西方音乐欧洲产生的音乐以及从古代到21世纪从欧洲形式衍生出来的音乐。各个文明古国进入历史时期，音乐文化都十分兴盛。其主要功能显然与宗教有关。其他的音乐场合也有同样的功能:激发军事热情，抚慰劳动的伴奏，增强戏剧性场面的助推器，活跃社交聚会的背景。在每种情况下，音乐声音都伴随着身体运动(舞蹈、进行曲、游戏或工作)或歌曲。有证据表明，居住在底格里斯河和幼发拉底河附近的美索不达米亚地区的居民——苏美尔人巴比伦人，以及亚述人(约3500-c)500公元前)，他们拥有各种基本类型的乐器:自鸣机、气鸣机、弦乐器和膜鸣机。刻在石头上的难以辨认的赞美诗，可追溯到公元800年公元前是早期音乐记谱系统的证据。在地中海东部的文化中，希腊人以他们的调式系统(在一个音阶上排列音符以构建旋律的方法)，通过罗马人与西欧的音乐发展建立了最直接的联系，罗马人在军事上击败了希腊人，但却完整地吸收了他们的文化。随着罗马帝国的衰落，延续古代音乐遗产的机构是基督教会。从6世纪晚期开始，根据传统，早期的教堂音乐是由蒲柏编纂和组织的格里高利一世．格里高利圣歌在9世纪开始扩张，使用比喻(文本或旋律部分添加到先前存在的旋律或文本和音乐的组合，纳入现有的礼仪音乐)。格里高利的曲目被复调的革命性概念进一步丰富，复调是同时演奏两条或多条旋律线。毫无疑问，世俗音乐也在早期蓬勃发展中世纪但是，除了零星的参考文献外，西方世界对这类音乐的最早描述是歌利亚德的音乐——从7世纪开始，巡回的小神职人员和学生，他们在这片土地上游荡，唱着和演奏着有关爱情、战争、饥荒和当时其他问题的歌曲。在12世纪和13世纪，游吟诗人运动迅速发展，开始于法国南部的贵族，他们在该地区的主要宫廷中流传，用白话写诗和唱诗。15世纪早期音乐的繁荣和世俗化被普遍认为是音乐复兴的开始。复调和现代调性(围绕一个主音组织音乐)的早期先驱被发展起来。这个词巴洛克式的泛指大约在1600年到1750年期间盛行的艺术中浮夸的，戏剧性的，充满活力的精神。这一时期，调式的数量减少到两个(大调和小调，以及由它们衍生出的音符和和弦的对比组)，并开始尝试用大型音乐形式(歌剧，清唱剧，奏鸣曲,协奏曲)．巴洛克时期的艺术达到了顶峰约翰·塞巴斯蒂安·巴赫而且乔治·弗里德里克·亨德尔．在随后的古典时期，巴洛克音乐的精致对位肌理被微妙的动态区分音乐所取代，通常基于简单的民间材料(节奏和旋律)。在奏鸣曲和歌剧中，音调材料与大型音乐形式的关系达到了最高境界。将古典风格与巴洛克风格区分开来的根本变化被提炼和稳定，特别是由约瑟夫·海顿，沃尔夫冈·阿玛多厄斯·莫扎特，克里斯托夫·威利博尔德·格拉克，而年轻人路德维希·范·贝多芬．后者的音乐体现了从古典到浪漫的过渡。贝多芬早期的作品是寄希望于经济上的回报而创作的，但他后来的作品，大约从1820年开始，是独立于这种考虑而创作的，只是根据他的想象而创作。因此，贝多芬帮助确立了个性、主体性和情感表达作为浪漫主义作曲家的标准，包括理查德·瓦格纳，彼得·伊里奇·柴可夫斯基,谢尔盖·拉赫曼尼诺夫．歌剧在整个19世纪仍然是一个蓬勃发展的流派，意大利歌剧在19世纪上半叶继续作为主导类型，特别是在艺术家手中焦阿基诺,罗西尼，文森佐·贝利尼，还有盖塔诺·多尼采蒂．然而，最能代表这一时期意大利歌剧的人是威尔第他的作品仍是演出最多的作品之一。