班牙起义军。拿破仑的弟弟约瑟夫·波拿巴继承了王位，法国对西班牙的占领一直持续到1813年。目前还不清楚戈雅的政治倾向，但他在占领期间的大部分时间里都在记录战争的暴行。他备受赞誉的印刷系列战争的灾难其中可能是欧洲所见过的最令人心酸、最纯粹的战争画面。这些版画是用红色粉笔画蚀刻而成的，艺术家创新地使用字幕记录了对战争残酷的直率评论。1808年5月3日，马德里(在普拉多)是戈雅最毫无歉意的宣传作品。这幅画是在费迪南德复辟后绘制的，描绘了西班牙人的爱国主义精神。中心人物是一位殉道者:他摆出基督般的姿势，露出手掌上的圣痕。西班牙人是有人性的、丰富多彩的、有个性的;法国人毫无人性，面目模糊，千篇一律。这幅图像仍然是艺术中最具标志性的军国主义暴力景象之一爱德华。马奈的处决马西米兰而且毕加索的格尔尼卡．(凯伦·莫登和史蒂文·普利穆德)

艺术家之间的合作，甚至是像彼得·保罗·鲁本斯而且Jan布鲁盖尔，在17世纪的佛兰德斯并不少见。在这幅画，鲁本斯贡献了这些数据。另一位画家勃鲁盖尔是这位著名艺术家的次子老彼得·勃鲁盖尔．专攻风景和静物，布鲁盖尔是他那个时代最成功和最著名的佛兰德画家之一。他被称为“天鹅绒勃鲁盖尔”，因为他对表面的微妙和详细的渲染。这幅画属于鲁本斯和布鲁盖尔为荷兰的西班牙摄政王阿尔伯特大公和伊莎贝拉大公所画的五幅寓言系列作品之一，每幅画都描绘了一种感官。这幅在普拉多美术馆展出的画代表了视觉。它被设置在一个想象的画廊里，里面摆满了绘画和珍贵的物品——天文仪器、地毯、半身像和瓷器。坐在桌子旁的大块头是视觉的化身，尤其与收藏家有关。右下角的《圣母与圣子》是鲁本斯和布鲁盖尔的作品。桌子后面的双重肖像描绘了两位顾客。在17世纪的安特卫普，艺术收藏品的图片(通常是虚构的)非常流行。 Usually commissioned by a connoisseur, these paintings recorded a collection and frequently included a portrait of the owner. (Emilie E.S. Gordenker)

约阿希姆Patinir出生在比利时南部，可能是布维涅。据记载，1515年他加入了安特卫普画家协会。他在安特卫普度过了他短暂的余生，并成为了亲密的朋友Albrecht Durer．1521年，Dürer是帕廷尼尔第二次婚礼的嘉宾，并在同一年为他画了一幅画，让我们对他的外表有了清晰的印象。Dürer将他描述为“优秀的风景画家”，这是帕蒂尼尔作品中最引人注目的方面之一。他是第一个在他的绘画中给予风景与人物同等重要性的佛兰德艺术家。他的人物与风景的宽度相比往往很小，这是现实主义细节和抒情理想主义的结合。圣杰罗姆景观(在《普拉多》中)讲述了圣人通过治愈狮子受伤的爪子来驯服狮子的故事。观众俯视着场景，这是一个巧妙的组合，使眼睛首先被引导到圣杰罗姆，然后在背景中展开的风景中徘徊。它有一种奇怪的梦幻般的特质，在他的作品中也很明显卡戎穿越冥河这是通过使用发光的半透明光来强调的。帕蒂尼尔的签名画作只有五幅，但其他各种作品在风格上都可以合理地归因于他。他还与其他艺术家合作，为他们画风景画，并与他的艺术家朋友一起工作昆汀厚重的在圣安东尼的诱惑．帕提尼尔对风景的描绘和他超现实的、富有想象力的作品极大地影响了风景绘画的发展。(塔Pickeral)

