摇滚与录音技术

在20世纪40年代早期，人们开始录音来记录音乐表演。除了麦克风的存在(也许，没有观众)，整个过程和现场表演完全一样:所有的成员一起“现场”演奏和唱歌，音乐被蚀刻在屏幕上醋酸阀瓣。这是为商业发行制作副本的母版。没有编辑的可能;只能对以后的表演作更正和订正。然而，第二次世界大战后，有了很大改进的媒体磁带提供了优越的音质和可编辑性的关键优势。从简单的胶带拼接到最近的剪切粘贴数字音频在美国，编辑的能力催生了一种“记录意识”，这种方法试图超越录音棚的简单记录功能，挖掘其创作和实验的潜力。

多声道技术为录音带来了额外的维度:单个乐器或一组乐器可以单独录制，而不一定是同时录制。然后，所有音轨都通过调音台输入，在调音台中，单个音量相对于整体声音进行设置。在混音阶段，使用信号修改装置来增强或在某些情况下改变录制材料的原始音色。山姆·菲利普斯的“抽耳光”延误治疗猫王的声音,菲尔·斯佩克特音乐对回声室的独特使用，以及数字采样带来的非凡创新，都说明了看似“自然”的声音是如何在流行音乐的创作中受到技术的影响。因此，技术增加了录音艺术家对创作流行音乐过程的控制，以至于工作室本身已经成为创作过程的主要场所。流行音乐家通常在开始录制项目时，除了一个宽泛的概念框架和卡带上的一些草图之外，几乎没有其他材料。随着工作的进行，艺术家将通过对不同结构和音色可能性的大量实验来塑造音乐。因此，磁带机被用作一种标记设备，交流的主要方式是口头。（吉米·亨德里克斯例如，它会让磁带机在整个录音过程中一直运行。)此外，表演者和作曲家、技术人员和艺术家之间的大多数传统区别已经模糊，因为创意输入来自所有参与者，而不管他们的正式角色是什么:吉他手可能会建议低音线;工程师可能会提出一个有用的批评，一个接管另一个导致音乐的变化。