31画在泰特美术馆收藏

Lynette Yiadom-Boakye1977年出生在伦敦加纳的父母。二十年后,她离开了首都的法尔茅斯学院学习艺术,在2000年回归之前花三年研究生绘画皇家学院。在完成她的艺术学校培训,Yiadom-Boakye资助她绘画通过一系列的工作,包括做电话测试手机回收工厂。2006年,她赢得了英国慈善奖艺术基金会,使她油漆全职。她入围2013年特纳奖的传统肖像画的个展,提取和诗句Chisenhale画廊。虽然星期六晚上10点似乎脱离地面第一了爱德华。马奈,然后埃德加德加和沃尔特·理查德Sickert从生活中,她的作品既不画也不是从一张照片。星期六晚上10点给人的印象,它是基于一种形象,起源于街头摄影拍摄快速移动电话一晚上走在昏暗的街头寻找下一个酒吧。年轻人在红色的条纹衬衫,然而,就像所有Yiadom-Boakye的数据,一项发明。在技术层面上,她的肖像,肖像的亚历克斯·卡茨的产品,尚塔尔Joffe一天的工作。当被问到为什么,她会告诉你,回到工作不会改善。她的肖像的主题2015年伦敦蛇形画廊的个展;她的作品在伦敦泰特美术馆的收藏和维多利亚和阿尔伯特博物馆。(Stephen一点儿)

出生在加那利群岛,马诺洛米勒是自学和先锋集团的创始成员之一埃尔帕索(“步骤”)。他还与Informalists,一群艺术家认为,艺术应该从理论和概念。米勒也许是最著名的拼贴画,他使用的材料,如沙子、报纸、陶瓷、木材、织物;他撕裂的特定方法,聚束、捆绑,缝合他的材料一起帮助他树立一个国际领先的艺术家。受西班牙内战的血腥和痛苦的时期,他痴迷于两极对立的破坏和建设。在1940年代,他被超现实派的工作影响,特别是保罗克利,米勒开始产生奇妙的象形图。直到1960年代中期,他雇了一个特别简单和有限的调色板,创建图像,虽然抽象,经常诱发某种人类实体。他着迷于矮人的想法,可以表示人的微型人类处于原始状态。这个主题出现在1958年以后他的画作,其中包括150年绘画。画在黑人,米色,棕色,蓝色,绘画提供了一个很好的对比更加丰富多彩的工作由米勒在晚年。观众可以分辨一个图,手臂伸出,悬浮在绝望的深渊。150年绘画破坏和建设体现了米勒的观点,它是艺术家最著名的作品之一。(阿鲁娜Vasudevan)

克拉克先生和夫人和珀西通过大卫•霍克尼是一系列的双重肖像之一著名艺术家的朋友在1970年代。评论家评论霍克尼的能力来吸引观众的逃避现实的本能;洛杉矶游泳池系列和名人肖像分享这个特点。随着房间,曼彻斯特街伦敦,这是唯一明确的图片,霍克尼画在他搬到加州。在这部作品中,家具,视图通过阳台,和照片中的弱光建立地方的感觉。霍克尼的评论绘画表明,实现光他的主要质量问题;他来自生活和工作的一系列照片,以达到期望的效果。留下他以前作品的文体设备,关注他的臣民的状态为图片,这里的艺术家回到一个更传统的风格。这对夫妇的正式提出了房间里和他们的关系加强指18世纪和19世纪的写照。然而,霍克尼的仔细检查治疗大面积的画布,观众发现,艺术家抽象空间的背景表面显著关注细节在臣民的脸,电话,和鲜花的花瓶。将是一个错误把这项工作作为一个简单的例子,现实的自然主义;霍克尼是尝试构建和绘画肖像的新方法。(阿历克斯规则)

当美国抽象艺术家塞•托姆布雷携手1959年永久定居在罗马,他离开了他的亲密与纽约艺术协会。在这一过程中,他成功地创建自己的个人艺术,这为他赢得了名声最伟大的艺术家之一,20世纪下半叶。托姆布雷展出他的作品在1964年威尼斯双年展,和四年后密尔沃基艺术中心举办了他的第一次回顾过程中我们的首先在一系列由世界上最大的博物馆。1995年,师伦佐皮亚诺艺术馆设计塞•托姆布雷携手美术馆的收藏在休斯顿,德克萨斯州。这个集合拥有数十名托姆布雷的艺术作品只有绘画,雕塑,绘画,和其他工作在纸上约会从1953年到1994年。托姆布雷执行这幅画,当时他已经是一个国际著名的艺术家。白桃花心木一系列工作的资格吗Quattro Stagioni。而不是为观众提供传统的代表重生的季节,他创造了一个模糊的形象,感性的颜色是一样和平的暴力。托姆布雷的早期可以观察到图形风格在众多铭文的随机的单词画,画的行为本身就是一个主题,他重新在他的整个职业生涯。琼斯(朱莉)