这幅引人注目的肖像由西班牙人José de Ribera显示了卡拉瓦乔关于里贝拉早期的职业生涯。德谟克利特从丰富的黑影中显现出来，戏剧性的聚光灯——以卡拉瓦乔的方式——突出了某些区域。里贝拉笔下没有牙齿的哲学家满脸皱纹，身形消瘦。他一手拿着文件，一手拿着指南针的样子告诉我们，他是一个有学问的人，但也强调了他瘦骨嶙峋的手指上沾满了脏指甲。这位伟人(传统上被认为是阿基米德)看起来不太像一位受人尊敬的学者，而更像一位来自当代西班牙村庄的贫困老人。里贝拉用这种方式画了一系列杰出的学者，大胆地背离了公认的艺术传统，这种传统倾向于用理想化和英雄主义的古典风格描绘重要人物。这幅画中有一些残酷的细节，但这是一个有个性的人，而不是一个冷漠的偶像。德谟克利特在普拉多。(安凯)

这幅画是描绘耶稣一生中重大事件的最著名画作之一，由一位来自瓦伦西亚艺术家家庭的西班牙人所画。Vicente Juan Masip，被称为Juan de Juanes，是著名艺术家Vicente Masip的儿子，并在16世纪下半叶成为瓦伦西亚的主要画家。最后的晚餐(在普拉多)展现了他父亲作品中同样的意大利影响，但它增加了一种独特的荷兰风格。这幅画显示了耶稣和他的门徒聚在一起吃最后一餐，耶稣向他的同伴们提供面包和酒，作为他的身体和血的象征。面包和葡萄酒清晰可见，在纪念这一事件的圣餐中使用的薄饼和圣餐杯也是如此。有一个程式化的戏剧场景，与它明暗对比的灯光和向往，倾斜的人物，这使它有点矫揉造作。这里也有相当理想化的人物，平衡的构成，和优雅的宏伟的文艺复兴大师拉斐尔．意大利艺术，尤其是拉斐尔的艺术，对当时的西班牙艺术产生了巨大的影响，胡安很可能曾在意大利学习过。他甚至被称为“西班牙的拉斐尔”。在描绘折叠的衣服窗帘、卷曲的头发和掠过盘子和容器的高光时，有很多熟练的技术技巧。胡安的风格变得非常流行，并被很多人模仿。他的吸引力很大程度上建立了西班牙的宗教艺术学校，以和谐、感人和精心设计而闻名。(安凯)

卢卡·佐丹奴可能是17世纪最多产的大师之一。他的绰号是Luca Fa Presto(“卢卡，快点工作”)，这个名字被认为源于他的父亲为了经济利益而催促他。佐丹奴在很小的时候就发现了他的惊人天赋，随后他被送去学习José de Ribera在那不勒斯，然后彼得罗·达·科尔托纳在罗马。他的作品显示了这些老师和保罗·委罗内塞但他也发展了自己的表达方式，使用鲜艳的颜色，他曾说过，人们更容易被颜色而不是设计所吸引。佐丹奴华丽的巴洛克风格可以看出很大的影响这幅画描绘彼得·保罗·鲁本斯在工作。寓言题材是当时特别流行的题材之一，佐丹奴将受人尊敬的鲁本斯纳入其中会受到广泛赞扬。他使用了一种复杂的结构构图，将人物和小天使聚集在右侧，挤在一个小平面上，他们似乎从那里爆发出来。前景中的白鸽形成了一个焦点，辐射能量和行动，将注意力引向后方的鲁本斯。1687年，佐丹奴移居西班牙，在那里他被皇家宫廷雇佣了十年。1702年，一个富有的人回到那不勒斯，他捐了一大笔钱给镇上。鲁本斯画作《和平寓言》是普拉多博物馆收藏的。(塔Pickeral)