在19世纪后期，倾向于更现实和话题的主题产生了写实主义(“现实主义”)学校的Ruggiero Leoncavallo, Pietro Mascagni，和普契尼．在浪漫主义时代，由于钢琴技术的快速发展和新富裕的中产阶级对娱乐和娱乐的需求不断增长，钢琴音乐是最受欢迎的音乐类型之一。程式化的舞蹈音乐继续流行，但民族主义类型，如波兰舞曲和玛祖卡，华尔兹取代了前一个时代的古板小步舞曲。弗雷德里克·肖邦，罗伯特·舒曼，弗朗兹李斯特,约翰内斯·勃拉姆斯都是贝多芬之后主要的钢琴作曲家。与键盘文字相对应的声乐作品是钢琴伴奏的独唱歌曲。随着德国浪漫主义诗歌的兴起约翰·沃尔夫冈·冯·歌德，席勒，海因里希海涅和其他一些人，大约在19世纪初，德国人撒了谎(“歌曲”)。他是抒情音乐的先驱和最多产的作曲家弗朗兹·舒伯特．按时间顺序，他的主要继任者是卡尔·洛伊，门德尔松雨果·沃尔夫，还有理查德•施特劳斯．19世纪的最后几十年见证了浪漫主义的扩散，当时以印象派为代表的音乐风格出现了与当前音乐词汇的重大背离德彪西一样而且莫里斯·拉威尔．印象派的无定形节奏模式、全音阶、相邻和弦的自由关系概念以及万花筒般的纹理，都是绘画和文学中流行的美学运动的音乐表现。实验工作阿诺德勋伯格而且伊戈尔斯特拉文斯基1910年左右，音乐进入了一个新纪元。勋伯格抛弃了传统的调和和不调和的概念，导致了无调性和12音技术的发展(在这种技术中，八度音阶的所有12个音调都是连续的，或给出一个有序的关系)。斯特拉文斯基革命性的风格集中在韵律不平衡和打击不和谐上。大约从1950年开始，两个领先的团体开始尝试电子音乐，一个在科隆，另一个在巴黎。这两种方法与过去的音乐具有相同的音高、强度、持续时间和质量，但所有其他音乐组织的概念都被抛弃了，包括表演者的必要性。通过使用数学和计算机来确定声音材料的性质——无论是电子的还是用更传统的方式产生的——以及它们的组织，音乐的非人化又向前推进了几步。电子技术进步的另一个结果是20世纪流行音乐的迅猛发展。新技术使声音的高保真再现成为可能，并使声音通过无线电、留声机、录音机、电视、光盘以及后来的互联网和流媒体服务得以广泛而迅速地传播。流行音乐采用的一种新形式是蓝调这是一种世俗的民间音乐，于19世纪末在美国南部的非裔美国人中流行开来。布鲁斯表演者通过使用诸如装饰音这样的声乐技巧、诸如切分音这样的节奏技巧和诸如“哽咽”(操纵吉他弦来创造一种哀鸣的声音)这样的乐器技巧来表达悲伤。布鲁斯和拉格泰姆对另一种最初的非裔美国人音乐形式的发展产生了重要影响:爵士乐．这种以器乐为主的音乐以切分音节奏、复调合奏、不同程度的即兴创作、经常故意偏离音高和使用原始音色为特征。在20世纪早期，爵士乐节奏的新奇吸引了一些艺术音乐作曲家，他们偶尔会在自己的作品中加入爵士乐的习语。大约从1930年起，这种影响开始向两个方向发展，爵士乐逐渐采用了起源于艺术音乐的技术。爵士乐使各种风格的出现，包括摇摆不定的比波普爵士乐。除了爵士乐，从20世纪中期开始，布鲁斯音乐也极大地影响了爵士乐的发展节奏与布鲁斯，灵魂的音乐,岩石．然而，另一种与非裔美国人有渊源的音乐形式是说唱，它在20世纪70年代末出现在纽约市的嘻哈乐坛。它的特色是在有节奏的器乐轨道上播放半口语的押韵，有时会利用DJ的混音技术和现有录音的样本。
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