第二次世界大战爆发前不久,英国艺术家本·尼科尔森搬到小圣艾夫斯康沃尔郡的渔村,英格兰。他Cubist-inspired静物画和几何浮雕都给他带来了成功,而且,到1930年代末,他获得了他的位置作为前卫的欧洲艺术的领军人物。那十年见过他的作品越来越抽象,但他的海岸引起另一个变化的方向移动,当他再一次将他的注意力转向英国风景。这是一个更有利可图的主题,特别是在提高战时爱国主义和孤立的前瞻性的欧洲艺术的世界。明确的康沃尔郡的光,平面几何的渔民的农舍,块状海洋和沙滩的颜色由他的工作环境。在这幅画系列之一,1939年开始,一个港口的船只和屋顶是透过窗台上的静物安排。几何图形体现他的迷恋对象空间的定位。扁平形式也展示一个天真和原始艺术的兴趣。在1945年完成,工作包括一个联盟杰克在前台。主要是庆祝胜利日,国旗暗示着新时代战争结束后和乐观。虽然受到毕加索,彼埃•蒙德里安,亨利·卢梭和其他欧洲艺术的重要人物,尼科尔森发现个人,显然英国现代主义。他也是个人致力于鼓励新兴艺术家的时期。(杰西卡主教)

约翰·柯特曼出售一个店主的儿子出生在诺维奇的繁华的集镇,英格兰。1798年他前往伦敦继续他的艺术训练,并且他很快被沉浸在活跃的艺术圈的时间。虽然他没有获得太多的正式训练,他迅速成为一个领先的watercolorists在城市工作。他回到诺维奇地区约1804,立即成为不可或缺的诺维奇商学院绘画,更少的学校,更多的省级艺术运动由一群主要自学成才的艺术家。诺维奇的艺术家学校专注于当地的景观和海景,尽管他们也从其他领域获得灵感的自然美景。海滨与船是柯特曼的相对较少的油画作品,它被认为是克罗默海滩北部的诺维奇。1809年,这项工作完成后不久,这位艺术家安妮结婚英里,住接近海滩。在接下来的一年他表现出四个主题灵感来自这一地区。尤其独特的工作平面与大胆的色彩形式的广泛领域,创建一个模式在表面效应。海滨与船是一块典型的风格,是现代概念的惊人,而且它似乎预料到的作品吗保罗纳什。虽然柯特曼是相对鲜为人知的期间,他喜欢一个巨大的复兴在20世纪,看到他相等如果不超过工作J.M.W.特纳受欢迎。(塔Pickeral)

有一些艺术家在历史上也一直在积极的艺术评论家。生产艺术可能给评论家更善解人意和亲密的理解艺术,他或她的观点。然而,评估其他艺术家的作品也可以是一个问题对于那些主要是一个艺术家。英国艺术家帕特里克·海伦写的艺术新英语周刊,纽约国家和艺术,英国政治杂志新政治家从1945年到1958年。在这些出版物,他质疑减少纯抽象形式的必要性。相反,在他职业生涯的这段时间里,他试图合成他崇拜画家亨利·马蒂斯和乔治·布拉克。海伦的智慧与艺术的关系中可以看到这个工作。比他后来抽象工作严厉和不和谐,这立体派绘画不过模特站在一个窗口显示的海伦的敏感的理解形式和优雅的颜色组合的处理困难。之间的关系在这个作文的关键是橙色或黄色和皇家蓝色,但鹭脾气这可能与伟大的储备。影响成功的马蒂斯回忆说。海伦的早期油画也许太公开的知识。在这些,一个人可以观察他在立体主义的抽象和试图把他的爱。但是一旦他打破了这种风格和对抽象作充分的挖掘,他可以平衡他的艺术鉴赏力和自己的能力产生一些英格兰最美丽的和直接的绘画。(Ana Finel Honigman)