在巴塞罗那学习四年艺术后，加泰罗尼亚画家马里亚诺·Fortuny1857年，他获得了罗马奖奖学金，除了在巴黎生活了一年(1869年)外，他在意大利度过了他短暂的一生，在那里他与著名的艺术商人古皮尔建立了商业关系。该协会为福尔图尼的工作和国际声誉带来了巨额奖金。他成为他那个时代的主要艺术家之一，为西班牙绘画的复兴和转变做出了贡献。他细致入微地画小风俗画。他描绘光线的创新方式，特别是在他晚期的作品中，以及他在处理绘画方面的非凡技巧，使他成为19世纪西班牙及其他地区许多人的灵感来源。他特别擅长写实素描和绘画，他对色彩有显著的天赋。波提奇海滩上的裸体男孩(在普拉多)是一个完美的例子，他的晚期风格。一个裸体孩子的书房灯火通明，在他周围投下了强烈的阴影。这个视角是从上面拍摄的，Fortuny混合了互补色，给主题一种新鲜的感觉。在画这幅画的时候，法国的几位年轻艺术家正在试验光和颜色的效果，进行绘画En plein air一个全新的，令人兴奋的工作室工作。福尔图尼虽然不信奉印象派，但肯定探索了类似的主题。完成后几个月，他就去世了波提奇海滩上的裸体男孩他在意大利南部创作这幅作品时感染了疟疾。(苏茜霍奇)

文艺复兴早期佛兰德绘画的伟大运动是由两位画家发起的罗伯特Campin，被称为Flémalle的大师，和扬·凡·艾克．报喜是坎平画过几次的主题。大约在1425年，他画了Merode祭坛的装饰品这幅三联画的中央画板还描绘了天使加百列向玛丽宣布她是基督之母的角色。他的绘画最引人注目的特点之一是他对当代室内环境的详细描绘。的通告故事发生在一座哥特式神庙内。圣母坐在门廊上，穿着15世纪资产阶级的衣服。盖伯瑞尔跪在楼梯上，正要说话。它以坎平一贯的紧张风格制作，他用惯用的符号来解释事件。一个空容器站在玛丽精心渲染的衣服褶皱前，一个敞开的橱柜，露出一半隐藏的东西，提醒我们在这个年轻女人的生活中要遵循的秘密。一种无法解释的光——象征着圣灵——照亮了圣母玛利亚，她还没有被她的来访者打扰。通过描绘玛丽读书，坎平暗示她是聪明的——这是对智慧宝座的暗示。但她的地位比加布里埃尔低，所以她也很谦逊。这幅在普拉多美术馆展出的画被一根柱子垂直地分开。加布里埃尔的左手边是神圣的一半，而右手边描绘了玛丽在她的生活发生不可逆转的改变之前的人性方面。 (Susie Hodge)

Rogier van der Weyden的从十字架上下来是早期荷兰传统的典范。包括画家扬·凡·艾克在美国，这一传统的特点是对细节的敏锐关注，这是由油画的使用所提供的。尽管早在8世纪，人们就开始使用石油作为媒介，但只有凡·艾克和凡·德·韦登等艺术家才充分认识到石油的潜力。范德韦登的这幅画最初是受比利时鲁汶弓箭手协会的委托创作的。在这幅画中，基督的尸体被从十字架上取下的那一刻发生在一个封闭的盒子状空间里。尽管荷兰的传统以其对家庭室内的使用而闻名，但在这里，艺术家对空间的使用赋予了整个场景一种亲密感。左边是亚利马太的约瑟，右边是尼哥底母，将基督的身体轻轻放下。圣母玛利亚(传统上以蓝色显示)在圣约翰的脚下昏厥，圣约翰伸出手来迎接这位悲伤的母亲。从视觉上看，圣母软弱无力的身体形成的对角线与上面没有生命的基督的身体相呼应。这种令人心酸的镜像也明显体现在玛丽的左手与基督右手的关系上。范·德·韦登将场景的情感表达提升到了前所未有的高度。 The downcast eyes of the nine witnesses to Christ’s death collectively speak of an inconsolable grief, and the artist is able to portray a grief that is unrelenting in its sorrow and emotional pathos. (Craig Staff)