Pencerrig是托马斯•琼斯的威尔士家庭财产是谁是地主的典型路径的小儿子和训练有素的教堂。然而,这是不可用的钱,他转向风景画。草图和当时被描绘成一个上流社会的家庭成员完成的消遣。虽然琼斯画专业,他仍是一个“绅士画家,”记录视图在那不勒斯对他的版本的豪华游由许多当代年轻的贵族。这幅画对他的家人的房地产在1772年是度假。他的画非常小的规模,然而,颜色是丰富和深刻,显示明亮的天空的云层和坚实的银行形式呼应下面的山和田野。充满活力的颜色和云的具体成分表明外画一个工作在露天。这是不寻常的油画;只是因为他是这么小的,便携式的,艺术家可以户外油漆在这个方法中,然而它使琼斯转达一个永恒的即时性和新鲜。地主的时候选择quasi-portraits的地产画由专业人士,琼斯创建了一个创新的、亲密的景观与他的家庭有关,而不是他的房子和花园。琼斯最终继承的遗产,在1803年去世。(Serena斜面)

J.M.W.特纳越来越多的实验工作吸引了大量批评在1840年代,和这幅画被一些评论家称为“该死的肥皂泡沫和粉饰。“有影响力的当代艺术评论家约翰拉斯金然而,谁是特纳的伟大的冠军,很喜欢。著名的故事雪Storm-Steam-Boat海港的嘴是特纳把自己绑在桅杆上的轮船爱丽儿出现在照片在海上风暴坠毁。这个故事似乎是不可能的,但它准确地反映了艺术家的激情进入自然世界的核心。观众的这幅画正在迅速吸进vortex-shaped组成,特纳用得多,和职业组成线诱发头晕迷惑和混乱,真正的主题。这是一个非常主观的照片特纳的天,和相当有限的调色板和疯狂地合并范围的水和光唤起梦幻的状态。尽管如此,特纳是控制每一个多人注意到纯元素的他,与他的颜色和光线,知识记得大火燃烧下面甲板需要,淡黄色的阴影所示由透过窗帘的雪。漩涡的中心,汽船是危险地辗转反侧,象征性地使用他风雨兼程,但这里专门反映特纳的相信人类是无助的自然的巨大力量的摆布。特纳显然这项工作的说:“我不把它漆成被理解,但我想给这样的一个场景是什么样子。“安(凯)

这是一个最流行的拉菲尔前派的绘画集团,当年轻的热情达到巅峰。艰苦的对细节的关注和爱的诗意的象征意义是他们的风格的特征。莎士比亚是一个最喜欢的所有拉斐尔前派艺术家的灵感的源泉。在这里,约翰•埃弗雷特莱斯描绘了一个场景哈姆雷特跳进河里,奥菲利娅,淹没在她的父亲杀死了哈姆雷特。莎士比亚强调的困境他疯狂的女主角通过描述如何使用各种各样的花,她的花环都合适,象征性的关联。米莱跟随这种趋势,把花朵与植物的准确性和添加的例子从维多利亚时代的花语。其中,他白白(爱),包括三色紫罗兰紫罗兰(fidelity),荨麻(疼痛),雏菊(无辜),野鸡的眼睛(悲伤),勿忘我,罂粟花(死亡)。最后协会还建议通过头骨的轮廓,由右边的树叶。它不仅指奥菲利娅的死亡,但也墓地场景之后,哈姆雷特与约里克的头骨。米莱的痴迷的准确性并不局限于花。他花了四个月的工作背景,在萨里郡Hogsmill河附近的一个点,英格兰。模型也不得不为他的作品。她是丽齐西达,但丁·罗塞蒂未来的妻子。好几个星期,她在洗澡的水,加热从下面的灯。(Iain Zaczek)

作为拉菲尔前派的兄弟会的一员,威廉·霍尔曼狩猎画一个维多利亚时代的基督教,定义图像的世上的光,成为一个受欢迎的打印。良心的觉醒他早期的绘画是亨特自己的反应。年轻女子抬起头,开始向前突然她的姿态表明,她已经在应对以外她已经看到或听到的东西。乍一看,这是一个场景的家庭生活在舒适的环境中。男人和女人之间的这种亲密关系是罕见的在维多利亚时期的绘画,然而,在她所有的戒指她的婚礼手指是光秃秃的。她是一个“情妇”,一个情妇。她周围是她的象征entrapment-the时钟下玻璃,她浪费生活的鸟被猫和未完成的挂毯,“眼泪,闲置的眼泪”的音乐在地板上。她变成了一个在房子外面世界是囚禁在,一个快乐的世界,在轴的阳光落在画的右下角,并反映在镜子后面。她有“看到光明。“这幅画是一个直接的表达的维多利亚宗教信仰复兴运动席卷英格兰教会的所有部分,但是同一宗教信仰感觉受到了冒犯。当代情感甚至不画的男人和女人一起在铁路车厢自由交谈。 The circumstances in which Hunt’s young lady finds herself may not now be immediately obvious, yet this is still a powerful portrayal of spiritual emotion. (Serena Cant)

路加菲尔德斯爵士是一位伟大的画家和插图画家成名的一系列作品处理当代社会问题。医生可能是最著名的。它成为了一个明星吸引力在伦敦的泰特美术馆于1897年开业。在19世纪后期,读写能力的增长越来越范围的画报杂志走上市场,进而为艺术家提供了更多的机会。一个最重要的新来者图形首次出现在1869年,凭借其日常工作生活的整版的雕刻。菲尔德斯是一个定期撰稿人,经常把他的受欢迎的插图为全尺寸的油画。阴暗的现实的工作印象大亨亨利爵士泰特,委托他画他自己选择的主题。菲尔德斯选择了医生一个主题,灵感来自于1877年他的第一个孩子的死亡。他这个内存译成一个工薪阶层的设置,创建一个复杂的模拟渔夫的小屋在他的工作室。在艺术方面,菲尔德斯的主要担心的是双光源,显示对比温暖的光亮油灯和黯淡,铅笔画的日光。为公众,然而,这幅画的持久的成就在于其移动描述医生的奉献。医学界是清楚的,要求学生“记得总是持有在你的理想图路加菲尔德斯的照片,和温柔的男人和温柔的医生。”(Iain Zaczek)

1915年斯坦利·斯宾塞报告义务的皇家军队医疗团在波弗特医院,英格兰的布里斯托。战争年代仅仅是他的第二个时间在Cookham远离家乡,伯克希尔哈撒韦公司。天鹅在Cookham增加在他的作品有着举足轻重的地位,因为它开始前不久斯宾塞了布里斯托尔,1919年回国后完成。标题是指在泰晤士河上举行的年度事件,当年轻的天鹅是收集和标记;在后台看到Cookham桥。的想法来到斯宾塞在教堂工作。他可以听到以外的人的活动,这促使他将教会的精神氛围Cookham世俗景观。之前未完成的细致,前三分之二的人完成left-haunted斯宾塞在战争期间,但是一旦回家他发现很难完成。(塔Pickeral)

德国出生的艺术家、雕塑家和collagist马克斯•恩斯特在1920年成立了德国科隆达达集团。他于1922年离开了德国在巴黎加入超现实主义集团。他发明的技术“摩擦”。西里伯斯岛日期从一段恩斯特达达主义和超现实主义美学相结合时,他的职业生涯。他的第一次大规模的照片在科隆,这是从他的使用图像的拼贴创造意想不到的组合。在这幅画的中心是一个巨大的数字似乎像一头大象和一个锅炉;似乎有一个主干、象牙和管道发芽。这个巨大的数字,显然受集体的照片corn-bin在苏丹,周围是一些未被承认的对象,包括无头女模特。达达主义,恩斯特经常重用发现图像,结合他人创建原始,虚构的作品。琼斯(朱莉)

1911年,德国的超现实主义画家马克斯•恩斯特满足了艺术家8月Macke与他成为了好朋友,并加入了莱茵Expressionisten集团在波恩。他的第一个展览是在Galerie费尔德曼1912年在科隆举行。同年,他发现的作品保罗塞尚,爱德华•蒙克,毕加索,文森特·梵高留下了深刻的印象,他自己的艺术发展。第二年他去了巴黎,在那里他遇见了纪尧姆·阿波利奈尔和罗伯特·德劳内。在1920年代早期,他参加了在巴黎超现实主义运动,他被认为是中国领导人之一。圣母怜子图或革命创作于1923年,前一年安德烈·布列塔尼人出版了第一超现实主义宣言》。超现实主义者试图找到一种方式描述不仅外部现实,人类思维活动,并受到西格蒙德·弗洛伊德的无意识理论。在这幅画里,恩斯特取代了传统的哀悼圣母玛利亚抱着她钉在十字架上的儿子耶稣的身体抱在怀里,被他的圆顶礼帽的父亲的画像。虽然没有人能给出一个明确的形象的分析,它经常被视为一个表达式问题恩斯特和他父亲之间的关系,他是一个狂热的天主教徒曾谴责他儿子的工作。都表现为雕像,或许反映出冻结他们的关系的性质,然而,选择造成的圣母怜子图显示安永对改变的渴望和父亲的感情。琼斯(朱莉)