毕加索画格尔尼卡它被认为是对西班牙法西斯政府的刻薄攻击，尽管事实上它是受西班牙共和国代表委托在巴黎世界博览会上展出的。这幅画描绘了纳粹对西班牙北部巴斯克城市的地毯式轰炸，它的重要性超越了它的历史来源，成为所有暴行和战争后果的普遍象征。格尔尼卡这部电影的魅力在于它融合了史诗和现实元素。这幅黑白画作以毕加索标志性的立体派风格绘制，充满了他作品中反复出现的人物(如牛头怪、西班牙公牛和处于痛苦和折磨中的妇女)，具有新闻短片或报纸文章的鲜明直接感。格尔尼卡充满了叙事象征主义。在恐怖中盘旋的无身之眼要么是炸弹，要么是希望和自由的象征，学者们把马践踏哭泣女人的形象解读为极端独裁者的代表——佛朗哥、希特勒和墨索里尼。尽管有沉重的肖像，艺术家决定剥离他的画布上的颜色提供了他的抽象形式和神话的象征主义与新闻可信度的外观。在毕加索的有生之年，格尔尼卡在美国和欧洲进行了广泛的巡回展出，尽管佛朗哥一再要求，但他拒绝将这幅画归还西班牙，直到西班牙重新成为共和国。直到1981年，毕加索和佛朗哥都去世后，才出现了这种情况格尔尼卡从纽约搬到故乡西班牙它收藏于雷纳国家艺术中心博物馆Sofía。(Samantha伯爵)

1900年左右,华金过去脱离了社会现实主义，进入了更成熟的阶段。在接下来的几年里，索罗拉走到了西班牙印象派的前沿。最大的变化是放弃了古典形式的僵化，对露天绘画产生了新的兴趣。索罗拉获得了国际公认的最重要的画家地中海光和运动的感觉。他画肖像和日常题材，但他最明亮、最甜美的画是他的海滩画。他被家乡巴伦西亚刺眼的阳光迷住了，这反映在他自发而大胆的观点中。玛丽亚·埃琳娜在沙滩上是索罗拉优势的一个完美例子。这幅画的真正主角是阳光——它的强度和阴影都反映在画中的海滩、沙子和海洋上，艺术家流畅的笔触主导了精心安排的构图。Sorolla用孩子们的白色衣服和出海的船帆来捕捉海滩上充满活力的光线。黑色从画中的阴影中被消除，取而代之的是一系列的蓝色、赭色和粘土。一位法国评论家这样描述索罗拉的画:“从来没有一支画笔能容纳如此多的阳光。它不是印象派，但却令人印象深刻。”虽然阴影的发光处理和绘画的流畅风格密切遵循印象派的理想，索罗拉呈现了更个人化的色彩诠释。María y Elena en la playa是索罗拉博物馆的藏品。(戴安娜Cermeno)

弗朗西斯•培根早年辗转于英格兰和爱尔兰之间，家庭生活混乱，这给他灌输了强烈的流离失所感。他在柏林和巴黎生活过一段时间，在那里他决定成为一名画家，但他主要生活在伦敦。这位自学成才的艺术家越来越多地转向以存在主义为主题的黑暗、情绪化和令人不安的题材，他在战后获得了认可。在他的作品中反复出现的关注点包括战争、生肉、政治和性权力以及斩首。培根还复兴并颠覆了三联画的使用，在基督教肖像学的历史上，三位一体强调无所不在。这是一张图像培根的情人和缪斯，乔治·戴尔，培根声称在戴尔抢劫他的房子时遇到了他。戴尔的形象，穿着歹徒的休闲服，是畸形的和切断的，他的脸的倒影在镜子中破碎。这幅肖像画让观众看到了画家与主题之间的性本质关系——有人认为，白色颜料的飞溅代表了精液。另外一系列戴尔的裸体肖像揭示了他们结合的亲密关系。在这里，戴尔斜视着自己的形象，反映出他的自恋行为，以及培根在他们经常暴风雨般的关系中所感受到的孤立和超然感。戴尔在巴黎大皇宫举行的大型回顾展前夕自杀身亡。他脸上的伤痕预示着他的早逝。这幅画是蒂森-博尔内米萨国家博物馆的藏品之一。(史蒂文·普利穆德，凯伦·莫登)