彼埃•蒙德里安是最重要的一个人物抽象艺术的发展。蒙德里安是渴望开发一个纯粹抽象的绘画模式,基于一组正式条件。底层Mondran绘画的雄心是为了表达一个“纯”的现实。他的风格,现在被称为新造型主义,没有提到外,可辨认的世界。从画布上删除了所有图像,传统视为涂装线的关键元素,形式,hue-were现在动员服务截然不同的目的,即“塑料表达式的化身。”为此,蒙德里安能够限制自己直线和基本的颜色。在成分与黄色,蓝色和红色,1937 - 42他组织组成的一系列垂直和水平线重叠形成一个网格。四个离散领域的主要颜色是“加权”,这样颜色函数作为一种平衡与每一行的先赋角色。成分与黄色、蓝色和红色这种方法的是成熟的表现。蒙德里安开始住在巴黎时;他1938年去住在伦敦,然后搬到纽约两年之后,这幅画在哪里完成。在纽约,他的节目的艺术家又迈进了一步正式实验,通过给复杂的颜色飞机优先于行。这项工作的意义就在于它能把什么是绘画的基础和创造一个现实完全依照蒙德里安的追求塑料表达式。(克雷格的员工)

二靠安东尼劈开与左翼共和党在1936年的西班牙内战- 39。他们的失败后,他逃到了法国。1944年,他遇到了毕加索,西瓜的孩子表明,劈开被他的同胞的强烈影响。这里的孩子模仿毕加索的描绘他的儿子保罗在1924年作为一个丑角。丑角特色在毕加索的许多早期的作品中,丑角是即兴喜剧的一个角色,被巴塞罗那街头剧场和嘉年华的一部分。这是劈开一个恰当的主题,他的作品包括舞台设计、戏剧服装设计,海报设计。然而劈开的小丑是一个忧郁的人物;他的经典钻石图案的菱斑服装是黑暗的颜色。他看起来像一个饿和感激乞丐,准备吃水果双手以其丰富的红肉,反映了西班牙内战的流血事件。(露辛达Hawksley)

罗德里戈•莫伊尼汉的非常多样化的艺术输出包括抽象绘画,肖像,静物,风景,和数字在油、水粉、水彩,笔,洗。与现实主义画家的浪潮逐渐演变成抽象艺术家,莫伊尼汉在1930年代生产实验工作。这些画,集中在语气和颜色,深受克劳德·莫奈,保罗塞尚,J.M.W.特纳。莫伊尼汉开始现实、色调和比喻形象在1950年代末,在1970年代,他专注于肖像画和静物画在一个期许的学术风格柔和的调色板和一种经济画报。对他生命的最后,他同时创建抽象油画和景观受中国书法传统的影响。肖像集团充分体现了清醒和生理的敏感性莫伊尼汉的现实主义时期。这幅画是交替题为这幅画学校的教师在皇家艺术学院,1949 - 50,它代表,从左到右:约翰·明顿科林•海耶斯Carel重量,罗德尼烧,罗伯特•布勒公司查尔斯·马奥尼,肯尼思•朗特里拉斯金枪,罗德里戈·莫伊尼汉。叙事人物之间的关系及其在空间的位置是引人注目的,没有任何的知识莫伊尼汉的保姆或他们自己的工作,但事实上,这是一幅画的画家添加有趣的问题他的保姆是否存在竞争的感觉当他们看到好的结果由莫伊尼汉的灵活的人才。(Ana Finel Honigman)

皮埃尔Soulages是一群艺术家实践的抽象绘画法。有关这种风格创作和书法的影响。他们的动态工作表达绘画的物理过程产生的图像。Soulages尝试了抽象,对背景光使用长笔触的黑漆。的标题这项工作指的是完成的日期。光滑,几乎光滑的石板和大片的丰富,黑漆相互叠加,创建一个主导的格构的平带的网络形象。一幅让人想起亚洲脚本与他们的手势和充满活力的书法形状和强烈的标志强调绘画的过程。尽管画布的体积小,闪亮的黑漆命令注意,加剧了浅色的小闪烁在黑暗中闪闪发光。(苏茜霍奇)

在1960年代艾伦琼斯sources-John威利的显式地从文化上不能接受的奇怪的埃里克·斯坦顿的束缚的漫画杂志,brown-paper-bag-wrapped porn-all导致他的有争议的典范,1969年的真人大小的雕像women-as-furniture (椅子,帽子站,表)。男人女人是一系列的绘画探索性别身份和性别刻板印象的分解。琼斯,融合了男性和女性的原型,两个无头,但在他强大的green-against-red两极分化的配色方案,他颠覆了陈词滥调在穿着红衬衫的男人(红色的芬芳的色情:口红、胭脂,红灯区)对女人的绿色色调。琼斯的绘画是自然的、宽松和自由;颜色生动的和大胆的。他是一个毫无悔意好色者,还有亨利·马蒂斯和拉乌尔Dufy。(保罗·汉密尔顿)

帕特里克鹭反对开车向抽象在1950年代在年底前十年,当他开始生产水平的颜色块组成的画布。在此之前,他一直在制造混乱,经常泥泞的立体派图像。但是一旦他清了清他的调色板,他开始将其他形状和更复杂的成分,和他的一些流派最感人和宏伟的画布。圆和圆形式成为他的签名,但颜色是他明显的感兴趣的领域。他平衡的对比色远远超过其他抽象画家,和他的技术创造了柔软的质地和顺从的表面的假象。作为一个年轻人,鹭担任纺织设计师为他父亲的公司。他的理解设计和织物是很明显的在他的创作美丽的方法,丰富的纯色饱和他的画布。镉与紫色、朱红色、翡翠、柠檬和威尼斯:1969是一个完美的例子鹭与纺织品的早期亲密通知他成熟的作品。这幅画给人的印象是丝网印刷,颜色是吸收画布,让红色,绿色,紫色融合在一起但仍被逮捕。鹭发表广泛作为一个评论家,但他暂时停止写作批评他一旦开始在一个抽象的绘画模式。写作可以说是阻碍海伦的创造力和他在画布上夸张地表现感情的能力。他的绘画发展从批评他打破后,这种非凡的工作证明。(Ana Finel Honigman)

弗雷德·威廉姆斯无疑是一个最重要的和有影响力的20世纪澳大利亚艺术家。出生在墨尔本,他研究了一段时间在维多利亚国家美术馆的艺术学校于1951年前往伦敦。有他照片筹划者和研究在切尔西艺术学院和中央工艺美术学院。在伦敦,威廉姆斯产生一系列的场景音乐大厅。在返回澳大利亚他发达的版画复制匠技巧,并将他的注意力转向描绘他的祖国的风景在新和非凡的方式。不久他开始出现的独特见解,他试图通过作品传达的巨大和永恒的内地。使用颜色和微妙的标记给一种怪异的飙升的一个伟大的高度。Werribee峡谷位于维多利亚,澳大利亚,它是一个壮观的自然现象。这样一个重要的功能而自豪的地方这幅画,被干燥的色彩和神秘的标记。Werribee澳大利亚土著居民的一词,意为“骨干”,和弯曲线表明,也许,一条蛇的轮廓。威廉姆斯的作品成为节省的看着他。后来这些风景的艺术家是很好的例子,经过长时间的旅程,发现他的真实声音。(Stephen一点儿)

菲利普Guston最好可以理解为两个画家:之前和之后。“之前”Guston是个轻松成功的抽象表现主义。他的油画从1950年代的色板通常包括固体红、黑色或白色集中在画面的中心。相比之下,重复的粉色卡通人物和物体占据他的“后”工作。在语气中,特定的粉红色,成了他的签名是让人想起老嚼口香糖,但是,尽管这个协会的甘味,后来小甜在Guston的画布。这些画是由彩色填充咖啡杯,烟头,脏靴子,凌乱的床,和寂寞男人的蓬松的粉红色面临减少大,害怕的眼睛和嘴巴堵住了香烟。Guston的其中一个截然对立的绘画风格和他拒绝另一个是定义脱离邪教对抽象统治1950年代的艺术世界。虽然涂上深色的,忧郁的面板比是典型的在他的职业生涯中,黑海另有Guston成熟的象征,打破旧习的工作。在海的那边是一个蓝色的天空中还夹杂着光,像天空黎明,但是,而不是太阳,鞋的鞋跟高于地平线升起不祥。(Ana Finel Honigman)