出生在柏林，乔治•格在德累斯顿皇家学院学习，后来在柏林师从平面艺术家埃米尔·奥尔利克。在第一次世界大战的推动下，他对怪诞和讽刺产生了兴趣。1917年，他精神崩溃，被宣布不适合服役。他对人类同胞的低微评价在他的所有工作中都很明显。他使用油画和帆布，这是高级艺术的传统材料，尽管他鄙视艺术创作的传统。大都市是一幅来自地狱的场景，血红色主宰着画布。构图是基于令人眩晕的垂直，描绘了可怕的幽灵般的生物逃离恐怖。虽然他与表现主义保持距离，但角度扭曲和令人眼花缭乱的视角是从艺术家的作品中成长起来的，比如路德维希·基什内尔．书中的意象大都市(收藏于蒂森-博尔内米萨国家博物馆)暗示着一场大规模的灾难:城市正在自我崩溃，整体颜色暗示着大火。随着革命和第二次世界大战的临近，这本书具有可怕的先见之明。这部作品是对资产阶级社会，特别是对权威的讽刺和公开批评。后来，和奥托·迪克斯格罗茨说Die Neue Sachlichkeit(新客观主义)——远离表现主义，呼吁对物体的冷静感知，专注于平庸、微不足道和丑陋的事物，绘画缺乏语境或构图的整体性。1917年，Malik Verlag开始出版他的平面作品，使他引起了更广泛的观众的注意。(Wendy Osgerby)

我出生在纽约，父母是德国人，Lyonel Feininger他的职业生涯受到国家忠诚、种族紧张和政治动荡的冲突的影响。来到德国学习后，费宁格成为了一名杂志插画家、漫画家，也是美国独特艺术形式——连环漫画的先驱。他为芝加哥论坛报是有史以来最具创新性的作品之一，但他拒绝搬回美国，合同到期，他决心放弃商业艺术。费宁格开始发展自己的分析立体主义风格，并于1919年成为包豪斯的创始成员之一。他就是在那里教书的时候开始画画的《淡紫色的女人．Feininger精心地层叠颜色和形式的平面，创造了一个充满城市繁华活力的夜间城市场景。一个昂首阔步的年轻女子的中心形象是基于1906年的一幅更早的画作，美丽的女孩．因此，这幅画既是对最初激发他灵感的充满活力的巴黎艺术场景的致敬，也是对魏玛共和国早期自信的庆祝，当时德国已经超越法国，成为欧洲先锋艺术的发源地。然而，这种情况并没有持续多久，1936年，费宁格和他的犹太妻子被迫逃离德国。再次定居在纽约，费宁格在他童年的场景中找到了新的灵感，在他生命的最后20年里，他成为了抽象表现主义发展的关键人物。《淡紫色的女人在蒂森-博尔内米萨国家博物馆。(理查德·贝尔)

几乎没有受过艺术训练，莫里斯·德·弗拉明克在献身于绘画之前，他曾做过赛车手、小提琴手和士兵。1901年，他与其他艺术家在巴黎郊外的沙图(Chatou)建立了一个工作室安德烈Derain．在同一年，他的灵感来自于一个画展文森特·梵高这对他的作品产生了深远的影响。到那时这张照片弗拉明克和德雷恩被公认为野兽派运动的主要成员，这群艺术家通过使用强烈的、未混合的非自然主义色彩来激怒既有品味。弗拉明克宣称“本能和天赋”是绘画的唯一要素，蔑视向过去的大师学习。然而，这幅风景画明显是梵高的后裔，在他之上，是印象派的后裔。与这些前辈们一样，弗拉明克都致力于在户外作画，并将景观作为对自然的赞美。油画在大部分画布上涂抹的那种破碎的触感(屋顶上的平色是主要的例外)也让人想起了达芬奇的作品克劳德·莫奈或阿尔弗雷德·西斯利．草书的画风完全是梵高的风格。然而，弗拉明克对色彩的运用却截然不同。直接来自管道的纯色和增强的色调将法国郊区乡村的潜在平淡场景转变为艺术精湛的烟花表演。这里的风景现在看起来精致而迷人，但我们仍然可以想象，它的能量在当时给公众的印象是多么粗糙和原始。字段,Rueil是蒂森-博尔内米萨国家博物馆藏品的一部分。(Reg格兰特)