拼贴艺术家、画家理查德•汉密尔顿被认为是第一个流行艺术家。伦敦出生在一个工人阶级家庭,他从学校退学,当学徒电工在晚上在中央圣马丁艺术课程。然后他进入皇家学院,但他被驱逐没有课程。在军队参军之后,汉密尔顿加入斯莱德艺术学院前两年在伦敦展出独立。极大的启发马塞尔·杜尚1966年,他和他成了朋友,策划首先回顾杜尚的作品在英国。喜欢杜尚,汉密尔顿借来的图像和引用直接从大众文化和recontextualized他们强调政治、文学、社会意义。灵感来自一部纪录片“肮脏的抗议”,共和党在北爱尔兰的迷宫监狱囚犯,公民描绘了一个messianic-looking抗议者站在牢房里上满是粪便。在迷宫抗议,囚犯要求列为政治犯拒绝洗或穿规定的衣服和粪便涂抹他们的细胞。汉密尔顿代表粪便软,布朗还洗的颜色围绕着破烂的英勇的中心人物。形象是“令人震惊的污秽的内容少,”汉密尔顿断言,“比其效力…基督殉难的实体化。“这幅画的标题是借用了绰号从詹姆斯·乔伊斯的一个角色《尤利西斯》。(Ana Finel Honigman)

肖恩·史卡利是一个最好的抽象画家20世纪末和21世纪初。他的标志性图案,条纹及其变种,贯穿他的异常丰富的作品,证明了艺术家的无限制的重复的超验力量的信念。开始他在学生时代纽卡斯尔大学,史高丽跟着一贯的个人路径为了恢复在比喻抽象的主导地位。艺术家一再认为,抽象成为脱离现实世界,以及抽象灌输深刻的人类情感的愿望是他的野心的核心。画在内存中史高丽的儿子不幸去世后,保罗在最直接的方面声明其表达意图。其规模唤起身体活动在工作室的一个场景,绘画的各种颜色的水平和垂直分量已经建立了表面的画布。像许多艺术家的作品从1980年代中期,保罗包含一个部分的面板,骄傲的邻国。这个设备将画从墙上并与戏剧性的雕塑和建筑投资属性。尽管图中没有参与史高丽共振绘画、形式和颜色被指控一个特别朴实的和情感的存在。(保罗席位)

在德累斯顿生于1932年,他作为一个画家,训练格里希特搬到西德就在柏林墙建于1961年,在杜塞尔多夫学院学习。他建造了一个实践,站在除了绘画的既定惯例和受欢迎的声音的时间预测绘画的最终消亡。特点是打破风格不遵循通常的线性年表从外形到抽象,他身体的works-designated艺术家“具象”,“建设性的”和“抽象”重叠,和绘画在同一时期生产经常在外表和方法有明显不同。这些审美矛盾的核心级的方法,他拒绝任何奇异的风格作为一种不必要的限制他的实践作为一个艺术家。圣约翰是一系列的抽象绘画被称为“伦敦油画,”教堂在威斯敏斯特教堂的名字命名的。它从最初的绘画到生成一层进一步涂料的应用。里然后用刮刀刮,把地面拖出前一层。混合层导致一幅画,完全可以预测和控制,相似性没有原始图像。级调用音乐在这些画作的亲和力,突显出他们的幻影和抵抗描述。(罗杰·威尔逊)

喜欢艺术,赛马订阅发明自己的一套规则,因此它似乎自然英国艺术家马克墙体,他应该使用一个活动的人工反映了后者是他选择的职业。他在1995年获得特纳奖提名后非正统的一个真正的艺术作品,他买了一匹赛马,称之为艺术品,传统的马塞尔·杜尚现成的。除了承认任何对象的识别作为一个艺术作品涉及到信仰上的飞跃的观众,一个真正的艺术作品涉及到令人不安的后果引起了优生学的前景。这个主题发现另一个出口在一组相关的四个自然主义作品的前一半的一个著名的英国赛马搭配的屁股孕产妇和同样著名的结拜兄弟:双剑符号与敏锐,Unfawain Nashwan,与早熟的朱庇特岛,在泰特美术馆收集——在这幅画退出与狡猾的地方。综上所述,这些真人大小的绘画的赛马反思父母之间的关系的复杂性及其后代和关键螺栓农场所扮演的角色在决定任何良种的繁育计划的结果。在他探索的问题的文化和个人的身份,在他的作品中,与赛马、墙体创造了最重要的一个身体的工作出来的英国在这个问题上的自我和归属感。(保罗席位)

纽约时报评论家迈克尔Kimmelman约翰Currin形容为“近代杰夫•昆斯”贩卖后现代的讽刺,虽然其他批评者已经不那么慷慨。Currin首先是一个工匠和一个非常熟练的画家选择工作空间之间桑德罗·波提切利伟大的美国插画家诺曼·罗克韦尔的生活,主人奥斯汀鲍尔斯。Currin是耶鲁大学的校友,他在1986年获得硕士学位。一个展在1995年在伦敦当代艺术学院举办后跟他夹杂物在许多重大国际显示了他的地位,他那个时代最成功的画家之一。他的名声使他的作品展示了世界上主要的博物馆和美术馆。有一组非常诱人的工艺技能Currin吸引听众的地方他们通常不会敢走。结构模型是专业的金发女郎,共享一个幽灵和超过相似与他们的创造者。蜜月裸体是一个当代庆祝两个老喜欢绘画的故事:技能和异性恋男性的欲望。在1990年代末,许多评论家都激怒了他描绘他的女性主题,特别是通过一系列绘画他大的女性,在解剖学上膨胀的胸部。太聪明,反应的计算不知道他的画对公众,Currin显然傻瓜和他的观众在享受他的手艺。(Stephen一点儿)

德国画家基督教Schad研究简要在慕尼黑之前搬到瑞士1914年左右。在那里,他开始尝试摄影和达达运动参与。Schad离开瑞士1920年意大利,然后返回德国,1928年定居在柏林,在那里他继续发展他的清醒的现实主义风格而闻名。他是传统上与Neue Sachlichkeit(新的客观性)运动主要发生在德国和意大利在1920年代中期。Schad神秘的自画像(也称为自画像与模型)被认为是他的杰作。画中的两个人物之间的关系是模糊的。框架中没有表明,观众正在观看一幅艺术家的作品和他的模型。没有明显的特性,比如一个画架,表明这是一个艺术家的工作室。艺术家的位置前面的模型在一定程度上掩盖了她的下体。虽然不是赤裸的自己,男性图是穿着一个巧妙地画透明的服装,以图形方式显示他的躯干。图像加载与象征意义。水仙,标志着虚荣,倾向于艺术家。主题都十分描述和散发出的性权力。令人不安的是,女人的脸被标识为一个疤痕,或freggio。这样的伤疤造成男性在意大利南部爱人视为一个信号,表明他们的激情和拥有情人的身体。琼斯(朱莉)

这幅画被称为和谐蓝月光,但1872年弗雷德里克·r·Leyland航运巨头和赞助人,建议这个名字夜曲为詹姆斯·麦克尼尔惠斯勒的绘画泰晤士河的观点。惠斯勒立即被吸引到这个选择标题,因为它认为绘画可能渴望拥有相同的影响音乐夜曲是夜间一片虔诚的音乐。此外,标题与惠斯勒的首要关注,艺术应该一定自治动力由自己内部逻辑和动力。夜景:蓝色和Silver-Chelsea是最早研究从惠斯勒夜曲系列和描述了一个视图横跨泰晤士河从巴特西向切尔西。当它首次展出达德利画廊在1871年最初的标题,这不是完全好评。在这幅画的主要批评是,它似乎是未完成的。惠斯勒并不是唯一艺术家被指责——成熟的工作J.M.W.特纳后期工作保罗塞尚类似的批评的对象。惠斯勒确实减少了,只有少数的基本元素,但经济支撑着这个“印象”掩盖了一个灵巧的触摸和捕获的质量更加敏感的光通过最简单的方式。此外,惠斯勒成功地传达了一种视觉伦敦这是抒情的,渴望的,短暂的,完全是他自己的。(克雷格的员工)

虽然在大多数人的头脑与油有关,J.M.W.特纳被许多人认为是水彩风景画的父亲。水彩艺术家提供一种完美他的手艺终其一生,和画在这个研究中常常形成大型石油工作的基础。特纳水彩帮助了解如何描绘风景,他爱以及如何推进在文体上,因为它允许这样一个自由探索色彩和光线的影响。这项工作属于一个时期,从1814年到1830年,在此期间特纳周游英国和欧洲,画风景,他去了。他几年前第一次来意大利绘画河的场景,汽船和国外经历的光使他的颜色纯净和照明更自然。这并不奇怪,因此,特纳的启发克劳德·莫奈和卡米尔毕沙罗和法国画家以他为最伟大的英语。在这个工作中,最小的绘画完全捕捉到现场。敲几下光显示汽船的水反射,而不透明的水粉画巧妙地挑出前景人物和遥远的岩石;整个注入了令人信服的户外光线。技术是多余的,典型的特纳,一些地区比另外一些更详细的。然而,现场有一个真正意义上的角度来看,空间和距离。特纳还喜欢把旧的和新的,这里的汽船时代工业和工程通过发出轧轧声温柔的田园景象。(安凯)